Japanische Krone aus vergoldeter Bronze

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Japanische Krone aus vergoldeter Bronze - Geschichte

BUSSHI 仏師 VON JAPAN = BILDHAUER VON JAPAN
Wer hat Japans Buddha-Statuen hergestellt?
Bildhauer, Schulen und Werkstätten
in der japanischen buddhistischen Statuen
ASUKA ERA, TORI BUSSHI, TORIHA SCHOOL

SCHLÜSSELWÖRTER
Kuratsukuri-be
Kuratsukuri
Shiba Tatsuto
Tori
Tori Busshi
Tori-Schule
Toriha-Schule
Tori Shiki
Tori Yoshiki

  • Tori Busshi 止利仏師, berühmter Bronzebildhauer der Zeit. Busshi ist die Bezeichnung für buddhistische Bildhauer. Siehe Glossar.
  • Toriha 止利派 (Tori-Schule) Werk, das Tori Busshi oder seinen Schülern zugeschrieben wird.
  • Kuratsukuri no Tori . Ein anderer Name für Tori Busshi, denn Tori war Berichten zufolge der Kopf einer Gruppe chinesischer Handwerker, die zu dieser Zeit in Japan lebten, die Kuratsukuri-be genannt wurde. Nach den meisten Quellen war Tori der Enkel eines chinesischen Einwanderers namens Shiba Tatsuto 司馬達等 (auch Shiba Tatto gelesen), dessen Clan ursprünglich Pferdesättel herstellte, eine Kunst, die Kenntnisse im Metallguss und anderen Handwerken erforderte. Andere Quellen sagen, Tori stammte aus Korea.
  • Tori Yoshiki 止利様式 (Yōshiki, Youshiki). Auch Tori Shiki 止利式 geschrieben. Der Begriff bedeutet wörtlich “Tori-Stil.” Tori Busshi wurde zum Inbegriff der Kunst der frühen Asuka-Zeit Japans, und Statuen, die von seiner Hand oder von seinen Lehrlingen hergestellt wurden, werden als Tori Yoshiki oder Tori Shiki bezeichnet. Kunstwissenschaftler sind sich einig, dass die Skulptur im Tori-Stil von der buddhistischen Kunst der nördlichen und östlichen Wei魏-Königreiche Chinas (spätes 4. bis 6. Jahrhundert) beeinflusst wurde, die größtenteils von Koreanern, die vor dem Bürgerkrieg auf der koreanischen Halbinsel flohen, nach Japan übertragen wurde. Zu den wichtigsten Stilelementen der Skulptur aus der Asuka-Zeit gehören eine ausgeprägte Frontalität (ohne Rücksicht auf die Seiten oder die Rückseite der Bilder), nach oben gerichtete sichelförmige Lippen, mandelförmige Augen und symmetrisch angeordnete Falten in den Gewändern. Der Tori-Stil wurde stark von diesen künstlerischen Elementen beeinflusst, die zusammen mit den Einwanderern aus den koreanischen Königreichen Paekche (Jp. = Kudara 百済) und Silla (Jp. = Shinra oder Shiragi 新羅) nach Japan kamen. Nichtsdestotrotz vermittelt Toris Arbeit sowohl Weichheit als auch inneren Frieden, trotz der Standardposen, der geometrischen Starrheit und der etwas verlängerten Gesichts- und Körpermerkmale, die diese Zeit charakterisieren.
  • Hinweis zum koreanischen Einfluss. Viele Koreaner flohen im 6. und 7. Jahrhundert nach Japan, um den unaufhörlichen Kriegen zwischen den drei koreanischen Königreichen Silla (Jp. = Shiragi 新羅), Paekje / Paekche (Jp. = Kudara 百済) und Koguryo / Goguryeo (Jp. = .) zu entgehen Kōkuri 高句麗). Diese Einwanderer brachten zahlreiche buddhistische Bilder und Texte mit und spielten eine wichtige Rolle als buddhistische Akademiker, Lehrer, Bildhauer, Handwerker und Architekten. Viele der frühesten Tempelbauten Japans wurden beispielsweise von koreanischen Handwerkern hergestellt. Klicken Sie hier, um mehr über den koreanischen Einfluss zu erfahren.

AKTUELLE ARBEIT DER TORI-SCHULE

  • Koreanischer Einfluss. Abgesehen von den Tori-Stil-Bildern dieser Zeit sind andere wichtige Stücke der "sitzende Bodhisattva, der halb in Meditation geneigt ist" (Bosatsu Hankazō 菩薩半跏像 ) im Chūguji-Tempel 中宮寺 , der Teil des Horyu-ji-Tempels 法隆寺 (Hōryūji) in Nara war. Insbesondere Statuen von Miroku Bosatsu waren während der Asuka-Zeit weit verbreitet, und viele wurden nach koreanischen Vorbildern reproduziert. Weitere Informationen zum Einfluss Koreas finden Sie auf der Seite der Asuka-Era Art Photo Tour.


Miroku Bosatsu -- Zwei Ansichten derselben Statue
7. Jahrhundert n. Chr., Holz, 87 cm hoch
Chūgūji-Tempel 中宮寺 (Chuguji) in Nara

    Kudara Kannon . Die meisten Gelehrten glauben, dass diese berühmte Statue aus Korea stammt oder von in Japan lebenden koreanischen Handwerkern hergestellt wurde. Der Name der Statue – Kudara Kannon 百済観音 – bedeutet wörtlich „Paekche Kannon“. Paekche (Paekje 百済) war während dieser Zeit eines von drei Königreichen in Korea, und Kannon ist eine der beliebtesten buddhistischen Gottheiten in Asien. Die extreme Dünne der Statue wirkt auf den ersten Blick bizarr, aber die Gelassenheit im Gesicht und die schöne durchbrochene Bronze in der Krone sind wunderbar. Die Vase symbolisiert den “Nectar” von Kannons Mitgefühl – sie stillt den Durst derer, die zu Kannon um Hilfe beten. Vieles deutet darauf hin, dass die Statue aus Korea stammt (oder von koreanischen Handwerkern in Japan hergestellt wurde). Die hervorragende Verarbeitung des Stücks sowie viele der stilistischen Nuancen (schwaches Lächeln, schlankes Gesicht, dünner Körper, Falten im Gewand, Heiligenschein) sind alle Markenzeichen der Paekche-Handwerker und entsprechen im Allgemeinen Kunstwerken aus Koreas Drei-Königreich-Periode. Im Buch Koreanischer Einfluss auf die japanische Kultur (Korea: Hollym International Corp., 1984), sagen die Autoren Jon Carter Covell und Alan Covell, dass der wichtigste Hinweis auf den Einfluss von Paekche das Geißblatt-Lotus-Muster der Krone ist, das auch unter den Artefakten zu finden ist, die im Grab von Paekche entdeckt wurden. 39er König Munyong (regierte +501-523). Die Windung der Ranken, sagen sie, plus die Anzahl der Vorsprünge aus den Kronenblättern, sind fast identisch mit ähnlichen erhaltenen koreanischen Stücken.

    Tischler in der Asuka-Zeit
    Unterhalb des Textes mit freundlicher Genehmigung des TIME MAGAZINE, 16. Februar 2004
    Von den 202 buddhistischen Heiligtümern im Viertel Tennoji von Osaka sticht eines hervor: Shitennoji 四天王寺 (Shitennōji), der erste japanische Tempel, der von einem König (Prinz Shotoku) in Auftrag gegeben wurde, und einer der ältesten buddhistischen Komplexe in Japan. Der Bau begann im Jahr + 593, nur Jahrzehnte nachdem die Religion die Küsten des Landes erreicht hatte. Einer der Schreiner für Shitennoji, Shigemitsu Kongo, reiste für das Projekt aus dem koreanischen Königreich Paekche (jp. = Kudara 百済 ) nach Japan. Über anderthalb Jahrtausende wurde Shitennoji von Taifunen gestürzt und von Blitzen und Bürgerkrieg bis auf die Grundmauern niedergebrannt – und Shigemitsus Nachkommen haben seine sieben Wiederaufbauten beaufsichtigt. Heute wird Kongo Gumi Co. in Büros mit Blick auf den Tempel von dem 54-jährigen Präsidenten Masakazu Kongo geleitet, dem 40. Kongo, der das Unternehmen in Japan leitet. Sein vor mehr als 1.410 Jahren gegründetes Unternehmen gilt als das älteste Familienunternehmen der Welt. &Zitat aus dem Time Magazine>

  • JAANUS.Japanisches Architektur- und Kunstnetz-Benutzersystem. Online-Datenbank zur japanischen Kunstgeschichte. Es wurde von der verstorbenen Dr. Mary Neighbor Parent zusammengestellt, deckt sowohl buddhistische als auch Shintō-Gottheiten sehr detailliert ab und enthält über 8.000 Einträge.
  • Dr. Gabi Greve.Siehe ihre Seite über japanisches Busshi. Gabi-san hat die meisten Recherchen und das Schreiben für die Edo-Zeit bis in die Moderne durchgeführt. Sie schreibt regelmäßig an Websites und unterhält zahlreiche informative Websites zu Themen von Haiku bis Daruma. Vielen Dank Gabi-san .
    Heibonsha, Skulptur der Kamakura-Zeit. Von Hisashi Mori, vom Heibonsha Survey of Japanese Art. Gemeinsam herausgegeben von Heibonsha (Tokio) & John Weatherhill Inc. Ein Buch, das mir sehr am Herzen liegt, widmet diese Publikation viel Zeit den Künstlern, die die skulpturalen Schätze der Kamakura-Ära geschaffen haben, darunter Unkei, Tankei, Kokei, Kaikei und viele mehr. Sehr empfehlenswert. 1. Auflage 1974. ISBN 0-8348-1017-4. Bei Amazon kaufen.

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Lord Ganesha ist Kangiten in Japan

Ganesha oder Kangi-ten (歓喜天) ist ein Gott in Shingon & Tendai-Schulen des japanischen Buddhismus. Legenden hinter Soshin Kangi-ten (männlich & weiblich umarmte Form), Evil Vinayaka, Saraswati (Benzaiten), Bishamonten (Kubera) etc.
Er ist die japanische buddhistische Form von Ganesh und wird manchmal auch mit dem Bodhisattva . identifiziert Avalokiteshvara (jemand, der den Schreien von Lebewesen zuhört, die Hilfe brauchen).
Kangiten ist auch bekannt als Kanki-ten (zehn bedeutet Gott oder Deva), Shō-ten (聖天, ‘heiliger gott‘ oder ‘edler Gott’), Daishō-ten (‘großer edler gott‘), Daishō Kangi-ten (大聖歓喜天), Tenson (天尊, ‘ehrwürdiger Gott‘), Kangi Jizai-ten (歓喜自在天), Shōden-sama, Vinayaka-ten oder Binayaka-ten (毘那夜迦天), Ganapatei (誐那缽底) und Zōbi-ten (象鼻天) .
Ganesha oder Vinayaka soll immer in sein Turiya (तुरीय) Sthiti, das ist der vierte und glückselige Geisteszustand.
Die anderen 3 Zustände sind Wachbewusstsein, Träumen und traumloser Schlaf, die normalerweise allgemeine Bewusstseinszustände sind und Turiya diese drei Zustände transzendiert.
Das stimmt mit Kangiten überein Gott der Glückseligkeit.
Auch bekannt als Gaṇabachi oder Gaṇapati (Ganapati ist ein beliebter Beiname von Ganesha) und Gaṇwha (Ganesha). Wie Ganesha ist Bināyaka der Beseitiger von Hindernissen, aber wenn er versöhnt wird, verleiht er materiellen Reichtum, Wohlstand, Erfolg und Gesundheit.

Geschichte von Kangiten in Japan

Kangiten tauchte erstmals im 8. bis 9. Jahrhundert n. Chr. als kleinere Gottheit im japanischen buddhistischen Pantheon auf, möglicherweise unter dem Einfluss von Kukai (774–835), dem Begründer des Shingon-Buddhismus. Die hinduistische Ganesha-Ikone reiste nach China, wo sie in den Buddhismus aufgenommen wurde, und reiste dann weiter nach Japan.
Kangitens frühe Rolle in Shingon ist, wie die meisten anderen hinduistischen Gottheiten, die im Buddhismus assimiliert wurden, ein kleiner Wächter der Zwillingsmandalas. Später tauchte Kangiten als Besson auf, eine unabhängige Gottheit. Kangiten erscheint in zahlreichen japanischen Besson-Führern, die in der Heian-Zeit (794–1185) zusammengestellt wurden. Während es Rituale und ikonographische Formen wie die frühen chinesischen Texte umfasst, führt es Ursprungsmythen der Gottheit ein, um die buddhistische Natur des hinduistischen Ganesha zu rechtfertigen.
Frühe Bilder zeigen ihn wie mit zwei oder sechs Armen. Die Malereien und vergoldeten Bronzebilder der Dual Kangiten mit expliziten sexuellen Konnotationen entstanden in der späten Heian-Zeit unter dem tantrischen Einfluss des tibetischen Buddhismus, wo solche sexuellen Bilder (Yab-Yum) weit verbreitet waren. Die seltene japanische sexuelle Ikonographie wurde vor der Öffentlichkeit verborgen, um der konfuzianischen Ethik zu entsprechen.
Kangiten ist mittlerweile eine wichtige Gottheit in Shingon.

Soshin Kangi-ten (Dual Kangiten) mit männlichen und weiblichen Formen zusammen

Das duale Kangiten-Symbol namens Soshin Kangi-ten (“-Gott der Glückseligkeit”) ist ein einzigartiges Merkmal des Shingon-Buddhismus. Es heißt auch Soshin Binayaka auf Japanisch, Kuan-Shi-Ten auf Chinesisch und Nandikeshvara (Nicht Nandi) in Sanskrit.
dargestellt als elefantenköpfiges männliches und weibliches Paar, die sich umarmend stehen.
Das Geschlecht des Paares ist nicht explizit, aber in der Ikonographie angedeutet. Das Weibchen trägt eine Krone, eine geflickte Mönchsrobe und ein rotes Gewand, während das Männchen ein schwarzes Tuch über der Schulter trägt. Er hat einen langen Rüssel und Stoßzähne, während sie kurze hat. Er ist rotbraun gefärbt und sie ist weiß. Normalerweise legt sie ihre Füße auf seine, während er seinen Kopf auf ihre Schulter legt.
Es gibt keine konkreten Beweise für die Entstehung dieser männlichen + weiblichen Kangiten-Form. Es wird erstmals in chinesischen Texten gefunden, die sich auf den chinesischen tantrischen Buddhismus beziehen, der sich auf die Buddha Vairocana und von den drei großen Meistern verbreitet ubhakarasiṃha, Vajrabodhi, und Amoghavajra. Die Dharanisamuccya vom Mönch ins Chinesische übersetzt Atigupta (Atikuta) 654 n. Chr. beschreibt ein Ritual zur Verehrung des Dual Kangiten das gleiche Ritual wurde von Amoghavajra (705–774) in seinem Ritualtext Daishoten Kangi Soshin Binayaka ho repliziert. Amoghavajra beschreibt Soshin Kangiten als einen Deva, der seine Wünsche erfüllt und einen Trayaka, den Beschützer gegen Böses und Unheil. Es beschreibt Rituale und Mantras, um die Gunst des Dual Kangiten sowie des sechsarmigen Shoten zu gewinnen. In einem anderen Text von Amoghavajra heißt Soshin Kangiten a Bodhisattva.

Rituale, um Kangiten zu besänftigen, werden beschrieben, um drei materielle Dinge zu erlangen: Königtum, Wohlstand und ausreichend Nahrung und Kleidung. Der Text schreibt vor allem Wein vor, den “Wasser der Glückseligkeit” als Opfergabe an Kangiten.
Śubhakarasiṃha (frühes 8. Jahrhundert) im Text, älter als Amoghavajra, aber nachdatiert Atigupta, komponiert in c. 723-36, setzt Kangiten mit Shiva gleich und verbindet den Hindu-König Vinayaka mit Avalokiteshvara (Kannon).
Der Dual Kangiten könnte auch durch die hinduistische tantrische Darstellung von Ganesha mit Gemahlinnen entstanden sein.

Legende des bösen Vinayaka in Japan

Es gibt viele japanische buddhistische Kanons, die Geschichten über die böse Natur von Vināyaka erzählen. Die Kangisoshinkuyoho sowie der frühe chinesische Text von Śubhakarasiṃha beschreibt, dass König Vinayaka (Binayaka) der Sohn von Uma (hi) (Parvati, Mutter von Ganesha) und Maheswara (Siva), Vater von Ganesha, war. Uma bringt 1500 Kinder von ihrer linken Seite hervor, von ihrer Linken eine Schar böser Vinayakas, angeführt von Vinayaka (Binayaka) und von ihrer Rechten, wohlwollende, tugendhafte Heerscharen, angeführt von der Manifestation von Avalokiteshvara – Senanayaka (Herr der Armee [der Götter], identifiziert) mit dem hinduistischen Kriegsgott Skanda, der Bruder von Ganesha), die Antithese von Vinayaka. Senanayaka würde viele Geburten als älterer Bruder (wie in der hinduistischen Tradition) oder Ehefrau von Vinyanaka nehmen, um ihn zu besiegen. Dann sagt der Text von Śubhakarasiṃha, dass Senanayaka als Ehefrau Vinayaka umarmt, was zur Ikone des Dualen Kangiten führt. Im japanischen Pantheon gilt Kangiten als Bruder von Ida-ten, der mit Skanda identifiziert wird.

Eine andere Legende erzählt, dass der König von Marakeira nur Rindfleisch und Radieschen aß. Als diese selten wurden, fing er an, sich an menschlichen Leichen und schließlich an Lebewesen zu laben, und verwandelte sich in den großen Dämonenkönig Vinayaka, der eine Armee von Vinayakas befehligte. Die Leute beteten zum Avalokiteshvara, der die Form eines weiblichen Vinayaka annahm und Vinayaka verführte und ihn mit Freude (Kangi) erfüllte. So wurde er in Vereinigung mit ihr der Duale Kangiten.

Das Kukozensho erzählt, dass Zaijizai, Maheshvaras Gemahlin, einen Sohn namens Shoten hatte, der aufgrund seiner bösen und gewalttätigen Natur aus dem Himmel verbannt wurde. Eine schöne Göttin namens Gundari (Kundali) nahm die Gestalt einer schrecklichen Dämonin an und heiratete Shoten, was ihn auf gute Wege führte. Eine andere Geschichte erzählt, dass Kangiten die böse Tochter von Mahaeshvara war, die aus dem Himmel vertrieben wurde. Sie suchte Zuflucht am Berg Binayaka und heiratete einen männlichen Binayaka, was zur Dual Kangiten-Ikone führte.
Japanische Varianten der Legende des Dualen Kangiten betonen, dass die Vereinigung von Vinayaka (dem Mann) und Vainayaki (der Frau) einen bösen Hindernisschöpfer in ein reformiertes Individuum verwandelt.
Die Idee hinter dieser Geschichte zeigt die Beziehung von Ganesha zu Kundali (Yogische Kraft, die in unserem Körper wohnt).
Diese Kundalini oder Kundalini wohnt als stille Energie bei uns Mooladhara-Chakra (am unteren Ende der Wirbelsäule, unterhalb des Steißbeins) in Form eines Elefanten, der im Schlaf seinen Rüssel zusammenfaltet.
Aus diesem Grund wird Ganesh (der symbolische Gott) mit seinem Moola Mantra meditiert, um Kundalini in Mooladhara zu erwecken.

Kangiten-Anbetung zusammen mit anderen Göttern in Japan

Kangiten gilt als mit großer Macht ausgestattet. Kangiten gilt als Beschützer der Tempel und wird im Allgemeinen von Spielern, Schauspielern, Geishas und Menschen im Geschäft von “ . verehrtVergnügen“. In rituellen Texten werden oft Mantras vorgeschrieben, um die Gottheit zu besänftigen und sogar diesen Hindernismacher zu vertreiben. Reiswein (Sake), Radieschen und “bliss-buns” (kangi-dan) werden dem Gott gereicht.
Hōzan-ji auf dem Gipfel des Berges Ikoma ist sein wichtigster und aktivster Tempel. Obwohl angenommen wird, dass der Tempel im sechsten Jahrhundert gegründet wurde, geriet er im 17. Kangiten, der Anziehungspunkt. In der Genroku-Ära (1688–1704) schlossen sich Kaufleute aus Osaka, insbesondere Verkäufer von Pflanzenölen, dem Kult von Kangiten an und führten ihren Erfolg auf seine Verehrung zurück.

Daishō-in oder Daisyō-in (大聖院?) ist eine historische japanische Tempelanlage, in der wir Benzaiten (Saraswati), Kangiten (Ganapathi) und Bishamonten (毘沙門天, Vaiśravaṇa oder Kubera) zusammen finden.


Japanische Krone aus vergoldeter Bronze - Geschichte

Lorenzo Ghiberti (Italienisch, 1378&ndash1455). Jakob und Esau-Panel, von Tore des Paradieses, 1425&ndash52. Vergoldete Bronze. Sammlung des Museo dell’Opera del Duomo. Bild mit freundlicher Genehmigung von Opificio delle Pietre Dure, Florenz.


EINLEITUNG
Nach über 25 Jahren ist die Konservierung von Lorenzo Ghibertis Tore des Paradieses steht kurz vor dem Abschluss. Die Ausstellung Die "Toren des Paradieses": Lorenzo Ghibertis Meisterwerk der Renaissance bietet eine beispiellose Gelegenheit, drei der berühmten Erzählreliefs der Bronzetüren zu alttestamentlichen Themen sowie vier zusätzliche Abschnitte aus den Türrahmen zu sehen, bevor sie im Museo dell’Opera del Duomo, Florenz, dauerhaft installiert werden. Es zeigt auch wichtige neue Erkenntnisse, die während ihrer Restaurierung gewonnen wurden, darunter Einblicke in den Herstellungsprozess und die Entwicklung von Ghibertis Bildsprache und Techniken.

Mitte des 15. Jahrhunderts entstanden und im Ostportal des Baptisteriums installiert, Tore des Paradieses wurden von Generationen von Künstlern und Kunsthistorikern für ihre überzeugende Darstellung von Szenen aus dem Alten Testament gelobt. Im Laufe der Zeit wurden die siebzehn Fuß hohen, drei Tonnen schweren Bronzetüren zu einer Ikone der Renaissance-Kunst und zu einem Prüfstein des bürgerlichen und religiösen Lebens in Florenz. Diese Ausstellung zeigt drei Tafeln von der linken Tür des Tore des Paradieses, die die Geschichten von Adam und Eva, Jakob und Esau und David und Goliath darstellen. Die Ausstellung umfasst auch Figuren und Köpfe von Propheten aus dem Türrahmen und untersucht die Entwicklung der Kunst in Florenz und Siena während Ghibertis Karriere mit Werken aus der ständigen Sammlung des Art Institute.


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DAS TOR DES PARADIESES PANELS – INHALT UND STIL
1425 erhielt Lorenzo Ghiberti den Auftrag, ein zweites Paar Bronzetüren für das Baptisterium von Florenz zu entwerfen. 27 Jahre lang arbeitete er an dieser Aufgabe und schuf ein Meisterwerk, das Michelangelo wegen seiner bemerkenswerten Schönheit und Erhabenheit als „wirklich würdig bezeichnete, das Tor zum Paradies zu sein“. Die Tafeln bieten dem Betrachter eine kohärente Vision von Ghibertis künstlerischem Genie und seiner innovativen Verwendung der Perspektive. Ursprünglich die Tore des Paradieses sollten 28 figurale Tafeln haben, wie in den früheren Sätzen von Baptisteriumtüren, aber dieser Plan wurde auf 10 Tafeln verkleinert, eine Entscheidung, die wahrscheinlich von Ghibertis ästhetischem Urteil beeinflusst wurde.

Die Adam und Eva-Panel dokumentiert Ghibertis früheste Arbeit an den Türen und zeigt eine herrliche Darstellung von nackten Figuren in einer Landschaft, die von engelhaften Heerscharen abgesetzt wird. Ghiberti kombinierte vier große Episoden aus der Geschichte von Adam und Eva zu diesem harmonischen Panel. Die Erschaffung Adams, ganz links im Vordergrund dargestellt, zeigt Adam in einem Zustand des Halbbewusstseins, der als Reaktion auf Gottes lebenspendende Berührung aufersteht. In der Mitte, während die Engel zuschauen, formt Gott Eva aus einer von Adams Rippen. Im Hintergrund links ist die Versuchung Adams und Evas durch die Schlange zu sehen, während die rechte Seite der Tafel die Vertreibung des Paares aus Eden darstellt. Feine Verschiebungen im Maßstab der Figuren verstärken einzelne Episoden in der Schöpfungsgeschichte. Ghiberti modulierte Maßstab und Projektionsgrad der Engel, um die vier Szenen visuell zu trennen.

In dem Jakob und Esau-Panel, verwendete Ghiberti ein neues System der linearen Perspektive, um die Erzählung zu konstruieren. Er ordnete die Episoden der Geschichte um einen Fluchtpunkt an, der vom Mittelbogen einer Renaissance-Loggia eingerahmt wird. Diese Tafel mit ihren fast dreidimensionalen Vordergrundfiguren, dem meisterhaften Einsatz der wissenschaftlichen Perspektive und der beeindruckenden Architektur zeigt, dass der Künstler an der Spitze des florentinischen Illusionismus und Geschichtenerzählens stand. In der Tafel erhält Jakob das Erstgeburtsrecht seines älteren Bruders Esau und den Segen ihres Vaters Isaak und wird so zum Gründer der Israeliten. Rebekah wird gezeigt, wie sie die Zwillinge unter der Arkade ganz links zur Welt bringt. Auf dem Dach oben rechts zeigte Ghiberti, wie sie die Prophezeiung über den zukünftigen Konflikt ihrer Söhne erhielt.

Eingerahmt im Mittelbogen verkauft Esau seine Rechte als Erstgeborener an Jakob, der seinem hungrigen Bruder dafür eine Schüssel Suppe anbietet. In der vorderen Mitte des Bildes schickt Isaak Esau auf die Jagd, und im rechten Vordergrund kniet Jakob vor dem blinden Isaak, der, ein behaartes Ziegenfell auf Jakobs Rücken fühlend, ihn für Esau hält und ihm fälschlicherweise den Segen dafür gibt der älteste Sohn.

In das David-Panel, illustrierte Ghiberti den Sieg des jungen David über den Riesen Goliath. David ist im Vordergrund zu sehen, wie er dem Riesen den Kopf abschneidet, nachdem er ihn mit einem Stein niedergeschlagen hat. Oberhalb dieser Episode führt König Saul – deutlich gekennzeichnet und über die kämpfenden Israeliten und Philister erhoben – seine Truppen in eine Vernichtung des Feindes. Eine Kluft in den Bergen dahinter zeigt David und seine Anhänger, die Goliaths Kopf triumphierend nach Jerusalem tragen.

GHIBERTIS EINFLUSS
Ghiberti etablierte in seinem zweiten Satz von Baptisteriumtüren einen neuen Zugang zur menschlichen Figur und Perspektive und beeinflusste seine künstlerischen Zeitgenossen stark. Bartolommeo di Giovannis Szenen aus dem Leben des Heiligen Johannes des Täufers aus der ständigen Sammlung des Art Institute zeigt die anhaltende Wirkung von Ghibertis Erzählstil, wie er in der Jakob und Esau-Panel. Der Einfluss von Ghiberti zeigt sich in der offenen Ansicht eines Innenraums und den diskreten Gruppierungen von Figuren, die über die Komposition verteilt sind und jeweils einen anderen Teil der Geschichte erzählen.


DAS MACHEN TOR DES PARADIESES
Während der Renaissance war Bronze weitaus teurer als Marmor und bereitete in einer Zeit vor dem industriellen Gießen erhebliche technische Schwierigkeiten. Ghiberti hat die . geschaffen Tore des Paradieses mit einer Technik, die als Wachsausschmelzverfahren bekannt ist. Nachdem er Zeichnungen und Skizzenmodelle in Ton oder Wachs angefertigt hatte, fertigte er maßstabsgetreue, detaillierte Wachsdarstellungen aller Bestandteile der Reliefs an. (Einige Wissenschaftler und Gelehrte glauben, dass er seine Reliefs direkt in Wachs modelliert hat, andere schlagen vor, dass er ein erstes Modell aus einem anderen Material und dann einen indirekten Wachsguss angefertigt hat.) Als Ghiberti und seine Assistenten ein Modell fertigstellten, fügten sie Wachsstäbe in verzweigten Mustern hinzu auf seinen Rücken. Das gesamte Relief wurde dann mit einem feuerfesten Material wie Ton bedeckt und erhitzt, bis das Wachs ausschmolz und eine hohle Form hinterließ. Die von den Stäben eingenommenen Räume dienten als Angüsse (Kanäle), durch die Bronze an die Oberfläche des Reliefs gelangte. Die Angüsse wurden nach dem Gießen von den Reliefs weggeschnitten, aber ihre Reste sind noch auf der Rückseite jeder Platte sichtbar.

Ghibertis Arbeit war erst halb fertig, als er die Bronzen aus den Formen nahm. Er musste noch die zeitraubende und mühsame Arbeit des Ziselierens, dh Hämmern, Schnitzen, Einschneiden und Polieren der Reliefs, vervollständigen. Mit seiner Ausbildung zum Goldschmied leitete er seine zahlreichen Assistenten bei der Reinigung und Veredelung von Details der Metalloberfläche.

Ghiberti verwendete eine Bronzelegierung, die etwas schwieriger zu gießen war als andere Bronzen dieser Zeit, aber auch sehr empfänglich für die Vergoldung war. Er mischte Goldstaub mit Quecksilber und malte die Mischung auf die Vorderseite jedes Reliefs. Einige seiner Pinselstriche sind noch sichtbar, aber größtenteils ist es ihm gelungen, eine glatte, leuchtende Oberfläche zu schaffen, die Luft und Atmosphäre suggeriert. Damit das Gold an der Bronze haftet, erhitzte Ghiberti jedes Relief, um das Quecksilber zu verbrennen, sodass nur das Gold an Ort und Stelle blieb. Dies war ein giftiger und gefährlicher Prozess, der nicht mehr verwendet wird.


Figuren und Köpfe der Propheten
Die Erzähltafeln der Tore des Paradieses werden von einer Reihe von 20 Propheten in Nischen eingerahmt, die sich mit 24 vorspringenden Köpfen abwechseln. Die stehenden Figuren, wie Restaurierte Figur eines Propheten in Nische stellen alttestamentliche Propheten, Heldinnen und Sibyllen dar, denen allgemein zugeschrieben wird, die Geburt Christi vorherzusagen. Die Köpfe stellen auch Propheten dar, wie in Restaurierter Kopf des Propheten aber auch Porträts von Ghiberti und seinem Sohn Vittorio, der die Familienwerkstatt nach dem Tod seines Vaters weiterführte. Die Elemente des Türrahmens verstärken die Hauptthemen der Erzähltafeln und sind ein weiteres Beispiel für Ghibertis künstlerischen Erfindungsreichtum. Die Ausstellung zeigt zwei Köpfe und zwei Propheten aus dem Türrahmen. Ein Set wurde gereinigt, das andere nicht. Der Kontrast zwischen den einzelnen Sets zeigt viel besser als Worte die Auswirkungen der Konservierung auf die Wiederherstellung der Klarheit und Detailtreue von Ghibertis Meisterwerk.


ERHALTUNG
Vor der Konservierung wurden die vergoldeten Oberflächen der Tore des Paradieses waren mit entstellenden und schädigenden Verkrustungen übersät, wie die unbehandelten Platten in der Ausstellung zeigen. Risse und Kratzer im Gold ließen auch Schadstoffe zwischen Vergoldung und Bronze sickern. Die daraus resultierende Ansammlung von Feuchtigkeit und Salzen hinter der Vergoldung löste eine Reaktion aus, die eine Blasenbildung verursachte und die Integrität der gesamten Oberfläche gefährdete.

Als der Arno am 4. November 1966 Florenz überflutete, begannen die Konservierungsarbeiten mit sechs Reliefplatten, die von den Türen weggedrückt wurden. Diese Platten wurden in eine Lösung aus Rochelle-Salz und destilliertem Wasser getaucht, die alle Oberflächenverkrustungen auflöste. Die Konservierung wurde anschließend auf die verbleibenden Reliefs ausgedehnt, obwohl es fünf Jahre dauerte, sie aus ihrem ornamentalen Rahmen zu lösen. Der gesamte Rahmen wurde schließlich 1990 aus dem Baptisterium entfernt, als eine moderne Kopie des Tore des Paradieses wurde installiert. Seitdem hat die Lasertechnologie Wissenschaftlern und Restauratoren ermöglicht, eine revolutionäre neue Reinigungstechnik für die verbleibenden Platten zu entwickeln, die in einem Video zur Ausstellung veranschaulicht wird.


Nachschlagewerke zum frühen Korea

Wörterbuch der koreanischen Kunst und Archäologie
Roderick Whitfield (Chefredakteur)
Hollym, 2004

352 S. 110 mm x 182 mm, Softcover.
ISBN: 1-56591-201-2

Diese Veröffentlichung soll ein breiteres Verständnis der koreanischen Kultur und Kunst bei Ausländern fördern, die sich für das kulturelle Erbe Koreas interessieren, und die wissenschaftliche Forschung unterstützen, indem sie englische Definitionen und Erklärungen der für kulturelle Artefakte verwendeten Terminologie bereitstellt. Die 2.824 Einträge in diesem Wörterbuch sind in vier Hauptkategorien eingeteilt: Archäologie, Architektur, Kunstgeschichte und Folklore. Sie sind in koreanischer alphabetischer Reihenfolge ohne Klassifikation der Felder aufgelistet.

Early Korea Project, CGIS South Building Room S224, 1730 Cambridge Street, Cambridge, MA 02138.
Telefon: (617) 496-3403. Fax: (617) 495-9976.


Muster

  • 1. Zentrier Lotus
  • 2. 6 Drachen Spiralmuster
  • 3. Scheibenmuster
  • 4rh. Palmetten
  • 5. Flammen und ein Turm

Lotus und 6 Drachen

Spiegel und Format von Halo

Palme

In den alten japanischen Künsten des 7. bis 8. Jahrhunderts werden oft Palmetten verwendet, aber dies ist ein strenges und unvergleichliches Muster. Obwohl Palmetten hellenistischen Ursprungs sind, könnten sie direkt von der koreanischen Halbinsel gekommen sein. Dieses Fresko mit den Gräbern von Kogryo (Nordkorea) (ca. 600 n. Chr.) hat die nächsten Palmetten. Dies ist das 1. Grab von Nai-li in der Nähe von Pjöngjang. Dies ist ähnlicher als viele chinesische Steinhöhlen-Ornamente.

Zeitgenössischer ähnlicher Heiligenschein

Turm- und Lotus-Sutra

Oben im 5. Band ist ein Turm/Pavillon mit 3 Stangen eingraviert. Es gibt noch andere Beispiele, die diesen seltsamen Turm haben. Rechte Abb. ist eine Bronzereliefplatte im Hase-dera-Tempel in Nara, Japan. Es wurde in AD686 datiert. Höhe 91cm. Es ist eine Szene im 12. Kapitel des Lotus Sutra (Suddharma Pundharika Sutra). Ein Turm erschien aus der Erde und ein alter Buddha (der weit vor dem echten Buddha lehrte) bewundert den modernen Buddha vom Turm aus. Da diese dramatische Szene bei Chinesen sehr beliebt ist, wurden viele Turmbilder gemacht.

Ein solcher Turm ist auch in der 6. Höhle der Yung Kang-Höhle (5. Jahrhundert n. Chr.) zu sehen. Dieses Relief ist identisch mit der Bronzeplatte. In der Norten Wei-Zeit überlebten viele kleine vergoldete Bronzebilder, die einen Turm mit Buddha-Bildern haben. Bei diesen Beispielen denke ich, dass das Turmbild des Heiligenscheins ein Turm in Lotus Sutra sein sollte.

Flammen in Halo

5. Band repräsentiert ein starkes und rhythmisches Flammenmuster. Ehemaliger Halo aus vergoldeter Bronze gefällt es, aber dieser ist schärfer.
Ich zeige zwei Beispiele für Flammenmuster im 5.-6. Jahrhundert, China. Diese vergoldete Bronzestatue(Abb.13) Ref.-Nr. war bis 1987 in Japan und ist im Nationalmuseum von Taipeh 44 cm hoch. ca. 480-490 n. Chr. Eines der typischen Meisterwerke der vergoldeten Bronzestatue von Nothen Wei. Dieses Rahmenmuster ist stark genug, um dem hölzernen Heiligenschein zu entsprechen, aber sein Stil ist anders. Ein bisschen rechteckig. Eine andere kleine vergoldete Bronzestatue (Abb. 14) befindet sich im Tokyo National Museum. Dies ist eine Avalokitisvara aus dem Jahr 542 n. Chr. Östliche Wei-Dynastie. Dieses kräuselnde Flammenmuster mag das 5. Band. Dies ist der Grund dafür, dass 542 n. Chr. näher am frühen 7. Jahrhundert liegt, als die Ho-ryu-ji-Statue hätte hergestellt werden sollen.

Bedeutung von Flammenmuster Halo im 5.-7. Jahrhundert.

Flammenmuster sind in Halos aus den buddhistischen Bildern des 5.-8. Jahrhunderts in China üblich. Der Horyu-ji Halo folgt diesem Trend. Dieses vergoldete Bronzebild von Northen Wei ist ein typisches Beispiel.

Meinen sie wirklich Feuerflamme? Es ist seltsam, dass das heilige Bild in Flammen steht. Tatsächlich haben Gottheiten, die Wut und Macht repräsentieren, nach dem 8.

Ich möchte eine Hypothese aufstellen. Ich vermute, dass dies Emanutio / Explosion von Energie sein könnte, die die alten Chinesen "Ki" nannten und als Wolkenmuster darstellten. Vor dem 3. - 4. Jahrhundert v. Chr. begleiten chinesische antike Gottheiten solche Energiewolken oft. Als Beispiel dieses Gemälde auf der Deckelrückseite eines bronzenen Weingefäßes. Es zeigt einen heiligen Vogel in einer energetischen Wolke. Dieses Konzept hatte die Chinesen des 5.-8. Jahrhunderts das natürliche Gefühl, dass Heiligenbilder Energieflackern aussenden sollten.

Eine Gandahra-Skulptur im Musee Guimet, Paris, sprüht Flammen nach oben und Wasser nach unten. Ein solches Symbol mag ein Auslöser für das Zeichnen von Rahmenmustern in Halo gewesen sein, aber es ist kein Grund, warum es in den Chinesen des 5. bis 8. Jahrhunderts sehr beliebt wurde. Außerdem sind Flammenbilder im Heiligenschein in Indien selten.


IN FOTOS: Miss Universe krönt im Laufe der Jahre

Am Montag, den 30. Januar, wird in der Mall of Asia Arena in Manila eine sehr glückliche Frau zur 65. Miss Universe gekrönt. Sie wird den Job übernehmen, den Pia Wurtzbach im vergangenen Jahr souverän von Miss Universe 2015 übernommen hat. Einer der Vorteile ist das Privileg, die prestigeträchtige Miss Universe-Krone zu tragen.

Die kaiserliche Hochzeitskrone von Romanov

Seit der Einführung des Festzugs im Jahr 1952 wurden 9 verschiedene Kronen von der Schönheitskönigin getragen. Die allererste Miss Universe-Krone, die verwendet wurde, stammte tatsächlich von Königen. Die kaiserliche Hochzeitskrone Romanov, die zuvor einem russischen Zaren gehörte, wurde verwendet, als Armi Kuusela von Finnland gewann. Es wird angenommen, dass es aus ungefähr 1.535 lupenreinen Diamanten besteht. Ironischerweise wurde eine Hochzeitskrone verwendet, um eine "Fräulein" zu ehren.

ERSTE MISS UNIVERSUM. Finnlands Armi Kuusela war Miss Universe 1952

Foto von Miss Universe Organisation

Die Metallic-Bronze-Krone

MISS UNIVERSE 1953. Frankreich 's Christiane Martel posiert mit Richter Jeff Chandler.

Foto von Miss Universe Organisation

Im folgenden Jahr wurde die Miss Universe-Krone durch eine metallische Bronze-Krone ersetzt. Die Französin Christiane Martel wurde 1953 Miss Universe und war die einzige Gewinnerin, die dieses Design jemals getragen hat. It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

Industrielle Revolution

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi. Bildnachweis: Wikipedia

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.


Schau das Video: Japanische Holzverbindungen - Storchenschnabel dreiseitig geschäftet