Jungfrau und Kind mit St. Anna von Leonardo da Vinci

Jungfrau und Kind mit St. Anna von Leonardo da Vinci


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Das Thema der Jungfrau und des Kindes mit der Heiligen Anna war im Florenz des 15. Jahrhunderts beliebt.

Der Cartoon gilt aufgrund seiner Größe als Vorarbeit für ein Gemälde, er ist über acht Blatt Papier gezeichnet und über 140 cm hoch.

Aber die Zeichnung ist nicht für die Übertragung auf Leinwand gestochen und kein Gemälde von Leonardo da Vinci passt zu der Komposition. Da Vincis Gemälde Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna, das im Louvre hängt, lässt den Heiligen Johannes weg und hat eine strengere und weniger naturalistische Komposition.

Der mit Kohle und Kreide auf getöntem Papier gezeichnete Cartoon ist ein gutes Beispiel für die komplexe Komposition und den Realismus von da Vinci. Das Auge folgt dem Blick der Heiligen Anna zu ihrer Tochter Mary, die ihrerseits das Christkind anbetend anschaut. Die Kinder sind neugierig, Jesus windet sich von seiner Mutter los und hält segnend die Hand in Richtung seiner gefesselten Cousine.

Christi unschuldiger Ausdruck spiegelt den seiner Mutter wider, während Johns an den wissenderen Blick seiner Großmutter erinnert. Die Hand der Heiligen Anna zeigt nach oben zum Himmel, zwischen den Gesichtern der beiden Jungen. Die religiöse Symbolik greift jedoch nicht in die Intimität dieses charmanten Familienporträts ein. Wie Anne und Mary einen privaten Moment zu teilen scheinen, tun es auch John und Jesus.

Das Licht fällt auf Maria und Jesus und macht deutlich, dass sie im Mittelpunkt stehen. Anne und John sind mehr beschattet. Auch dies lenkt die Aufmerksamkeit auf die Verbindung zwischen Maria und Jesus und ihre Unschuld im Vergleich zur relativen Weltlichkeit von Anne und Johannes.

Die Struktur ist eine lose Pyramide. Es gibt eine starke diagonale Linie von den Gesichtern der Frauen zu den Jungen, und eine andere wird durch die Knie der Frauen und die Schulter des Heiligen Johannes gebildet.

Der Cartoon von St. Anne, auch bekannt als Burlington House Cartoon, nach dem Londoner Sitz der Royal Academy of Arts, hängt jetzt in der National Gallery in London. 1962 wurde es zum Verkauf angeboten, wurde aber als so wichtig erachtet, dass der National Arts Collections Fund zusammen mit Spenden der Öffentlichkeit genügend Geld aufbrachte, um es im Vereinigten Königreich zu behalten.

1987 wurde es mit einer Schrotflinte verwüstet und verursachte erhebliche Schäden, die inzwischen repariert wurden.

Obwohl unvollendet, gilt das Werk weithin als Meisterwerk. Die Gesichter und Oberkörper sind ebenso schön wiedergegeben wie die Falten der Kleidung. Die natürlichen und bedeutungsvollen Posen und Ausdrücke der Gruppe sind selbst in den fertigen Gemälden von da Vinci unübertroffen.


Leonardos Jungfrau und Kind mit St. Anne und einem Lamm.

Leonardo wählte das Thema der Heiligen Anna bei seiner Rückkehr aus Mailand im Jahr 1500. Das Werk zeigt deutlich die sfumato Stilrichtung des Künstlers und basiert auf einer früheren Zeichnung von The Virgin and Child with St Anne and St John, die sich heute in der National Gallery London befindet.

Die Jungfrau und das Kind mit St. Anne und einem Lamm c. 1508, Öl auf Holztafel, 166x112cm, Louvre Paris. (S)

Das Thema Maria und das Christkind war ein beliebtes Thema in vielen Renaissance-Gemälden. In dieser Arbeit zeigt Leonardo Maria, wie sie nach ihrem Sohn (Jesus) greift, der wiederum nach dem Lamm greift.

Mary sitzt auf dem Schoß ihrer Mutter (St. Anne), die über ihre Tochter und ihren Enkel wacht und eine Dreieinigkeit von  Generationen innerhalb derselben Familie vervollständigt. Die Komposition basiert auf einer geschickten Kombination von Dreiecken, die durch die Haltung der Jungfrau, die Hand-auf-Hüft-Position der Heiligen Anna und das Ineinandergreifen von Kind und Lamm gebildet werden. hervorragend!! 

Die drei Kinderskizzen oben stammen aus einem einzigen Blatt Zeichnungen, das Leonardo für das Christuskind im gegenüberliegenden Gemälde Jungfrau und Kind angefertigt hat.

Accademia Venedig, Rötel.

Die Jungfrau und das Kind mit St. Anne und St. John. C. 1508 Kohle auf braunem Papier, 139x101cm. Nationalgalerie, London (s)

Eine Karikatur von Leonardo (mit dem gleichen Thema) wurde so gut aufgenommen, als sie in Florenz ausgestellt wurde, dass sie den Kunsthistoriker Vasari dazu veranlasste zu schreiben:

 'Männer und Frauen, jung und alt, drängten sich noch zwei Tage lang in den Raum, in dem es gezeigt wurde, als ob sie einem feierlichen Fest beiwohnten.'

Es gibt einige Debatten darüber, welche Karikatur Vasari beschrieb, und es wird weiter über die Möglichkeit von mehr als einer Kopie von Leonardo gestritten. Ungeachtet dieser Debatte bleiben sowohl die obige Zeichnung als auch das Gemälde im Louvre als schöne Beispiele für das Können und die Handwerkskunst des Künstlers.


Freud analysierte Da Vincis Unterbewusstsein durch sein Gemälde „Die Jungfrau & Kind mit der Heiligen Anna“

Es ist weder eine Neuigkeit noch ein Mysterium, dass Leonardo da Vinci in seinen Bildern mit versteckten Botschaften und Symbolen spielte. Einige der berühmtesten Gemälde von da Vinci wie Das letzte Abendmahl und Madonna on the Rocks offenbaren nach Ansicht einiger Kunsthistoriker und anderer Spezialisten die individuellen Ansichten des Künstlers über die Religion.

Während laut Martin Lunn (Autor von Da Vinci-Code entschlüsselt) mit dem Gemälde der Mona Lisa brach Da Vinci „die Konventionen der Zeit“ in Bezug auf das Fehlen von Schmuck und die entspannte Haltung seines Subjekts, behauptete Sigmund Freud, der die Arbeit verschiedener Künstler beobachtete, um ihr Unterbewusstsein zu analysieren Da Vincis Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna offenbarte sein unterdrücktes homosexuelles Verlangen.

Sigmund Freud, der Begründer der Psychoanalyse.

Freud verwendete die Methode, die Gemälde zu untersuchen und verschiedene Symbole zu finden, die die Künstler bewusst oder unbewusst malten.

In jedem Fall würde er diesen Symbolen später eine Bedeutung hinzufügen, die auf Details verschiedener alter Kulturen basieren, und sie als Ausdruck des Unterbewusstseins des Individuums analysieren.

Leonardo da Vinci – Jungfrau und Kind mit St. Anna

Um 1503 malte Da Vinci Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna und ist heute im Louvre in Paris zu sehen.

Es zeigt das Jesuskind, das in den Armen der Jungfrau Maria bewacht wird, während es friedlich auf dem Schoß ihrer Mutter St. Anne sitzt.

Porträt von Leonardo da Vinci.

Die Jungfrau Maria greift nach ihrem Kind und hält es an seiner Taille, während Jesus ein Lamm streichelt. Damit Freuds Theorie relativer wird, muss man berücksichtigen, dass die biblischen Figuren in historischen Gemälden niemals zufällig gemalt werden.

Die Jungfrau und das Kind mit Saint Anne, Louvre, Paris, Frankreich. Foto von Sailko
CC BY 3.0

Ihre Positionen sind immer Anspielungen auf das Leben der Figuren und verschiedene christliche Metaphern. Zum Beispiel kann das Lamm auf dem Gemälde leicht als Symbol der Unschuld und des Opfers Jesu für die Menschheit interpretiert werden. Das Lamm selbst ist ein Symbol des Opfers und Johannes der Täufer bezeichnete Jesus als das „Lamm Gottes“.

Der von Freud identifizierte "Geier"

Auf der anderen Seite ist es etwas ungewöhnlich, dass die Jungfrau Maria auf dem Schoß der Hl. Anna dargestellt wird. Freud sah es als sehr interessant für die psychoanalytische Untersuchung an und nannte es „Leonardo da Vinci und die Erinnerung an seine Kindheit“.

Zugehöriges Video: Ausstellung faszinierender Da Vinci-Designs

Wenn das Gemälde zur Seite gedreht wird, zeigt die Form von Marias Gewändern laut Freud einen Vogel, wahrscheinlich einen Geier. Er interpretiert das Bild eines Geiers als Symbol für eine Mutter und begründet seine Theorie damit, dass der Begriff „Mutter“ im alten Ägypten mit dem Symbol eines Geiers dargestellt wurde. Daher analysierte er es als unterdrücktes homosexuelles Verlangen von da Vinci, ausgelöst durch seine schwache Erinnerung an das Saugen an der Brust seiner Mutter.

Detail – Christus mit dem Lamm

Freud betrachtete auch eine Reihe von Schriften und Zeichnungen von da Vinci, die als Codex Atlanticus bekannt sind, in denen der Künstler über eine frühe Kindheitserinnerung an einen Geier schrieb, der ihn in seiner Krippe angriff. So betrachtet Freud die Illustrationen des Geierschwanzes und des Mundes eines Babys als mögliches kraftvolles Stillen über das entsprechende Alter hinaus.

Reproduktion des berühmten Gemäldes von Leonardo da Vinci ‘Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna’. Foto von Fr.Latreille CC BY-SA 3.0

Eine andere von Freuds Beobachtungen bezüglich der Darstellung von Da Vincis Unterbewusstsein in Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna ist, dass Da Vinci in der Illustration zweier Frauen (die beiden in der Rolle einer Mutter) seine eigenen beiden darstellten Mütter. Tatsächlich wurde der Künstler zuerst von seiner leiblichen Mutter aufgezogen und später von der Frau seines Vaters adoptiert.

Der Psychoanalytiker betrachtete seinen Essay „Leonardo da Vinci und die Erinnerung an seine Kindheit“ als eines der besten Werke, die er je geschrieben hatte. Im Laufe der Jahre wurden Freuds Theorien jedoch in Frage gestellt und von vielen Wissenschaftlern als extrem abgelehnt. Er neigte immer dazu, versteckte oder unterdrückte Sexualität zu sehen. Und obwohl seine Arbeit in der Tat gut ist, kann sie kaum als Beweis für Da Vincis Unterbewusstsein gewertet werden.


Unvollendete Perfektion

Können wir etwas sowohl als unvollendet als auch als perfekt bezeichnen? Es ist nicht schwer zu sagen, ob es literarisch (Spensers "The Faerie Queene") oder gar musikalisch (Schuberts "Unvollendete" Symphonie) ist. Beim Malen ist die Frage schwieriger zu beantworten. Lassen Sie mich mindestens einen Kandidaten für unvollendete Perfektion vorschlagen.

Ein Museum voller Meisterwerke und gaffender Besucher kann jemanden herausfordern, der Bilder betrachten möchte. Aber Geduld ist eine Tugend. Nehmen Sie den Louvre. Hinter kugelsicherem Glas und einem langen Seil hängt die Mona Lisa, die durch die Menge der kameratragenden Touristen, die durch die Menge eilen, ihre Fotos knipsen, um zu beweisen, dass sie dort waren, nicht gut zu sehen ist, und dann gehen.

Leonardo da Vinci (1452-1519) war ein berühmt langsamer Maler, und nicht viele fertige Werke sind erhalten. Aber sobald man den Raum verlässt, in dem die Mona Lisa aufbewahrt wird, findet man sich in der Grande Galérie wieder, immer noch überfüllt, aber weniger klaustrophobisch, und in Gegenwart von fünf anderen Leonardo-Bildern. Touristen halten für einen Moment inne, aber Sie können sich jedem dieser Orte nähern und die (relative) Einsamkeit genießen. Der erste stammt wahrscheinlich aus Leonardos Werkstatt, nicht ganz aus eigener Hand des Meisters: Johannes der Täufer oder vielleicht Bacchus, dessen erhobener Finger ein christliches Symbol ist, dessen Thyrsus, Weinblätter und Pantherhaut jedoch eindeutig heidnisch sind. Die nächste ist die elegante Dame "La Belle Ferronière". Dann die berühmte "Jungfrau der Felsen" mit ihrer mysteriösen Kulisse und ihrer Hell-Dunkel-Beleuchtung. Dann noch ein androgyner Johannes mit nach oben zeigendem Finger.

Dann das Meisterwerk: "Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna", das wahrscheinlich um 1500 begann. Leonardo arbeitete sowohl in Mailand als auch in Florenz daran und behielt es (wie die Mona Lisa) bis zu seinem Tod bei sich. Unvollendet bietet es noch immer ein ästhetisches Gesamterlebnis in Bezug auf Design, Form, Farbe und menschliche Dramatik. (Um ein Maß zu nehmen, können Sie sich eine vorbereitende Studie in der Londoner National Gallery ansehen, "The Virgin and Child with St. Anne and St. John the Baptist".)

Clive Bell, der Schwager von Virginia Woolf, prägte 1914 den Ausdruck "signifikante Form" und verbreitete zusammen mit Roger Fry, einem weiteren Einwohner von Bloomsbury, die Idee, dass Form selbst Gefühle vermitteln und erzeugen kann. Leonardos Bild, insbesondere seine menschliche Geometrie, ist ein großartiges Beispiel für eine solche Vermittlung. Leonardo lernte von Masaccio (1401-1428), wie man flachen Figuren durch die Prinzipien der Perspektive skulpturale Masse verleiht. Zu der Technik des früheren Meisters fügte er jedoch einen Humanismus hinzu, der in unseren Augen deutlich, realistisch modern wirkt.


Gegenstand

Vorbereitende Zeichnung im British Museum, London

Das Thema des Cartoons ist eine Kombination aus zwei in der florentinischen Malerei des 15. Jahrhunderts beliebten Themen: Die Jungfrau und das Kind mit Johannes dem Täufer und Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna.

Die Zeichnung zeichnet sich durch eine komplexe Komposition aus, die den Wechsel in der Positionierung der Figuren demonstriert, der erstmals in Leonardos Gemälden in der Benois-Madonna sichtbar wird. Die Knie der beiden Frauen weisen in unterschiedliche Richtungen, wobei sich Marias Knie nach links aus dem Bild drehen, während sich ihr Körper scharf nach rechts dreht und eine geschwungene Bewegung erzeugt. Die Knie und Füße der Figuren bilden einen starken Auf-und-Ab-Rhythmus an einer Stelle in der Komposition, wo normalerweise ein festes Fundament aus fest aufgesetzten Füßen, weit gespreizten Knien und weit gespreiztem Umhüllungsgewand zu finden wäre. Während sich die unteren Körperhälften abwenden, wenden sich die Gesichter der beiden Frauen einander zu und spiegeln sich in ihren Zügen. Die Abgrenzung zwischen den Oberkörpern hat an Klarheit verloren, was darauf hindeutet, dass die Köpfe Teil desselben Körpers sind.

Die sich drehende Bewegung der Jungfrau findet sich im Christuskind wieder, dessen Körper, von seiner Mutter fast horizontal gehalten, sich axial dreht, wobei der Unterkörper nach oben und der Oberkörper nach unten gerichtet ist. Diese Drehhaltung wird erstmals in Leonardos Gemälde in der Anbetung der Heiligen Drei Könige und wird in einer Reihe von Zeichnungen untersucht, insbesondere in den verschiedenen Studien der Jungfrau und des Kindes mit einer Katze, die sich im British Museum befinden.

Die Gegenüberstellung zweier Kopfsätze ist ein wichtiges kompositorisches Element. Der Blickwinkel, die Beleuchtung und der Blick des Christkindes reproduzieren den seiner Mutter, während Johannes der Täufer dieselben Elemente im Angesicht der Heiligen Anna reproduziert. Die Beleuchtung zeigt an, dass es zwei Protagonisten und zwei Nebendarsteller in der Szene gibt, die der Betrachter erlebt. Zwischen den Blicken der vier Figuren besteht ein subtiles Wechselspiel. Die heilige Anna lächelt ihrer Tochter Maria anbetend zu, was vielleicht nicht nur auf mütterlichen Stolz, sondern auch auf die Verehrung derjenigen hinweist, die "alle Generationen gesegnet nennen werden".[2] Marias Blick ist auf das Christkind gerichtet, das seine Hand segnend über den Cousin erhebt, der dreißig Jahre später seinen Auftrag erfüllen sollte, Jesus zu taufen. Obwohl das ältere der beiden Kinder, nimmt Johannes der Täufer den Segen demütig an, wie einer, der später von seinem Cousin sagen würde: "Ich bin nicht einmal würdig, seine Sandalen zu öffnen." [3] Die Hand der Hl. Anna, deren Zeigefinger zum Himmel zeigt, wird nahe den Köpfen der Kinder gehalten, vielleicht um die ursprüngliche Quelle des Segens anzuzeigen. Diese rätselhafte Geste gilt als durch und durch leonardisch und tritt in der Das letzte Abendmahl und Johannes der Täufer.

Cartoons dieser Art wurden normalerweise zum Malen auf eine Tafel übertragen, indem der Umriss gestochen oder eingeschnitten wurde. In die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna und dem Hl. Johannes dem Täufer dies wurde nicht getan, was darauf hindeutet, dass die Zeichnung als eigenständiges Kunstwerk erhalten wurde. [4] Leonardo scheint kein Gemälde direkt auf dieser Zeichnung basiert zu haben. Die Komposition unterscheidet sich von Leonardos einziger anderer erhaltener Behandlung des Themas, Die Jungfrau und das Kind mit St. Anna im Louvre, in dem die Figur des Täufers nicht vorhanden ist. Ein auf dem Cartoon basierendes Gemälde wurde von einem Schüler Leonardos, Bernardino Luini, angefertigt und befindet sich heute in der Biblioteca Ambrosiana, Mailand. [5] Die Figur der Pomona in Francesco Melzis Gemälde Pomona und Vertumnus in Berlin basiert auf der Jungfrau im Cartoon.


Heilige Anna

Nach der apokryphen christlichen Tradition war die heilige Anna die Mutter von Maria und die Großmutter von Jesus. Marias Mutter wird in den Evangelien nicht genannt.

Annes Name stammt von den neutestamentlichen Apokryphen, von denen das Jakobusevangelium, das vielleicht um 150 geschrieben wurde, die früheste Erwähnung zu sein scheint.

Die Apokryphen des Neuen Testaments sind Schriften der frühen Christen, die über Jesus und seine Lehren, die Natur Gottes oder die Anweisungen seiner Apostel und ihr Leben berichten.

Einige dieser Schriften wurden von frühen Christen als heilige Schrift zitiert, aber seit dem fünften Jahrhundert entstand ein Konsens, der das Neue Testament auf die 27 Bücher des modernen Kanons beschränkte.

Römisch-katholische, ostorthodoxe und protestantische Kirchen betrachten diese neutestamentlichen Apokryphen im Allgemeinen nicht als Teil der Bibel.

Anne (arabisch: Ḥannah) wird auch im Islam verehrt, als hochgeistige Frau und als Mutter Marias anerkannt.


Eine Analyse von „Madonna von der Wiese“ und „Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna“

Bilder wurden von der Gesellschaft aus einer breiteren Perspektive angenommen. Ihre Verwendung ist in den letzten Jahren im Vergleich zu vor einigen Jahrzehnten häufiger geworden. Bei dieser Erkenntnis haben verschiedene Technologien, die von der Gesellschaft angenommen wurden, eine bedeutende Rolle gespielt. Es ist zu erwarten, dass die profunde Nutzung von Bildern in den kommenden Jahren weiter an Umfang gewinnen wird.

Bilder neigen dazu, verschiedene Rollen und Funktionen in der Gesellschaft zu spielen. Einige Rollen sind im Vergleich zu anderen eher komplex. Einige können verwendet werden, um unter anderem Ereignisse darzustellen, Wissen zu vermitteln oder ein Stück Geschichte zu präsentieren (Gombrich, 2009). Was den historischen Aspekt betrifft, helfen Bilder dabei, Erinnerungen daran zu bewahren, wie bestimmte Dinge früher ausgesehen haben. Menschen der heutigen Generation existierten in diesen Zeiten nicht, können sich aber mit bestimmten Geschichten identifizieren. Sie haben die Fähigkeit zu sagen, wie bestimmte prominente Individuen, Strukturen, Imperien aufgrund der Bilder, die über diese Dinge präsentiert werden, früher ausgesehen haben. Es gibt den Menschen das Gefühl, Teil einer Linie zu sein, an deren Erhalt sie arbeiten. Etwas gemeinsam zu haben hilft, positive Bindungen aufzubauen, die die Gesellschaft zu einem günstigen Ort machen (Mukundan & Ramakrishnan, 1998). In Bezug auf Wissen werden Bilder in der Regel zur Informationsweitergabe verwendet. Aus der Betrachtung eines bestimmten Bildausschnitts können Menschen auf mehrere Dinge schließen. Manchmal wird es für Menschen einfacher, bestimmte Dinge durch den Ausdruck von Bildern anstatt von Worten zu verstehen. Dies liegt an der visuellen Darstellung der beteiligten Inhalte.

Die Rollen und Funktionen eines Bildes werden in den meisten Fällen durch den Kontext bestimmt, in dem das Bild konstruiert wurde. Ein im historischen Kontext entwickeltes Bild wird am Ende eine andere Rolle spielen als ein im wirtschaftlichen oder wissenschaftlichen Kontext entwickeltes Bild.

Das Bild oben zeigt "Madonna of the Meadow" von Raphael. Das Bild wurde von mehreren Autoren diskutiert und analysiert. Die Autoren neigen dazu, zu einigen Aspekten ähnliche Beschreibungen zu haben, während sie bei anderen zu unterschiedlichen Ansichten neigen. Zu den Beschreibungen, die von mehreren Autoren anscheinend ähnlich interpretiert werden, gehört die Darstellung eines Dreiecks auf dem Bild, das Maria, Johannes und Jesus vorstellt. Honor & Fleming (2005) behaupten, dass die Pyramidenformation eine Darstellung von etwas Starkem ist. Es ähnelt einer Bindung, die nicht leicht zu brechen ist und deren Zweck erfüllt werden muss. Brown & Pagden (2006) beschreiben dagegen auch die Dreiecksanordnung als Repräsentation von Ordnung und Stabilität. Es zeigt, dass die beteiligten Personen verwurzelt und bereit sind, ihren gewünschten Zweck zu verwirklichen. Honor & Fleming (2005), Brown & Pagden (2006) und Mukundan & Ramakrishnan (1998) analysieren ebenfalls die Präsenz des Kreuzes als Hinweis auf die Zukunft. Auf diese Weise segnet Johannes Jesus und bereitet ihn auf die Zukunft vor, die ihn erwartet. Honor & Fleming (2005) postulieren, dass der Aspekt, dass Maria barfuß ist, ein Hinweis darauf ist, dass sie auf heiligem Boden tritt. Er behauptet weiter, dass die drei roten Blumen auf der linken Seite von Maria weit verbreitet sind und mit den Menschen auf dem Gemälde verbunden sind. Er behauptet, dass sie die heilige Dreifaltigkeit repräsentieren. Mukundan & Ramakrishnan (1998) scheinen dagegen eine gegensätzliche Analyse zu haben. Er postuliert, dass das Bild von Maria, Johannes und Jesus innerhalb der Dreiecksgeometrie die Darstellung der heiligen Dreifaltigkeit ist. Marias Kleidung dient auch als christliche Symbolik. Die Farbe Blau steht für den Himmel, während Rot für den Tod Jesu steht (Brown & Pagden, 2006). Sie verschlingt die Erlösung, die als Ergebnis des Opfers verwirklicht wird, das Jesus bringen wird, um das Wohlergehen der Christen bis in die Ewigkeit wiederherzustellen. Auch Mukundan & Ramakrishnan (1998) beschreiben den Hintergrund der Stadt als eine Essenz der Spannung, die den Betrachter an die möglichen Gefahren erinnert, die Jesus und Johannes erwarten.

Dieses Bild wurde um 1506 entwickelt. Der Kontext des Bildes in der aktuellen Zeit hat keinen Unterschied zu seiner Wahrnehmung während seiner Produktionszeit. Dies liegt daran, dass es als christliche Symbolik fungierte. Es war eine Möglichkeit, das Erscheinen Jesu auf Erden und seine Mission, Christen durch seinen Tod und seine Auferstehung zu retten, zu demonstrieren. Auf dem Bild sind zwei Personen dargestellt, die bei diesem Ereignis eine entscheidende Rolle gespielt haben. Auf die gleiche Weise wird dieses Bild von Christen auf der ganzen Welt gesehen. Zwischen diesen beiden Epochen gibt es jedoch Unterschiede in Bezug auf den Kunstkontext. Das Bild entstand während der Renaissance der Kunst in Europa. Der damalige Wandel machte dieses Bild einzigartig. Es hatte eine immense Faszination auf die Augen der Menschen, die es sahen. Allerdings sind die Umstände in der aktuellen Periode ganz anders. Das Aufkommen der Technologie hat dazu geführt, dass Menschen die Möglichkeit haben, andere atemberaubende Bilder zu sehen, was dieses nicht sehr beeindruckend erscheinen lässt. In diesem Zusammenhang vergisst man oft die Zeit, in der das Bild entwickelt wurde, um zu erkennen, wie großartig es ist.

Das oben gezeigte Bild ist eine Darstellung von „Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna“ von Leonardo da Vinci. Es wurde während der Renaissance entwickelt und hat daher Meinungen von verschiedenen Leuten angezogen. Verschiedene Autoren haben das Bild aus unterschiedlichen Perspektiven diskutiert und analysiert. Eine gängige Beschreibung verschiedener Autoren ist die dreieckige Darstellung auf dem Bild. Surhone (2010) behauptet, dass das Dreieck verwendet wird, um die Familienbande darzustellen, die zwischen den drei beteiligten Charakteren besteht. Maria wird von ihrer Mutter festgehalten, deren Praktikantin versucht, seinen Sohn Jesus in den Griff zu bekommen. Pye (2015) erweitert diese Analyse als Hinweis auf die heilige Dreifaltigkeit. Dies liegt daran, dass das Bild drei Charaktere darstellt, die miteinander verwandt sind und eine sehr starke Bindung (Familie) zwischen ihnen haben. Unabhängig von allen Ereignissen würden sie aufgrund der Blutsbande immer noch eine Familie bleiben. Der familiäre Aspekt des Bildes wird auch durch die im Bild dargestellten Zeichen von Zuneigung und Zärtlichkeit herausgearbeitet (Pye, 2015). Die heilige Anna zeigt eine nüchternere Haltung als Maria, die von einer Verzückung mütterlicher Liebe erfasst wird. Auch Mukundan & Ramakrishnan (1998) beschreiben das Bild als christliche Symbolik. Es kombiniert zwei kanonische katholische Themen. Darunter ist das Zusammentreffen der Generationen, das durch das gemeinsame Auftreten von Kind, Mutter und Großmutter demonstriert wird. Der andere manifestiert sich in der Vorstellung von Leidenschaft und Opferbereitschaft. Diese Aspekte werden Jesus aufgrund des Lammes zugeschrieben, das er hält. Das Lamm repräsentiert einen Aspekt der Unschuld. An diesen Aspekt erinnert Johannes der Täufer, als er Jesus als das „Lamm Gottes“ bezeichnete. Surhone (2010) wiederholt, dass das Bild drei Bildtechniken beispielhaft darstellt. Dazu gehören Luftperspektive, Hell-Dunkel und Sfumato. Die Luftperspektive wird durch die Darstellung der Entfernung durch Farb- und Tonkontrast demonstriert. Chiaroscuro wird durch die Verwendung von Dunkel und Licht demonstriert, um Modellierungs- und Reliefeffekte zu erzeugen. Sfumato hingegen hilft bei der Definition von Formen mit hellen und dunklen Abstufungen. Mukundan & Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) und Pye (2015) beschreiben den Aspekt von Mary, die auf Annes Schoß sitzt, auf ähnliche Weise. Sie sehen es als ungewöhnlichen Aspekt an. Es ist nicht klar, was Leonardo demonstrieren wollte.

Es kann nicht davon ausgegangen werden, dass sich der Kontext des Bildes in der aktuellen Periode im Vergleich zu der Zeit, in der es entwickelt wurde, unterscheidet. Wie die Menschen das Bild während seiner Produktionszeit interpretierten, bleibt tendenziell konstant. Denn das Ziel, mit dem es entwickelt wurde, hat sich nicht geändert. Es zeigt immer noch einen ähnlichen Aspekt. Was sich möglicherweise geändert hat, sind die Kritikpunkte, die sich um das Image drehen. Das Bild wurde während der Renaissance entwickelt. Dies war eine Wiederbelebung der Kunstwelt. Das bedeutete, dass die Leute die Bilder als spektakulär empfanden, da sie solche Aspekte in der Vergangenheit nicht gesehen hatten. Das Attribut schränkt Kritik ein, da es nicht viele vergleichbare Bilder gibt. Dieser Fall ist in der aktuellen Periode anders. Es gibt verschiedene Arten von Bildern und Technologien, die verwendet werden, um diese Bilder zu entwickeln. Infolgedessen würde es in der aktuellen Zeit viel Kritik an diesem Image geben.

Beide Bilder „Madonna von der Wiese“ und „Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna“ haben einige ähnliche Attribute. Diese Attribute sind hilfreich bei der Diskussion der Bilder in Bezug auf Theorien, die umfassen, was ein Bild ist. Ein Bild kann zunächst als äußere Repräsentation einer Person bezeichnet werden (Gombrich, 2009). Dieser Aspekt wird in beiden Bildern deutlich, in denen Objekte abgebildet werden. Benutzer der Bilder neigen dazu, mehr Informationen bezüglich der Bilder zu erhalten, indem sie die angezeigten Objekte beobachten. Von einem Bild wird auch erwartet, dass es als Metapher oder Gleichnis fungiert (Gombrich, 2009). Die obigen Bilder haben diesen Aspekt aktualisiert, indem sie als christliche Symbolik fungieren. Verschiedene Autoren haben diesen Aspekt ausführlich diskutiert. Die Bilder zeigen auch die Verwendung verschiedener Techniken. Dies wird von jedem Bild erwartet, damit die Benutzer verstehen können, was der beteiligte Künstler ausarbeiten wollte. Zu den Techniken, die in den obigen Bildern verwendet werden, gehören Luftperspektive, Hell-Dunkel und Sfumato. Die Techniken helfen unter anderem dabei, den Ton und die Farbe zu demonstrieren.

Mukundan, R., & Ramakrishnan, K., 1998. Momentfunktionen in der Bildanalyse: Theorie und Anwendungen. Singapur: World Scientific.

Gombrich, E., 2009. Die Verwendung von Bildern: Studien zur sozialen Funktion von Kunst und visueller Kommunikation. London: Phaidon.

Brown, D., & Pagden, S., 2006. Bellini, Giorgione, Tizian und die Renaissance der venezianischen Malerei. Washington: Nationalgalerie .

Honour, H., & Fleming, J., 2005. Eine Weltgeschichte der Kunst (7. Aufl.). London: Laurence König.

Mukundan, R., & Ramakrishnan, K., 1998. Momentenfunktionen in der Bildanalyse: Theorie und Anwendungen. Singapur: World Scientific.

Pye, C., 2015. Der Sturm auf See: Politische Ästhetik zur Zeit Shakespeares. New York: 9780823265046.

Surhone, L., 2010. Die Jungfrau und das Kind mit St. Anna (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, Ölgemälde, Leonardo da Vinci, Heilige Anna, Maria, Jesuskind, Santissima Annunziata Florenz. Gran Bretagna: Betascript-Veröffentlichung.


Die Jungfrau und das Kind mit St. Anna

Das oben gezeigte Bild ist eine Darstellung von „Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna“ von Leonardo da Vinci. Es wurde während der Renaissance entwickelt und hat daher Meinungen von verschiedenen Leuten angezogen. Verschiedene Autoren haben das Bild aus unterschiedlichen Perspektiven diskutiert und analysiert. Eine gängige Beschreibung verschiedener Autoren ist die dreieckige Darstellung auf dem Bild. Surhone (2010) behauptet, dass das Dreieck verwendet wird, um die Familienbande darzustellen, die zwischen den drei beteiligten Charakteren besteht. Maria wird von ihrer Mutter festgehalten, deren Praktikantin versucht, seinen Sohn Jesus in den Griff zu bekommen. Pye (2015) erweitert diese Analyse als Hinweis auf die heilige Dreifaltigkeit. Dies liegt daran, dass das Bild drei Charaktere darstellt, die miteinander verwandt sind und eine sehr starke Bindung (Familie) zwischen ihnen haben. Unabhängig von allen Ereignissen würden sie aufgrund der Blutsbande immer noch eine Familie bleiben. Der familiäre Aspekt des Bildes wird auch durch die im Bild dargestellten Zeichen von Zuneigung und Zärtlichkeit herausgearbeitet (Pye, 2015). Die heilige Anna zeigt eine nüchternere Haltung als Maria, die von einer Verzückung mütterlicher Liebe erfasst wird. Auch Mukundan & Ramakrishnan (1998) beschreiben das Bild als christliche Symbolik. Es kombiniert zwei kanonische katholische Themen. Darunter ist das Zusammentreffen der Generationen, das durch das gemeinsame Auftreten von Kind, Mutter und Großmutter demonstriert wird. Der andere manifestiert sich in der Vorstellung von Leidenschaft und Opferbereitschaft. Diese Aspekte werden Jesus aufgrund des Lammes zugeschrieben, das er hält. Das Lamm repräsentiert einen Aspekt der Unschuld. An diesen Aspekt erinnert Johannes der Täufer, als er Jesus als das „Lamm Gottes“ bezeichnete. Surhone (2010) wiederholt, dass das Bild drei Bildtechniken beispielhaft darstellt. Dazu gehören Luftperspektive, Hell-Dunkel und Sfumato. Die Luftperspektive wird durch die Darstellung der Entfernung durch Farb- und Tonkontrast demonstriert. Chiaroscuro wird durch die Verwendung von Dunkel und Licht demonstriert, um Modellierungs- und Reliefeffekte zu erzeugen. Sfumato hingegen hilft bei der Definition von Formen mit hellen und dunklen Abstufungen. Mukundan & Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) und Pye (2015) beschreiben den Aspekt von Mary, die auf Annes Schoß sitzt, auf ähnliche Weise. Sie sehen es als ungewöhnlichen Aspekt an. Es ist nicht klar, was Leonardo demonstrieren wollte.

Es kann nicht davon ausgegangen werden, dass sich der Kontext des Bildes in der aktuellen Periode im Vergleich zu der Zeit, in der es entwickelt wurde, unterscheidet. Wie die Menschen das Bild während seiner Produktionszeit interpretierten, bleibt tendenziell konstant. Denn das Ziel, mit dem es entwickelt wurde, hat sich nicht geändert. Es zeigt immer noch einen ähnlichen Aspekt. Was sich möglicherweise geändert hat, sind die Kritikpunkte, die sich um das Image drehen. Das Bild wurde während der Renaissance entwickelt. Dies war eine Wiederbelebung der Kunstwelt. Das bedeutete, dass die Leute die Bilder als spektakulär empfanden, da sie solche Aspekte in der Vergangenheit nicht gesehen hatten. Das Attribut schränkt Kritik ein, da es nicht viele vergleichbare Bilder gibt. Dieser Fall ist in der aktuellen Periode anders. Es gibt verschiedene Arten von Bildern und Technologien, die verwendet werden, um diese Bilder zu entwickeln. Infolgedessen würde es in der aktuellen Zeit viel Kritik an diesem Image geben.

Beide Bilder „Die Jungfrau und das Kind mit der Hl. Anna“ und „Madonna von der Wiese“ haben einige ähnliche Attribute. Diese Attribute sind hilfreich bei der Diskussion der Bilder in Bezug auf Theorien, die umfassen, was ein Bild ist. Ein Bild kann zunächst als äußere Repräsentation einer Person bezeichnet werden (Gombrich, 2009). Dieser Aspekt wird in beiden Bildern deutlich, in denen Objekte abgebildet werden. Benutzer der Bilder neigen dazu, mehr Informationen bezüglich der Bilder zu erhalten, indem sie die angezeigten Objekte beobachten. Von einem Bild wird auch erwartet, dass es als Metapher oder Gleichnis fungiert (Gombrich, 2009). Die obigen Bilder haben diesen Aspekt aktualisiert, indem sie als christliche Symbolik fungieren. Verschiedene Autoren haben diesen Aspekt ausführlich diskutiert. Die Bilder zeigen auch die Verwendung verschiedener Techniken. Dies wird von jedem Bild erwartet, damit die Benutzer verstehen können, was der beteiligte Künstler zu erarbeiten versuchte. Zu den Techniken, die in den obigen Bildern verwendet werden, gehören Luftperspektive, Hell-Dunkel und Sfumato. Die Techniken helfen unter anderem dabei, den Ton und die Farbe zu demonstrieren.

Surhone, L., 2010. Die Jungfrau und das Kind mit St. Anna (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, Ölgemälde, Leonardo da Vinci, Heilige Anna, Maria, Jesuskind, Santissima Annunziata Florenz. Gran Bretagna: Betascript-Veröffentlichung.

Pye, C., 2015. Der Sturm auf See: Politische Ästhetik zur Zeit Shakespeares. New York: 9780823265046.


Louvre-Version

The Virgin of the Rocks which usually hangs in the Louvre is considered by most art historians to be the earlier of the two and date from around 1483-1486. Most authorities agree that the work is entirely by Leonardo. It is about 8 cm (3 in) taller than the London version. The first certain record of this picture is in 1625, when it was in the French royal collection. It is generally accepted that this painting was produced to fulfill a commission of 1483 in Milan. It is hypothesized that this painting was privately sold by Leonardo and that the London version was painted at a later date to fill the commission. There are a number of other theories to explain the existence of two paintings. This painting is regarded as a perfect example of Leonardo's "sfumato" technique.


A daily email with the best of our journalism

BY THE time Leonardo da Vinci died in 1519, he had been working on his painting of St Anne for 20 years and still was not quite finished with it. Nevertheless "The Virgin and Child with Saint Anne" consistently attracted the interest of other artists. The subject of St Anne, the Virgin Mary and the infant Jesus was far from new. But its treatment had been static, like an icon. Leonardo's portrait of grandmother, mother and child was full of movement and emotion. It is now one of the most cherished masterpieces in Western art.

A monumental Anne sits with her adult daughter perched on her lap. Mary reaches out trying to keep a grip on Jesus who is half-straddling a lamb. One can talk about the painting's technical virtuosity, the forcefulness of its triangular composition, the way the dreamy jagged background contrasts with the scrubbland on which the figures rest. These elements all contribute to the work's greatness. But what has made viewers take it to their hearts is Leonardo's evocation of a subject that is at once universal and not of this earthly world—the love and tension between generations and also between humanity and the divine.

Not everyone has been a mother, but each of us was once a child. The viewer, therefore, has an intuitive connection with the people in the painting. We see a benign, even indulgent grandmother giving physical support to her daughter. Emotionally, however, she ignores Mary and gazes at her adorable and adored grandson. Mary has the disturbed expression of a mother worried over her wilful little boy. The infant looks back to his mother, as if to reassure her, but he will not abandon the lamb. It is as if Anne accepts what Mary has not yet been able to, that Jesus is the sacrificial lamb, the Lamb of God.

One need not be Christian to be moved by this work. So many have been unnerved by the Louvre's announcement that “Saint Anne” was going to be cleaned and restored. Would this beloved, magical work be damaged or even destroyed in the name of “improving” it?

The cleaning and restoring of “Saint Anne” got underway in 2010, overseen by an international scientific committee of 20 specialists. It was completed early this year, and the Louvre has duly mounted a celebratory show. The first half of the exhibition features archival material, including Leonardo's notebooks, sketches and preparatory drawings—among them 22 loans from the Royal Collection in Windsor—which convey his thoughts about the composition. Then comes “Saint Anne”, joined by the large and beautiful “Burlington House Cartoon”. For the first time London's National Gallery has lent this 141.4 by 104.6 cm (55”x41.2”) preparatory drawing clearly it would not be Leonardo's last as it has the young John the Baptist in place of the lamb. Three additional paintings by Leonardo are also on view (but the Mona Lisa remains upstairs where as usual she draws crowds to the Italian painting galleries).

The second half of the Louvre show considers the influence Leonardo's “Saint Anne” has had on other artists, from those who worked in his studio to Michelangelo to Odilon Redon. Wonderful as some of these works are, after seeing Leonardo's versions in paint and charcoal, what follows feels like a tailing off.

This is an exciting, illuminating exhibition. It is also one with a rocky history. At the end of last year two highly esteemed members of the scientific committee overseeing the restoration of “St Anne” resigned. Jean-Pierre Cuzin, previously the Louvre's director of paintings, and Ségolène Bergeon Langle, its former director of conservation, did not make public their reasons. However, it is widely believed that they felt the cleaning had gone too far. It would not be the first time. To this viewer “Saint Anne” looks marvellous. The Virgin's voluminous wrap seems spun out of lapis lazuli and summer clouds. Come to your own conclusions. If you cannot see the show, do not fret. After it closes “Saint Anne” will be back on permanent view upstairs.


Schau das Video: 19. . SIEBEN SCHMERZEN MARIENS;