Das Einhorn ruht in einem Garten

Das Einhorn ruht in einem Garten


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Die fantastische wahre Geschichte der Einhörner

Einhörner sind magische Kreaturen, die in fast jedem Fantasy-Roman und in mehreren Märchen der aufgezeichneten Geschichte vorkommen. Diese Geschichten sind sogar auf der ganzen Welt erschienen. Der Legende nach konnten Einhörner nur von einer Jungfrau mit reinem Herzen gezähmt werden. Ihre Hörner hatten die Fähigkeit, Flüssigkeit zu reinigen, und in einigen Legenden konnten ihre Hörner Wunden heilen. Diese Legende reichte aus, um die Menschen jahrhundertelang dazu zu inspirieren, nach dieser schwer fassbaren Kreatur zu jagen. Sogar gut ausgebildete Mitglieder des Königshauses kauften angeblich Einhornhörner, und Wissenschaftler haben die Möglichkeit ihrer Existenz in der Vergangenheit sehr ernst genommen. Aber hat es dieses Tier jemals wirklich gegeben? Wurde es wie der Dodo-Vogel ausgerottet oder war es wirklich eine Erfindung der Fantasie?

Von einem Wandteppich namens &ldquoDie Dame und das Einhorn&rdquo. Bildnachweis: Wikimedia Commons.


Was wir nicht sehen

Wie angemessen, dass eine Museumsausstellung, die dem Einhorn gewidmet ist – einem mythischen Tier, dessen Name etwas so Seltenes und schwer fassbares bedeutet, dass es existieren könnte oder auch nicht – ausgeblieben wäre. „A Blessing of Unicorns“ sollte die Einhorn-Wandteppiche des Pariser Musée de Cluny aus dem 15. und fünfzigjähriges Jubiläum. Geplant für 2020, wurde die Show aufgrund der COVID-19 Pandemie. Eine Ausstellung mittelalterlicher Kunst fiel der Pest zum Opfer, der mittelalterlichsten aller Gefahren.

Das wunderschön illustrierte Sommer-2020-Bulletin der Met, Ein Segen der Einhörner: Die Wandteppiche von Paris und Klöstern, zeigt uns nicht nur, was wir verpasst haben, sondern kann uns auch dazu bringen, unsere Sicht auf Einhörner zu überdenken – ein Thema, das mir, ehrlich gesagt, seit Jahren nicht mehr in den Sinn gekommen war. Ich habe oft über Einhörner nachgedacht. Tatsächlich habe ich mit einem gelebt, man könnte sagen: eine Reproduktion von Das Einhorn ruht in einem Garten hing in meinem Kinderzimmer. Ich starrte auf die dunklen Felder, die so dicht mit unglaublich perfekten Blumen bedeckt waren, und auf das Einhorn in seinem kleinen runden Gehege, so süß, so melancholisch, so einsam – so wie der Geist eines jugendlichen Mädchens, das in den Körper eines Weißen eingegossen ist Pferd mit einem einzigen Korkenzieherhorn.

Es war ein Schock, es wiederzusehen, als ich den Met-Minikatalog durchsah und den klaren informativen Essay von Barbara Drake Boehm, der leitenden Kuratorin des Klosters, las. Und während ich las, sah ich etwas in dem Bild, das ich noch nie zuvor gesehen hatte. Wie hätte ich nicht bemerken können, dass die Haut des Einhorns blutüberströmt ist, dass dünne Rinnsale von Purpur über das glatte weiße Fleisch rieseln, während es so geduldig in seinem kreisförmigen Gehäuse ruht? Einige Gelehrte haben argumentiert, dass die roten Streifen Granatapfelsaft sind, das Symbol der Fruchtbarkeit, aber für mich sieht es aus wie Blut, und es scheint unwahrscheinlich, dass der Hund den Rücken des Einhorns knabbert Das Einhorn ergibt sich einer Jungfrau tropft roter Fruchtnektar.

Was hätte ich als Kind gedacht, wenn ich gewusst hätte, dass diese zarte, anmutige Kreatur ein zu jagendes Tier ist, wie eine der gefährdeten Safari-Trophäen, die von Don Junior und Eric Trump so stolz präsentiert werden? Und was hätte ich daraus geschlossen, wenn man mir gesagt hätte, dass dieses Gemetzel ohne die willige Hilfe einer liebenswürdigen Jungfrau nicht zu bewerkstelligen wäre?

Anscheinend war das Einhorn nicht nur schnell, sondern auch stark und konnte einen Elefanten mit seinem Horn töten. Alleine konnten die Jäger nicht in die Nähe kommen. Deshalb brauchtest du die Jungfrau. Das Einhorn legte seinen Kopf gerne in den Schoß einer Jungfrau, und während es abgelenkt war, näherten sich die Jäger. Die Jungfrau war ein Köder. Falls uns die Implikationen entgehen und wir die Konsequenzen übersehen – die Kostbarkeit der weiblichen Reinheit und die relative Kontamination der weiblichen Sexualität –, hier ist Richard de Fournival, der Kanzler der Kathedrale von Amiens aus dem 13. Das Bestiarium der Liebe:

Ich war auch vom Geruch gefangen … wie das Einhorn, das im süßen Duft der Jungfräulichkeit einschläft … niemand wagt es, es anzugreifen oder zu überfallen außer einer jungen Jungfrau. Denn wenn das Einhorn an ihrem Geruch eine Jungfrau wahrnimmt, kniet es vor ihr und demütigt sich sanft, um zu dienen. Folglich stellen ihm die klugen Jäger, die seine Natur kennen, ein Mädchen in den Weg, und es schläft in ihrem Schoß ein. Und dann, wenn es schläft, kommen die Jäger, die nicht den Mut haben, es im Wachzustand zu verfolgen, heraus und töten es.

War ich als Mädchen, als ich das Bild anstarrte, unterschwellig auf eine Zukunft programmiert, in der ich mich zwischen dem Einhorn-Freund und einem Sexualleben entscheiden musste? Was wäre, wenn wir vorgeben, Jungfrauen zu sein? Das Einhorn würde es riechen. Und wenn wir Jungfrauen wären, was hätten wir davon, die schöne Bestie ihren Mördern auszuliefern? In der High School hatten meine Freunde und ich angefangen, Jungfräulichkeit als eine Last zu sehen, die wir unbedingt loswerden wollten. Und sicherlich war ich zu jung, um darüber nachzudenken, inwiefern der Jungfrauenkult – die Fetischisierung der Jungfräulichkeit – eine schlechte Sache für Frauen war, beladen mit von Männern verhängten Strafen, die nicht zum Schutz der Mädchen gedacht waren, sondern in erster Linie als Garantie für das Produkt gedacht waren, das man kaufte, verkaufte oder tauschte in der Ehe.

Viel wurde über das Einhorn als Symbol Christi gesprochen, eine Lesart dieser Bilder, die eine mittelalterliche Freundin aus Vorherbestimmung unterstützt, sagt sie, die verworrene Unlogik, dass die Jungfrau an der Ermordung ihres Sohnes mitschuldig ist, ist nebensächlich. Die Wunden des Einhorns sind die Wunden Jesu. Boehm ist weniger überzeugt und argumentiert, dass die symbolische religiöse Interpretation auf die Spitze getrieben wurde. Aber ob das Einhorn Jesus repräsentiert (oder uns daran erinnert), ob sein Blut das Blut Christi ist, es besteht kein Zweifel, dass die Jäger in den Cluny-Wandteppichen – grob, räuberisch, brutal, gemein – tote Ringe für die verspottenden Gauner sind Christus in den Bildern von Bosch und Grunewald.

Obwohl ich nicht umhin konnte, um meine verlorene Unschuld zu trauern, meine jugendliche Liebe zu Einhörnern entjungfert, war ich dankbar für die entzückenden Einhorn-Faktoiden, die Boehm liefert: Die Mystikerin und Komponistin Hildegard von Bingen aus dem 12. Leber mit Eigelb. Cesare Borgia verkleidete sich für seine Hochzeit im Jahr 1498 als Einhorn. Julius Caesar schrieb, dass die Einhörner in den Wäldern Deutschlands lebten, während spätere deutsche Pilger ein Einhorn in der Nähe des Berges Sinai entdeckten.

Um 1500 gewebt, repräsentiert jeder der Cluny-Wandteppiche einen der Sinne (Geschmack, Geruch, Sehvermögen usw.) und zeigt eine relativ statische Szene (Einhorn, Dame) vor einem roten Hintergrund, der stark mit kleinen Tieren, Locken, Bannern und Blumen. Es ist erstaunlich, dass diese riesigen, detailreichen Werke repräsentativer Kunst gewebt wurden, obwohl mein Erstaunen etwas gedämpft wurde, als ich sie nicht persönlich sah.

Die Wandteppiche im Kreuzgang sind nicht nur später (etwa Anfang des 16. Jahrhunderts), sondern viel dynamischer, realistischer – und blutiger.

Die Jäger betreten den Wald, aus der Jagd nach den Einhorn-Wandteppichen, 1495-1505.

Der Name der Serie, „The Unicorn Hunt“, ist ein sofortiger Hinweis: Das ist es nicht Mein kleines Pony. Und doch, im ersten der Reihe, Die Jäger betreten den Wald, die Dinge sehen freundlich genug aus. Die Hunde wirken gar nicht so blutrünstig, zwei von ihnen schauen nach hinten statt nach vorn. Die Männer tragen lustige Hüte, einige mit großen Federn, und vielleicht sind diese Speere nur Accessoires, die Männer des 13. Jahrhunderts bei Spaziergängen im Wald trugen. Spazierstöcke mit Punkten.

Das Einhorn ergibt sich der Jungfrau, aus der Jagd nach den Einhorn-Wandteppichen, 1495-1505.

Eine Menschenmenge hat sich versammelt Das Einhorn reinigt Wasser, und es ist alles sehr friedliches Königreich, das Einhorn ist von einem Rudel echter und mythischer Bestien umgeben, beunruhigend, aber nicht bedrohlich. Das Einhorn ergibt sich der Jungfrau zeigt nur zwei Menschen - die (vermutliche) Jungfrau und einen Jäger, der von den Bäumen ausspioniert und sein Horn bläst, um den anderen ein Signal zu geben. Aber jetzt sind die Hunde fertig. Einer von ihnen knuddelt oder beißt das Einhorn, das ruhig bleibt, obwohl jetzt zwei Blutströme über seinen Rücken rinnen. Das Blut ist so schön – so ästhetisch – wie alles andere.

Das Einhorn verteidigt sich, von der Jagd nach den Einhorn-Wandteppichen, 1495-1505.

Es ist nicht bis Das Einhorn verteidigt sich dass die Speere erhoben werden. Die Hunde sind gemeiner geworden, vielleicht weil einer von ihnen vom Einhorn aufgespießt wurde, dessen Blut zu fließen begann.

Die Jäger kehren zum Schloss zurück, aus der Jagd nach den Einhorn-Wandteppichen, 1495-1505.

Die Jäger kehren zum Schloss zurück ist eines dieser Bilder aus dem Mittelalter/Renaissance, die wie ein Film funktionieren und uns Szenen zeigen, die wir sequentiell von einer Seite des Bildes zur anderen verfolgen können. Oben links ist das Einhorn in Agonie, tief von drei Speeren durchbohrt und von den Hunden bedrängt. Und im unteren Vordergrund wurde das tote Einhorn, das mehr wie eine geschlachtete Ziege denn wie ein magisches Wesen aussieht, seinen entleerten Kadaver über den Rücken eines hübschen braunen Pferdes geschlungen, zur Zustimmung des königlichen Lords und der königlichen Dame und ihrer Höflinge gebracht.

Als ich in der High School war, fuhren meine Freunde und ich bei schönem Wetter oft mit dem Bus der Fifth Avenue bis zur Endstation Fort Tryon Park. Wir verbrachten ganze Nachmittage im Kloster. Es war unser Europaurlaub, unsere günstig verfügbare Zeitreise. Ich weiß nicht, wie viel Zeit ich vor den Einhorn-Wandteppichen verbracht habe, aber ich weiß, dass mir in all den Stunden nie eingefallen ist, dass ich ein Gemetzel sah.

Vielleicht hat die Grausamkeit und der blutige Geist dieses Jahres das Blutbad stärker in den Fokus gerückt. Es ist nervig, sogar peinlich, aber ich mag es immer (oder fast immer), meine Augen für etwas geöffnet zu haben, das ich nicht bemerkt habe, obwohl es die ganze Zeit direkt vor mir war. Es war nicht so, als wäre mir nie aufgefallen, wie stark unsere Gesellschaft durch Rassismus und Einkommensungleichheit vergiftet und deformiert ist. Aber die Ereignisse dieses Sommers, die Proteste gegen Black Lives Matter und die erschreckenden Statistiken, die zeigen, wie viel schwerer die Armen und Farbigen unter der Pandemie gelitten haben, haben es unmöglich gemacht, das Blut nicht zu sehen. Ich habe immer gesagt, dass unsere Demokratie eine zerbrechliche Institution ist, dass das, was andere Demokratien in Diktaturen verwandelt hat, hier leicht passieren kann. Aber ich glaube, ich habe es bis vor kurzem nicht wirklich geglaubt.

So erschreckend oder schmerzlich die Wahrheit auch sein mag, zu sehen, was wir übersehen haben, fühlt sich wie eine Weiterbildung an, eine Lektion, sogar ein Geschenk. Wie so viele Geschichten, die ich zu kennen glaubte, wie so viele Geschichten, die wir uns selbst erzählen und erzählt werden, ist die Geschichte des Einhorns nicht das, was ich gedacht hatte. Die Schönheit dieser Tapisserien ist selbst in der Reproduktion aufregend, aber sie wirft die Frage auf, wie leicht wir das Offensichtliche übersehen können, wenn wir nicht genau hinsehen.

Francine Prose ist Autorin von neunzehn Romanen, acht Sachbüchern, drei Kurzgeschichtensammlungen und einem Kinderbuch. Ihr jüngster Roman ist Herr Affe.

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Die geheime Geschichte des Unkrauts

Was ist ein Unkraut?“, fragte Ralph Waldo Emerson die Menge, die sich versammelt hatte, um ihn am 30. März 1878 in der Old South Church in Boston sprechen zu hören. Seine Antwort: Eine Pflanze, die noch nicht nützlich ist. Es gebe etwa 200.000 Unkräuter, notierte er in seinem Vortrag „Das Glück der Republik“ und fügte hinzu: „Die Zeit wird noch einen Erfinder in jede Pflanze bringen. Es gibt keine Eigenschaft in der Natur, aber ein Geist wird geboren, um sie zu suchen und zu finden […] Die unendliche Anwendbarkeit dieser Dinge in den Händen des denkenden Menschen, wobei jede neue Anwendung einem neuen Material gleichkommt.“ Er bezog sich auf den Kapitalismus und das Land kontrollieren und beherrschen. Seine Geschichte ist die eines Mannes, eines weißen Mannes, eines „denkenden Mannes“.

Mein Unkraut ist nicht Emersons Unkraut. Die, die ich sehe, enthalten Geschichten von Globalisierung und Massenmigrationen. Das meiste Unkraut in den USA ist hier, weil jemand es einmal für nützlich hielt. Die Sprache um sie herum ist heute problematisch: „einheimisch“, „invasiv“, „fremd“ – wie ein Mikrokosmos unserer Politik. Ich schaue auf meinen dürren Rasen und es ist alles Unkraut. Es gibt Kamille und Ochsenaugen-Gänseblümchen, die vom National Park Service als "gefährliche Zierpflanze" bezeichnet wurden und wie Rucola in der Schafgarbe schmecken, die Achilles trug, um die Wunden seiner Truppen zu stillen, Prunella, bekannt als "Selbstheilung" oder "Alles heilen". ' für seine medizinischen Eigenschaften Rotklee, der als Tierfutter oder zur Regulierung der weiblichen Hormone verwendet werden kann. Es gibt Docks und Wegerich.

Deborah Pierce Bonnell, Königin Annes Spitze, 2014. Höflichkeit: der Künstler

Diese Pflanzen und ihre Geschichte sind nicht einfach. Sie wurden oft von weißen Kolonisatoren mitgebracht. Spitzwegerich wird auch "Fuß des weißen Mannes" genannt, weil er überall hin reiste, wo weiße Menschen hinkamen. Seine jungen Blätter machen Salatblätter reich an Nährstoffen und als Salbe – sogar im Speichel zerkaut – wirken sie hervorragend bei Schnittwunden.

Andere Unkräuter bergen Geheimnisse der Resistenz. Die Spitze von Queen Anne mit ihren wippenden weißen Köpfen ist eine wilde Karotte. Die Wurzel ist essbar, aber ihre Samen sind eine andere Geschichte – oder besser gesagt, sie sind meine Geschichte. Sie sind ein Progesteron-Hemmer und können wie die Pille danach oder bei täglicher Einnahme als Verhütungspille wirken. Die langen Wedel des Beifußes winken den Autos zu, die am Straßenrand vorbeirasen. Seine Blätter mit ihrer silbrigen Unterseite duften nach Kiefer und Salbei. Sie sind eine starke Quelle für Thujon, eine natürliche Verbindung mit psychotropen Eigenschaften. Gerüchten zufolge ist die Pflanze der Grund für das Fliegen von Hexen und entfacht lebhafte, rasende Träume. Es moduliert auch die Hormone von Frauen und kann Abtreibungen auslösen. Seine Wurzeln sind ein Rhizom, das sich exponentiell ausbreitet. Wenn ich es in Brooklyn entlang des verschmutzten Gowanus-Kanals sehe, denke ich an die Frauen, die es hierher gebracht haben müssen, und stelle mir ihre Bedürfnisse, Ängste und Träume vor.

Beifuß mit seinem schlammig klingenden Namen („Würze“ bedeutet Wurzel) ist der Beginn des „Neun-Kräuter-Charme“. Veröffentlicht im Lacnunga, ein Buch mit Kräuterheilmitteln aus dem späten 10. oder frühen 11. Jahrhundert, beschwört der Zauber die Pflanze, als ob sie lebendig und präsent wäre:

du mächtig gegen Gift

Du mächtig gegen das Böse

das fährt durchs Land

Das Einhorn ruht in einem Garten, aus "Einhorn-Wandteppiche", 1495-1505. Mit freundlicher Genehmigung: Metropolitan Museum of Art, New York

Nachdem ich den Amulett gelesen hatte, wurde Beifuß – der „erste“ und „älteste“ – für mich ein Zeichen der Rebellion. Donald Trump war damals Präsident und forderte die reproduktiven Rechte der Frauen heraus. Ich wollte diese Pflanze überall, entlang von Straßen und in Zyklonzäunen, auf Parkplätzen und auf kargen Böden. Als ich morgens durch den Prospect Park lief, grüßte ich ihn. Ich sehe seine Wedel im Sommer und denke an die verlorenen Frauengeschichten. Das erste Mal, als ich es 2018 nahm, folgte ich den Anweisungen, die ein Gärtner im The Met Cloisters Museum in Manhattan der Künstlerin Marlene McCarty gegeben hatte. Ich hatte Träume von
Den roten Rucksack eines Kindes mit Zeichentrickfiguren packen und in einer Zwangsmigration fliehen – eine treffende Vision scheint es, wenn man zurückblickt.

Als der Zauber zum Schreiben verpflichtet wurde, war es einer der letzten Verweigerer gegen das Christentum. Vier Jahrhunderte später wurde eine große Zahl von Frauen als Hexen wegen ihres Kräuterwissens verfolgt, und als sich die Landwirtschaft zu Monokulturen entwickelte – mit Getreide in Reihen und Reihen wie eine Einzelperspektive – wurde das Land selbst zum Reichtum und zum Erbe der Männer. Dann kamen Kolonialisierung, Kapitalismus, Sklaverei und die Entmachtung der Frauen über ihr Leben und ihren Körper. Auch die Medizin wurde zur Domäne des Menschen. In den USA stahlen weiße Siedler – mit Genehmigung der Regierung – den amerikanischen Ureinwohnern Land und töteten sie, weil sie immer mehr Territorium für ihre Getreide- und Baumwollwellen haben wollten.

Emerson hielt seine Rede zu Beginn der Langen Depression (1873-96) und sprach die Ökonomie der Baumwolle und den Bürgerkrieg in einem Argument an, das ich nicht ganz verstehe. Diese Depression löste eine Gegennarrative zur Landwirtschaft und zum Kapitalismus aus. In dem Jahr, in dem Emerson sprach, stimmten schwarze und weiße Pächter, die im Süden Baumwolle anbauten, aufeinander ab – nicht die Geschichte, die wir oft von der Ära nach dem Wiederaufbau hören – und ihre gemeinsame Macht erschreckte weiße Rassisten. Diese Bauern wurden vom Kapitalismus, von Kaufleuten und Banken und Baumwollmaklern verarscht. Als sie 1877 die Farmers' Alliance gründeten, förderten sie das Klassenbewusstsein über die Rassengrenzen hinweg. Die Gruppe kämpfte für Gewerkschaften, Genossenschaften und sozialistische Reformen im Bank- und Eisenbahnwesen. Auch Baumwolle selbst war ein Werkzeug des Widerstands: Versklavte Frauen brachten ihr Wissen über die Pflanze aus Afrika mit, wo sie auch wächst. Baumwolle, oder Gossypium wie die Gattung genannt wird, hat abtreibende Eigenschaften und kann, wie ich gelesen habe, Spermien unterdrücken.

Abbildung von B.D. Basu und K. R. Kritkar, Indische Heilpflanzen, vol. 3, 1918. Mit freundlicher Genehmigung: Smithsonian Institute, Washington, D.C.

Wenn ich den „Neun-Kräuter-Charme“ lese, denke ich an die „Einhorn-Wandteppiche“ (1495–1505). Eine meiner Doktorandinnen, Kate Brock, schreibt über sie und weist auf die Millefleurs-Technik hin, bei der überall Blumen gesprenkelt sind, die zum Boden, zur Luft, zum Äther werden. Es gibt nichts zwischen den Pflanzen und uns. Diese Wandteppiche wurden etwa 500 Jahre nach der Aufnahme des „Nine Herbs Charm“ hergestellt, aber die Technik, die sie verwenden, stammt aus der Gotik. Diese Pflanzen und Blumen durchdringen alles, was menschliche Gestalten unter ihnen stehen, als ob sie Teil des Blattwerks wären. Bei den späteren Wandteppichen, bemerkt Kate, sind die Blumen reduziert und gezähmt. Sie werden zu einer Linie unter den Füßen der Einhornjäger. Die Pflanzen und der Boden sind jetzt in unserer Domäne.

Was ist ein Unkraut? Meine sind eine Ökonomie der Mülldeponien, die durch Risse in den Bürgersteigen von Giftmülldeponien, Parkplätzen und Autobahnrändern bohren, wo sie helfen können, den Boden zu sanieren. Die USA geben jährlich 20,5 Milliarden US-Dollar für Pestizide für Monokulturen aus, um Getreide anzubauen, und verteilen 23 Millionen Tonnen Dünger für ertragreiche Mais-, Soja- und Weizensorten. Die meisten Düngemittel basieren auf Stickstoff und erfordern die Produktion von Methan. Methan ist der Haupttreiber des Klimawandels.

Dagegen steht mein Unkraut. Sie wachsen außerhalb der Reihen, außerhalb der Linien und behaupten andere Narrative. Diese nicht mehr als nützlich erachteten Pflanzen, die die kapitalistische Landwirtschaft zerstören will, können helfen, diese verlorenen Landschaften zurückzuerobern. Docks sind reich an Eisen Schafgarbe ist entzündungshemmend und antiseptisch. Wegerich kann einige Insektizide phytosanieren. Zu den nützlichen Eigenschaften von Self-Heal gehören Anti-Aging, Anti-Krebs und entzündungshemmende Eigenschaften. Im Sommer pflücke und esse ich seine lila Blüten, während ich durch das Gras gehe, das kein Gras, sondern ein Unkraut ist und Geschichten über meinen eigenen Widerstand erzählt.

Dieser Artikel erschien zuerst in Fries Ausgabe 218 mit der Überschrift „Im Unkraut'.

Hauptbild: Das Einhorn überquert einen Bach, aus „Einhorn-Wandteppiche“, 1495–1505. Mit freundlicher Genehmigung: Metropolitan Museum of Art, New York


Begleiten Sie Experten für eine interdisziplinäre, virtuelle Erkundung der berühmten Einhorn-Wandteppiche von The Met Cloisters. Erfahren Sie mehr über die Kunstfertigkeit und Innovation hinter den Wandteppichen und betrachten Sie die komplexe und dauerhafte Beziehung zwischen Mensch und Natur. Das Programm umfasst praktische Lehrplanverbindungen für das Lehren und Lernen mit Naturwissenschaften, Technologie, Ingenieurwesen, Kunst und Mathematik (STEAM). Für Pädagogen aller Fachrichtungen und Klassenstufen.

Bitte beachten: Diese Live-Veranstaltung findet auf Zoom statt. Die Plätze sind begrenzt. Voranmeldung erforderlich. Anmeldeschluss 21. Mai 2021, 17 Uhr (ET), oder wenn die Registrierung voll ist.

Automatisch generierte Untertitel sind verfügbar.

Bild: Das Einhorn ruht in einem Garten (aus den Einhorn-Wandteppichen) (Detail), 1495–1505. Hergestellt in Paris, Frankreich (Cartoon) Hergestellt in den südlichen Niederlanden (gewebt), Wollkette mit Wolle, Seide, Silber und vergoldeten Schussfäden, Gesamt: 144 7/8 x 99 Zoll. (368 x 251,5 cm). Das Metropolitan Museum of Art, New York, Geschenk von John D. Rockefeller Jr., 1937 (37.80.6)


Woraus besteht das Horn eines Einhorns?

Die Cambridge Animal Alphabet-Reihe feiert Cambridges Verbindungen zu Tieren durch Literatur, Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft. Hier steht U für Einhorn. Obwohl sie notorisch schwer zu fangen sind, werden sie auf Maiolika-Tellern, in der Heraldik des 15. Jahrhunderts und in frühen Rezepten für Antigifte verwendet.

Das Rezept aus dem 17.

Scrollen Sie zum Ende des Artikels, um den Podcast anzuhören.

Auf den ersten Blick mag es ein Pferd mit gewellter Mähne und geschwungenem Schweif sein – aber dann fällt das lange, gedrehte Horn aus seiner Stirn heraus. Wenn Sie sich dieses prächtige Tier genauer ansehen, sehen Sie, dass seine Füße den Hufen von Pferden am ähnlichsten sind und fast wie menschliche Füße in Zehen gespalten sind.

Niemand weiß genau, wie ein Einhorn aussieht, aber der Künstler, der diesen Maiolica-Teller (in der Sammlung des Fitzwilliam Museums: Acc.-Nr. C.86-1927) dekoriert hat, hat sich eine Kreatur im großen Stil vorgestellt. Der jugendliche Reiter, der auf einem reich bestickten Tuch sitzt, wird von der beeindruckenden Größe seines tänzelnden Rosses in den Schatten gestellt.

Der Teller war ursprünglich Teil einer Serie, die Anfang des 16. Jahrhunderts in Italien hergestellt wurde und Caesars triumphalen Einzug in Rom nach dem Ende des zweiten Punischen Krieges darstellt. Die Szene ist einer Reihe von Holzschnitten entnommen und der Buchstabe H markiert ihren Platz in der Erzählung. Die Teller stammen vermutlich aus einer Werkstatt in Cafaggiolo, unweit von Florenz.

Das kühne Design beweist, dass Einhörner nicht immer die schüchternen und sanften Kreaturen waren, die mittelalterliche Bestiarien und die Kinderliteratur des 20. Jahrhunderts uns glauben machen wollen. Tatsächlich waren sie in klassischen Texten eine grausame Ergänzung zu den Reihen der mythischen Tiere. Plinius der Ältere beschrieb das Einhorn so:

„… ein sehr wildes Tier namens Monoceros, das den Kopf des Hirsches, die Füße des Elefanten und den Schwanz des Ebers hat, während der Rest des Körpers dem des Pferdes ähnelt, macht es ein tiefes, gurrendes Geräusch, und hat ein einzelnes schwarzes Horn, das aus der Mitte seiner Stirn herausragt.“

Ausgehend von diesen chimären Anfängen nahm das Einhorn sowohl in Bezug auf das Aussehen als auch auf die Symbolik verschiedene Richtungen. Es wurde im Mittelalter zu einem Emblem für Christus und wurde ab dem 15. Jahrhundert häufig in der Heraldik verwendet. Der Löwe und das Einhorn sind die Symbole des Vereinigten Königreichs, wobei der Löwe England und das Einhorn Schottland repräsentiert.

Die Sammlung des Fitzwilliam Museums ist reich an Einhörnern. Einige der betörendsten erscheinen in „Stundenbüchern“ und „Bestiarien“. Einige davon hat der freiberufliche Forscher Robert Lloyd Parry im Rahmen der Recherchen zu Zeichen und Symbolen in der Kunst für die Website von Fitzwilliam untersucht.

Ein flämisches Stundenbuch aus dem Jahr 1526 zeigt die Verkündigung. Mary sitzt in einem ummauerten Garten (symbolisch für ihre Jungfräulichkeit) und ein weißes Einhorn legt sein Horn in ihren Schoß. Hinter ihr lugt Gottvater aus einem brennenden Dornbusch hervor und hinter dem Garten bläst Gabriel ein Jagdhorn.

Eine illuminierte Handschrift aus dem 15. Jahrhundert – eine französische Übersetzung einer Enzyklopädie aus dem 13. Jahrhundert – zeigt ein Einhorn im Garten Eden vor dem Sündenfall. Lloyd Parry schreibt: „Gott der Vater hält die rechte Hand von Adam und Eva, während Engel und Tiere zusehen. Zu Gottes Füßen entspringt ein Bach aus dem Boden. Das Horn des Einhorns weist auf sein klares Wasser hin – ein Hinweis vielleicht auf seine legendäre Fähigkeit, Wasser zu reinigen.“

Ein magisches Wesen hat wahrscheinlich magische Kräfte: Einhornhorn wird mit Reinheit in Verbindung gebracht. Natalie Lawrence, Doktorandin am Department of History and Philosophy of Science in Cambridge, erforscht frühe Begegnungen mit exotischen Kreaturen – einschließlich der Möglichkeiten, die sie Händlern und Apothekern boten.

Lawrences Arbeit bietet neue Einblicke in die Zuschreibung von Schutz- und Heilkräften von Naturstoffen in einer Zeit, in der Vergiftungsangst weit verbreitet war. Das Rezept aus dem 17. Adelige kauften Geschirr und Tassen mit „Einhornhorn“-Sockel, um eine Vergiftung zu vermeiden, und der Thronstuhl von Dänemark (konstruiert 1662-1671) besteht sogar aus „Einhornhorn“.

Pulverisiertes medizinisches "Einhornhorn" war normalerweise Walross-Elfenbein, Nashornhorn oder Narwal-Stoßzahn, manchmal auch "Seeeinhorn" genannt. Das Problem der Unterscheidung des „echten Horns“ wurde von dem französischen Arzt Pierre Martin La Martinière (1634-1690) kommentiert, der die Schwierigkeit beschrieb, „welche Kreatur das richtige Einhorn ist… Latines Uni-Cornis“, von einer Vielzahl von terrestrischen Vierbeinern und „Schlangen“ bis zum „Meerelefanten“ (Walross).

Materialien wie Walross-Elfenbein könnten, wenn sie als solche identifiziert werden, ähnliche Eigenschaften wie das Horn des Einhorns besitzen. Ein Apotheker, ein 'Mr Alexander Woodson of Bristoll', 'ein geschickter Phisition', hatte 'einen dieser Biestzähne, den er 'erprobt' hatte, indem er 'seinen Patienten Medizin verabreichte, und fand ihn als Soveraigne gegen Poyson wie jedes Unicornes horne'.

Die impliziten Verbindungen zwischen Einhörnern und diesen anderen Bestien verringerten die wahrgenommenen medizinischen Kräfte der Hörner nicht. Der dänische Gelehrte Ole Worm (1588-1655) entlarvte die Existenz des irdischen Einhorns in einem öffentlichen Vortrag anhand des Schädels eines Narwals, bescheinigte ihm aber dennoch die medizinische Wirksamkeit des Horns. Worm beschrieb Experimente, bei denen vergiftete Tiere durch Verabreichung von pulverisiertem „Seeeinhorn“-Horn wiederbelebt wurden.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurden „Einhornhörner“ in Sammlungen viel weniger geschätzt und verloren einen Teil ihres Status als „Raritäten“, da der Import in großen Mengen nach Europa den Markt überschwemmte. Aber die Anziehungskraft des Einhorns selbst, insbesondere Inkarnationen wie die flinke und quecksilberne Kreatur von CS Lewis Narnia Bücher, hat nie nachgelassen.

Vielleicht liegt das daran, dass sie vor allem immer extrem schwer zu fangen waren.

Als nächstes im Cambridge Animal Alphabet: V steht für ein Tier, das für bis zu 94.000 Todesfälle pro Jahr verantwortlich ist, aber auch zur Entwicklung von Behandlungen für Krankheiten wie Hämophilie, tiefe Venenthrombose, Lungenembolie, Herzinfarkt und Schlaganfall verwendet wird.

Haben Sie die Serie bisher verpasst? Informieren Sie sich hier über Medium.

Eingefügte Bilder: Ausschnitt aus dem Mariengruß, aus dem Stundenbuch von Carew-Poyntz (Fitzwilliam Museum) Ausschnitt aus der Lesung der Jungfrau in einem umzäunten Garten, Stundenbuch, von Geert Grote (Fitzwilliam Museum) Einhörner aus der Naturgeschichte der Frühen Neuzeit von Topsell and Johnstone Illustration eines Narwalschädels aus dem Buch von Ole Worm.

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Inhalt

Formation Bearbeiten

Die Grundlage für die architektonische Struktur des Museums bildete die Sammlung von George Gray Barnard, einem amerikanischen Bildhauer und Sammler, der fast im Alleingang ein mittelalterliches Kunstmuseum in der Nähe seines Hauses im Stadtteil Fort Washington in Upper Manhattan gründete. Obwohl er ein erfolgreicher Bildhauer war, der am Art Institute of Chicago studiert hatte, reichte sein Einkommen nicht aus, um seine Familie zu ernähren. Barnard war ein Risikoträger und führte die meiste Zeit seines Lebens am Rande der Armut. [6] 1883 zog er nach Paris, wo er an der Académie des Beaux-Arts studierte. [6] Er lebte zwischen 1905 und 1913 in dem Dorf Moret-sur-Loing in der Nähe von Fontainebleau [7] und begann, mit europäischen Objekten des 13. und 14. Jahrhunderts zu handeln, um sein Einkommen aufzubessern. Dabei baute er eine große persönliche Sammlung dessen auf, was er als "Antiquitäten" bezeichnete, zunächst durch den Kauf und Verkauf freistehender Objekte bei französischen Händlern, [8] dann durch den Erwerb von vor Ort architektonische Artefakte von lokalen Bauern. [6]

Barnard interessierte sich vor allem für die Abteien und Kirchen, die von Mönchsorden aus dem 12. Jahrhundert gegründet wurden. Nach Jahrhunderten der Plünderung und Zerstörung während Kriegen und Revolutionen wurden Steine ​​​​aus vielen dieser Gebäude von der lokalen Bevölkerung wiederverwendet. [6] Als Pionier darin, den Wert solcher Artefakte zu erkennen, stieß Barnard oft auf Feindseligkeit gegenüber seinen Bemühungen von lokalen und Regierungsgruppen. [7] Dennoch war er ein scharfsinniger Verhandlungsführer, der den Vorteil eines professionellen Bildhauers für überlegene Steinmetzarbeiten hatte, und bis 1907 hatte er zu relativ geringen Kosten eine hochwertige Sammlung aufgebaut. Angeblich zahlte er 25.000 Dollar für die Trie-Gebäude, 25.000 Dollar für das Bonnefort und 100.000 Dollar für das Kloster Cuxa. [9] Sein Erfolg führte dazu, dass er ein etwas romantisches Selbstbild annahm. Er erinnerte sich daran, wie er durch die französische Landschaft radelte und dabei gefallene und längst vergessene gotische Meisterwerke ausgrub. Er behauptete, das Grabbild von Jean d'Alluye mit dem Gesicht nach unten gefunden zu haben, das als Brücke über einen kleinen Bach diente. [8] Bis 1914 hatte er genug Artefakte gesammelt, um eine Galerie in Manhattan zu eröffnen. [10]

Barnard vernachlässigte oft seine persönlichen Finanzen [9] und war so desorganisiert, dass er oft die Herkunft oder Herkunft seiner Einkäufe verlegte. Er verkaufte seine Sammlung 1925 während einer seiner wiederkehrenden Währungskrisen an John D. Rockefeller Jr.. [11] Die beiden wurden vom Architekten William W. Bosworth eingeführt. [12] Für das Metropolitan Museum of Art erworben, umfasste der Erwerb Strukturen, die das Fundament und den Kern des Museums werden sollten. [6] [7] Rockefeller und Barnard waren sowohl im Temperament als auch in der Einstellung polare Gegensätze und kamen nicht miteinander aus. Rockefeller war zurückhaltend, Barnard überschwänglich. Der englische Maler und Kunstkritiker Roger Fry war damals der wichtigste europäische Akquise-Agent der Metropolitan und fungierte als Vermittler. [13] Rockefeller erwarb schließlich Barnards Sammlung für rund 700.000 US-Dollar und behielt Barnard als Berater. [14]

Im Jahr 1927 beauftragte Rockefeller Frederick Law Olmsted Jr., den Sohn eines der Designer des Central Park, und die Firma Olmsted Brothers, um einen Park in der Gegend von Fort Washington zu schaffen. [15] Im Februar 1930 bot Rockefeller an, die Cloisters für die Metropolitan zu bauen. [16] In Absprache mit Bosworth [7] beschloss er, das Museum auf einem 26,9 Hektar großen Gelände im Fort Tryon Park zu bauen, das sie wegen seiner Höhe, Aussicht und zugänglichen, aber isolierten Lage wählten. [10] Das Land und die bestehenden Gebäude wurden in diesem Jahr vom C. K. G. Billings-Anwesen und anderen Besitztümern in der Gegend von Fort Washington gekauft. Das Cloisters-Gebäude und die angrenzenden 1,6 ha großen Gärten wurden von Charles Collens entworfen. [17] Sie enthalten Elemente aus Abteien in Katalonien und Frankreich. Teile aus Sant Miquel de Cuixà, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-en-Comminges, Trie-sur-Baïse und Froville wurden Stein für Stein demontiert und nach New York City verschifft, wo sie rekonstruiert und in a zusammenhängendes Ganzes. Construction took place over a five-year period from 1934. [18] Rockefeller bought several hundred acres of the New Jersey Palisades, which he donated to the State in an effort to preserve the view from the museum. [19] The Cloisters' new building and gardens were officially opened on May 10, 1938, [20] though the public was not allowed to visit until four days later. [21]

Early acquisitions Edit

Rockefeller financed the purchase of many of the early collection of works, often buying independently and then donating the items to the museum. [5] His financing of the museum has led to it being described as "perhaps the supreme example of curatorial genius working in exquisite harmony with vast wealth". [6] The second major donor was the industrialist J. P. Morgan, founder of the Morgan Library & Museum in New York, who spent the last 20 years of his life acquiring artworks, "on an imperial scale" according to art historian Jean Strous, [22] spending some $900 million (inflation adjusted) in total. After his death, his son J. P. Morgan Jr. donated a large number of works from the collection to the Metropolitan. [23]

A further major early source of objects was the art dealer Joseph Brummer (1883–1947), long a friend of a curator at the Cloisters, James Rorimer. Rorimer had long recognized the importance of Brummer's collection, and purchased large quantities of objects in the months after Brummer's sudden death in 1947. According to Christine E. Brennan of the Metropolitan, Rorimer realized that the collection offered works that could rival the Morgan Collection in the Metropolitan's Main Building, and that "the decision to form a treasury at The Cloisters was reached. because it had been the only opportunity since the late 1920s to enrich the collection with so many liturgical and secular objects of such high quality." [24] These pieces, including works in gold, silver, and ivory, are today held in the Treasury room of the Cloisters. [24]

The museum's collection of artworks consists of approximately five thousand individual pieces. They are displayed across a series of rooms and spaces, mostly separate from those dedicated to the installed architectural artifacts. The Cloisters has never focused on building a collection of masterpieces, rather the objects are chosen thematically yet arranged simply to enhance the atmosphere created by the architectural elements in the particular setting or room in which they are placed. [5] To create the atmosphere of a functioning series of cloisters, many of the individual works, including capitals, doorways, stained glass, and windows are placed within the architectural elements themselves. [25]

Panel paintings and sculpture Edit

The museum's best-known panel painting is Robert Campin's c. 1425–28 Mérode Altarpiece, a foundational work in the development of Early Netherlandish painting, [26] which has been at The Cloisters since 1956. Its acquisition was funded by Rockefeller and described at the time as a "major event for the history of collecting in the United States". [27] The triptych is well preserved with little overpainting, glossing, dirt layers or paint loss. [28] Other panel paintings in the collection include a Nativity triptych altarpiece attributed to a follower of Rogier van der Weyden, [29] and the Jumieges panels by an unknown French master. [30]

The 12th-century English walrus ivory Cloisters Cross contains over ninety-two intricately carved figures and ninety-eight inscriptions. A similar 12th-century French metalwork reliquary cross contains six sequences of engravings on either side of its shaft, and across the four sides of its lower arms. [31] Further pieces of note include a 13th-century, English Enthroned Virgin and Child statuette, [32] a c. 1490 German statue of Saint Barbara, [33] and an early 16th-century boxwood Miniature Altarpiece with the Crucifixion. [34] Other significant works include fountains and baptismal fonts, chairs, [35] aquamaniles (water containers in animal or human form), bronze lavers, alms boxes and playing cards. [36]

The museum has an extensive collection of medieval European frescoes, ivory statuettes, reliquary wood and metal shrines and crosses, as well as examples of the very rare Gothic boxwood miniatures. [37] It has liturgical metalwork vessels and rare pieces of Gothic furniture and metalwork. [38] Many pieces are not associated with a particular architectural setting, so their placement in the museum may vary. [39] Some of the objects have dramatic provenance, including those plundered from the estates of aristocrats during the French Revolutionary Army's occupation of the Southern Netherlands. [40] The Unicorn tapestries were for a period used by the French army to cover potatoes and keep them from freezing. [41] The set was purchased by Rockefeller in 1922 and six of the tapestries hung in his New York home until donated to the Metropolitan Museum of Art in 1938. [42]

Illuminated manuscripts Edit

The museum's collection of illuminated books is small, but of exceptional quality. J.P. Morgan was a major early donor, but although his taste leaned heavily towards rare printed and illuminated books, [43] he donated very few to the Metropolitan, instead preserving them at the Morgan Library. [23] At the same time, the consensus within the Met was that the Cloisters should focus on architectural elements, sculpture and decorative arts to enhance the environmental quality of the institution, whereas manuscripts were considered more suited to the Morgan Library in lower Manhattan. [44] The Cloisters' books are today displayed in the Treasury room, and include the French "Cloisters Apocalypse" (or "Book of Revelation", c. 1330, probably Normandy), [45] Jean Pucelle's "Hours of Jeanne d'Evreux" (c. 1324–28), the "Psalter of Bonne de Luxembourg", attributed to Jean Le Noir and the "Belles Heures du Duc de Berry" (c. 1399–1416) attributed to the Limbourg brothers. [46] In 2015 the Cloisters acquired a small Netherlandish Book of Hours illuminated by Simon Bening. [47] Each is of exceptional quality, and their acquisition was a significant achievement for the museum's early collectors. [44]

A coat of arms illustrated on one of the leaves of the "Cloisters Apocalypse" suggests it was commissioned by a member of the de Montigny family of Coutances, Normandy. [48] Stylistically it resembles other Norman illuminated books, as well as some designs on stained glass, of the period. [49] The book was in Switzerland by 1368, possibly at the abbey of Zofingen, in the canton of Aargau. It was acquired by the Met in 1968. [50]

The "Hours of Jeanne d'Evreux" is a very small early Gothic book of hours containing 209 folios, of which 25 are full-page miniatures. It is lavishly decorated in grisaille drawings, historiated initials and almost 700 border images. Jeanne d'Évreux was the third wife of Charles IV of France, and after their deaths the book went into the possession of Charles' brother, Jean, duc de Berry. The use of grisaille (shades of gray) drawings allowed the artist to give the figures a highly sculptural form, [51] and the miniatures contain structures typical of French Gothic architecture of the period. The book has been described as "the high point of Parisian court painting", and evidence of "the unprecedentedly refined artistic tastes of the time". [52]

The "Belles Heures" is widely regarded as one of the finest extant examples of manuscript illumination, and very few books of hours are as richly decorated. It is the only surviving complete book attributed to the Limbourg brothers. [53] Rockefeller purchased the book from Maurice de Rothschild in 1954, and donated it to the Metropolitan. [54]

The very small "Bonne de Luxembourg" manuscript (each leaf 12.5 × 8.4 × 3.9 cm) is attributed to Jean le Noir, and noted for its preoccupation with death. It was commissioned for Bonne de Luxembourg, Duchess of Normandy, daughter of John the Blind and the wife of John II of France, probably at the end of her husband's life, c. 1348–49. It was in a private collection for many years, and thus known only through poor-quality photographic reproductions until acquired by the museum in 1969. Produced in tempera, grisaille, ink, and gold leaf on vellum, it had been rarely studied and was until that point misattributed to Jean Pucelle. Following its acquisition, it was studied by art historians, after which attribution was given to Le Noir. [55]

Tapestries Edit

While examples of textile art are displayed throughout the museum, there are two dedicated rooms given to individual series of tapestries, the South Netherlandish Nine Heroes (c. 1385) [56] and FlemishThe Hunt of the Unicorn (c. 1500). [57] The Nine Heroes room is entered from the Cuxa cloisters. [56] Its 14th-century tapestries are one of the earliest surviving examples of tapestry, and are thought to be the original versions following widely influential and copied designs attributed to Nicolas Bataille. They were acquired over a period of twenty years, involving the purchase of more than 20 individual fragments which were then sewn together during a long reassembly process. The chivalric figures represent the scriptural and legendary Nine Worthies, who consist of three pagans (Hector, Alexander the Great and Julius Caesar), three Jews (Joshua, David and Judas Maccabeus) and three Christians (King Arthur, Charlemagne and Godfrey of Bouillon). Of these, five figures survive: Hector, Caesar, Joshua, David and Arthur. [58] They have been described as representing "in their variety, the highest level of a rich and powerful social structure of later fourteenth-century France". [59]

Die Hunt of the Unicorn room can be entered from the hall containing the Nine Heroes via an early 16th-century door carved with representations of unicorns. [60] The unicorn tapestries consist of a series of large, colourful hangings and fragment textiles [61] designed in Paris [58] and woven in Brussels or Liège. Noted for their vivid colourization—dominated by blue, yellow-brown, red, and gold hues—and the abundance of a wide variety of flora, [62] they were produced for Anne of Brittany and completed c. 1495–1505. [63] The tapestries were purchased by Rockefeller in 1922 for about one million dollars, and donated to the museum in 1937. [64] They were cleaned and restored in 1998, and are now hung in a dedicated room on the museum's upper floor. [65]

The large "Nativity" panel (also known as "Christ is Born as Man's Redeemer") from c. 1500, South Netherlandish (probably in Brussels), Burgos Tapestry was acquired by the museum in 1938. It was originally one of a series of eight tapestries representing the salvation of man, [66] with individual scenes influenced by identifiable panel paintings, including by van der Weyden. [67] It was badly damaged in earlier centuries: it had been cut into several irregular pieces and undergone several poor-quality restorations. The panel underwent a long process of restoration from 1971, undertaken by Tina Kane and Alice Blohm of the Metropolitan's Department of Textile Conservation. It is today hung in the Late Gothic hall. [68]

Stained glass Edit

The Cloisters' collection of stained glass consists of around three hundred panels, generally French and Germanic and mostly from the 13th to early 16th centuries. [70] A number were formed from handmade opalescent glass. Works in the collection are characterized by vivid colors and often abstract designs and patterns many have a devotional image as a centerpiece. [71] The majority of these works are in the museum's Boppard room, named after the Carmelite church of Saint Severinus in Boppard, near Koblenz, Germany. [10] The collection's pot-metal works (from the High Gothic period) highlight the effects of light, [72] especially the transitions between darkness, shadow and illumination. [73] The Met's collection grew in the early 20th century when Raymond Picairn made acquisitions at a time when medieval glass was not highly regarded by connoisseurs, and was difficult to extract and transport. [74]

Jane Hayward, a curator at the museum from 1969 who began the museum's second phase of acquisition, describes stained glass as "unquestioningly the preeminent form of Gothic medieval monumental painting". [75] She bought c. 1500 heraldic windows from the Rhineland, now in the Campin room with the Mérode Altarpiece. Hayward's addition in 1980 led to a redesign of the room so that the installed pieces would echo the domestic setting of the altarpiece. She wrote that the Campin room is the only gallery in the Met "where domestic rather than religious art predominates. a conscious effort has been made to create a fifteenth-century domestic interior similar to the one shown in [Campin's] Annunciation panel." [76]

Other significant acquisitions include late 13th-century grisaille panels from the Château-de-Bouvreuil in Rouen, glass work from the Cathedral of Saint-Gervais-et-Saint-Protais at Sées, [76] and panels from the Acezat collection, now in the Heroes Tapestry Hall. [77]

The building is set into a steep hill, and thus the rooms and halls are divided between an upper entrance and a ground-floor level. The enclosing exterior building is mostly modern, and is influenced by and contains elements from the 13th-century church at Saint-Geraud at Monsempron, France, from which the northeast end of the building borrows especially. It was mostly designed by the architect Charles Collens, who took influence from works in Barnard's collection. Rockefeller closely managed both the building's design and construction, which sometimes frustrated the architects and builders. [78]

The building contains architecture elements and settings taken mostly from four French abbeys, which between 1934 and 1939 were transported, reconstructed, and integrated with new buildings in a project overseen by Collins. He told Rockefeller that the new building "should present a well-studied outline done in the very simplest form of stonework growing naturally out of the rocky hill-top. After looking through the books in the Boston Athenaeum . we found a building at Monsempron in Southern France of a type which would lend itself in a very satisfactory manner to such a treatment." [78]

The architects sought to both memorialize the north hill's role in the American Revolution and to provide a sweeping view over the Hudson River. Construction of the exterior began in 1935. The stonework, primarily of limestone and granite from several European sources, [79] includes four Gothic windows from the refectory at Sens and nine arcades. [80] The dome of the Fuentidueña Chapel was especially difficult to fit into the planned area. [81] The east elevation, mostly of limestone, contains nine arcades from the Benedictine priory at Froville and four flamboyant French Gothic windows from the Dominican monastery at Sens. [80]

Cloisters Edit

Cuxa Edit

Located on the south side of the building's main level, the Cuxa cloisters are the museum's centerpiece both structurally and thematically. [72] They were originally erected at the Benedictine Abbey of Sant Miquel de Cuixà on Mount Canigou, in the northeast French Pyrenees, which was founded in 878. [82] The monastery was abandoned in 1791 and fell into disrepair its roof collapsed in 1835 and its bell tower fell in 1839. [83] About half of its stonework was moved to New York between 1906 and 1907. [82] [84] The installation became one of the first major undertakings by the Metropolitan after it acquired Barnard's collection. After intensive work over the fall and winter of 1925–26, the Cuxa cloisters were opened to the public on April 1, 1926. [85] [5]

The quadrangle-shaped garden once formed a center around which monks slept in cells. The original garden seemed to have been lined by walkways around adjoining arches lined with capitals enclosing the garth. [86] It is impossible now to represent solely medieval species and arrangements those in the Cuxa garden are approximations by botanists specializing in medieval history. [86] The oldest plan of the original building describes lilies and roses. [86] Although the walls are modern, the capitals and columns are original and cut from pink Languedoc marble from the Pyrenees. [85] The intersection of the two walkways contains an eight-sided fountain. [87]

The capitals were carved at different points in the abbey's history and thus contain a variety of forms and abstract geometric patterns, including scrolling leaves, pine cones, sacred figures such as Christ, the Apostles, angels, and monstrous creatures including two-headed animals, lions restrained by apes, mythic hybrids, a mermaid and inhuman mouths consuming human torsos. [88] [89] The motifs are derived from popular fables, [82] or represent the brute forces of nature or evil, [90] or are based on late 11th- and 12th-century monastic writings, such as those by Bernard of Clairvaux (1090–1153). [91] The order in which the capitals were originally placed is unknown, making their interpretation especially difficult, although a sequential and continuous narrative was probably not intended. [92] According to art historian Thomas Dale, to the monks, the "human figures, beasts, and monsters" may have represented the "tension between the world and the cloister, the struggle to repress the natural inclinations of the body". [93]

Saint-Guilhem Edit

The Saint-Guilhem cloisters were taken from the site of the Benedictine monastery of Saint-Guilhem-le-Désert, and date from 804 AD to the 1660s. [94] Their acquisition around 1906 was one of Barnard's early purchases. The transfer to New York involved the movement of around 140 pieces, including capitals, columns and pilasters. [9] The carvings on the marble piers and column shafts recall Roman sculpture and are coiled by extravagant foliage, including vines. [95] The capitals contain acanthus leaves and grotesque heads peering out, [96] including figures at the Presentation at the Temple, Daniel in the Lions' Den [97] and the Mouth of Hell, [98] and several pilasters and columns. [94] The carvings seem preoccupied with the evils of hell. Those beside the mouth of hell contain representations of the devil and tormenting beasts, with, according to Young, "animal-like body parts and cloven hoofs [as they] herd naked sinners in chains to be thrown into an upturned monster's mouth". [99]

The Guilhem cloisters are inside the museum's upper level and are much smaller than originally built. [100] Its garden contains a central fountain [101] and plants potted in ornate containers, including a 15th-century glazed earthenware vase. The area is covered by a skylight and plate glass panels that conserve heat in the winter months. Rockefeller had initially wanted a high roof and clerestory windows, but was convinced by Joseph Breck, curator of decorative arts at the Metropolitan, to install a skylight. Breck wrote to Rockefeller that "by substituting a skylight for a solid ceiling . the sculpture is properly illuminated, since the light falls in a natural way the visitor has the sense of being in the open and his attention, consequently, is not attracted to the modern superstructure." [102]

Bonnefont Edit

The Bonnefont cloisters were assembled from several French monasteries, but mostly come from a late 12th-century Cistercian Abbaye de Bonnefont [fr] at Bonnefont-en-Comminges, southwest of Toulouse. [103] The abbey was intact until at least 1807, and by the 1850s all of its architectural features had been removed from the site, often for decoration of nearby buildings. [104] Barnard purchased the stonework in 1937. [105] Today the Bonnefont cloisters contain 21 double capitals, and surround a garden that contains many features typical of the medieval period, including a central wellhead, raised flower beds and lined with wattle fences. [106] The marbles are highly ornate and decorated, some with grotesque figures. [107] The inner garden has been set with a medlar tree of the type found in The Hunt of the Unicorn tapestries, and is centered around a wellhead placed at Bonnefont-en-Comminges in the 12th century. [108] The Bonnefont is on the upper level of the museum and gives a view of the Hudson River and the cliffs of the Palisades. [10]

Trie Edit

The Trie cloisters was compiled from two late 15th- to early 16th-century French structures. [110] Most of its components came from the Carmelite convent at Trie-sur-Baïse in south-western France, whose original abbey, except for the church, was destroyed by Huguenots in 1571. [111] Small narrow buttresses were added in New York during the 1950s by Breck. [81] The rectangular garden hosts around 80 species of plants and contains a tall limestone cascade fountain at its center. [112] Like those from Saint-Guilhem, the Trie cloisters have been given modern roofing. [113]

The convent at Trie-sur-Baïse featured some 80 white marble capitals [114] carved between 1484 and 1490. [110] Eighteen were moved to New York and contain numerous biblical scenes and incidents form the lives of saints. Several of the carvings are secular, including those of legendary figures such as Saint George and the Dragon, [114] the "wild man" confronting a grotesque monster, and a grotesque head wearing an unusual and fanciful hat. [114] The capitals are placed in chronological order, beginning with God in the act of creation at the northwest corner, Adam and Eve in the west gallery, followed by the Binding of Isaac, and Matthew and John writing their gospels. Capitals in the south gallery illustrate scenes from the life of Christ. [115]

Gärten Bearbeiten

The Cloisters' three gardens, the Judy Black Garden at the Cuxa Cloister on the main level, and the Bonnefont and Trie Cloisters gardens on the lower level, [116] were laid out and planted in 1938. They contain a variety of rare medieval species, [117] with a total of over 250 genera of plants, flowers, herbs and trees, making it one of the world's most important collections of specialized gardens. The garden's design was overseen by Rorimer during the museum's construction. He was aided by Margaret Freeman, who conducted extensive research into the keeping of plants and their symbolism in the Middle Ages. [118] Today the gardens are tended by a staff of horticulturalists the senior members are also historians of 13th- and 14th-century gardening techniques. [119]

Gothic chapel Edit

The Gothic chapel is set on the museum's ground level, and was built to display its stained glass and large sculpture collections. The entrance from the upper level Early Gothic Hall is lit by stained glass double-lancet windows, carved on both sides, and acquired from the church of La Tricherie, France. [120] The ground level is entered through a large door at its east wall. This entrance begins with a pointed Gothic arch leading to high bayed ceilings, ribbed vaults and buttress. [121] The three center windows are from the church of Sankt Leonhard, in southern Austria, from c. 1340. The glass panels include a depiction of Martin of Tours as well as complex medallion patterns. [121] The glass on the east wall comes from Evron Abbey, Normandy, and dates from around 1325. [122] The apse contains three large sculptures by the main windows two larger than life-size female saints dating from the 14th century, and a Burgundian Bishop dating from the 13th. [123] The large limestone sculpture of Saint Margaret on the wall by the stairs dates to around 1330 and is from the church of Santa Maria de Farfanya [ca] in Lleida, Catalonia. [121] Each of the six effigies are supreme examples of sepulchral art. [124] Three are from the Bellpuig Monastery [ca] in Catalonia. [124] The monument directly facing the main windows is the c. 1248–67 sarcophagus of Jean d'Alluye, a knight of the crusades, who was thought to have returned from the Holy Land with a relic of the True Cross. He is shown as a young man, his eyes open, and dressed in chain armor, with his longsword and shield. [123] The female effigy of a lady, found in Normandy, dates to the mid 13th century and is perhaps of Margaret of Gloucester. [125] Although resting on a modern base, [126] she is dressed in high contemporary aristocratic fashion, including a mantle, cotte, jewel-studded belt and an elaborate ring necklace brooch. [127]

Four of the effigies were made for the Urgell family, are set into the chapel walls, and are associated with the church of Santa Maria at Castello de Farfanya, redesigned in the Gothic style for Ermengol X (died c. 1314). [124] The elaborate sarcophagus of Ermengol VII, Count of Urgell (d. 1184) is placed on the left hand wall facing the chapel's south windows. It is supported by three stone lions, and a grouping of mourners carved into the slab, which also shows Christ in Majesty flanked by the Twelve Apostles. [128] The three other Urgell tombs also date to the mid 13th century, and maybe of Àlvar of Urgell and his second wife, Cecilia of Foix, the parents of Ermengol X, and that of a young boy, possibly Ermengol IX, the only one of their direct line ancestors known to have died in youth. [125] The slabs of the double tomb on the wall opposite Ermengol VII, contain the effigies of his parents, and have been slanted forward to offer a clear view of the stonework. The heads are placed on cushions, which are decorated with arms. The male's feet rest on a dog, while the cushion under the woman's head is held by an angel. [129]

Fuentidueña chapel Edit

The Fuentidueña chapel is the museum's largest room, [130] and is entered through a broad oak door flanked by sculptures that include leaping animals. Its centerpiece is the Fuentidueña Apse, a semicircular Romanesque recess built between about 1175 to 1200 at the Saint Joan church at Fuentidueña, Segovia. [131] By the 19th century, the church was long abandoned and in disrepair.

It was acquired by Rockefeller for the Cloisters in 1931, following three decades of complex negotiation and diplomacy between the Spanish church and both countries' art-historical hierarchies and governments. It was eventually exchanged in a deal that involved the transfer of six frescoes from San Baudelio de Berlanga to the Prado, on an equally long-term loan. [33] The structure was disassembled into almost 3,300 mostly sandstone and limestone blocks, each individually cataloged, and shipped to New York in 839 crates. [132]

It was rebuilt at the Cloisters in the late 1940s [133] It was such a large and complex reconstruction that it required the demolition of the former "Special Exhibition Room". The chapel was opened to the public in 1961, seven years after its installation had begun. [134]

The apse consists of a broad arch leading to a barrel vault, and culminates with a half-dome. [135] The capitals at the entrance contain representations of the Adoration of the Magi and Daniel in the lions' den. [136] The piers show Martin of Tours on the left and the angel Gabriel announcing to The Virgin on the right. The chapel includes other, mostly contemporary, medieval artwork. They include, in the dome, a large fresco dating to between 1130–50, from the Spanish Church of Sant Joan de Tredòs. The fresco's colorization resembles a Byzantine mosaic and is dedicated to the ideal of Mary as the mother of God. [137] Hanging within the apse is a crucifix made between about 1150 to 1200 for the Convent of St. Clara [es] in Astudillo, Spain. [138] Its reverse contains a depiction of the Agnus Dei (Lamb of God), decorated with red and blue foliage at its frames. [139] The exterior wall holds three small, narrow and stilted windows, [136] which are nevertheless designed to let in the maximum amount of light. The windows were originally set within imposing fortress walls according to the art historian Bonnie Young "these small windows and the massive, fortress-like walls contribute to the feeling of austerity . typical of Romanesque churches." [135]

Langon chapel Edit

The Langon chapel is on the museum's ground level. Its right wall was built around 1126 for the Romanesque Cathédrale Notre-Dame-du-Bourg de Digne. [140] The chapter house consists of a single aisle nave and transepts [141] taken from a small Benedictine parish church built around 1115 at Notre Dame de Pontaut. [142] When acquired, it was in disrepair, its upper level in use as a storage place for tobacco. About three-quarters of its original stonework was moved to New York. [141]

The chapel is entered from the Romanesque hall through a doorway, a large, elaborate French Gothic stone entrance commissioned by the Burgundian court [10] for Moutiers-Saint-Jean Abbey in Burgundy, France. Moutiers-Saint-Jean was sacked, burned, and rebuilt several times. In 1567, the Huguenot army removed the heads from the two kings, and in 1797 the abbey was sold as rubble for rebuilding. The site lay in ruin for decades and lost further sculptural elements until Barnard arranged for the entrances' transfer to New York. The doorway had been the main portal of the abbey, and was probably built as the south transept door.

Carvings on the elaborate white oolitic limestone doorway depict the Coronation of the Virgin and contains foliated capitals and statuettes on the outer piers including two kings positioned in the embrasures and various kneeling angels. Carvings of angels are placed in the archivolts above the kings. [143] The large figurative sculptures on either side of the doorway represent the early Frankish kings Clovis I (d. 511) and his son Chlothar I (d. 561). [144] [145] The piers are lined with elaborate and highly detailed rows of statuettes, which are mostly set in niches, [146] and are badly damaged most have been decapitated. The heads on the right hand capital were for a time believed to represent Henry II of England. [147] Seven capitals survive from the original church, with carvings of human figures or heads, some of which as have been identified as historical persons, including Eleanor of Aquitaine. [141]

Romanesque hall Edit

The Romanesque hall contains three large church doorways, with the main visitor entrance adjoining the Guilhem Cloister. The monumental arched Burgundian doorway is from Moutier-Saint-Jean de Réôme in France and dates to c. 1150. [10] Two animals are carved into the keystones both rest on their hind legs as if about to attack each other. The capitals are lined with carvings of both real and imagined animals and birds, as well as leaves and other fauna. [148] The two earlier doorways are from Reugny, Allier, and Poitou in central France. [4] The hall contains four large early-13th-century stone sculptures representing the Adoration of the Magi, frescoes of a lion and a wyvern, each from the Monastery of San Pedro de Arlanza in north-central Spain. [10] On the left of the room are portraits of kings and angels, also from the monastery at Moutier-Saint-Jean. [148] The hall contains three pairs of columns positioned over an entrance with molded archivolts. They were taken from the Augustinian church at Reugny. [149] The Reugny site was badly damaged during the French Wars of Religion and again during the French Revolution. Most of the structures had been sold to a local man, Piere-Yon Verniere, by 1850, and were acquired by Barnard in 1906. [94]

Treasury room Edit

The Treasury room was opened in 1988 to celebrate the museum's 50th anniversary. It largely consists of small luxury objects acquired by the Met after it had built its initial collection, and draws heavily on acquisitions from the collection of Joseph Brummer. [150] The rooms contains the museum's collection of illuminated manuscripts, the French 13th-century arm-shaped silver reliquary, [151] and a 15th-century deck of playing cards. [152]

Library and archives Edit

The Cloisters contains one of the Metropolitan's 13 libraries. Focusing on medieval art and architecture, it holds over 15,000 volumes of books and journals, the museum's archive administration papers, curatorial papers, dealer records and the personal papers of Barnard, as well as early glass lantern slides of museum materials, manuscript facsimiles, scholarly records, maps and recordings of musical performances at the museum. [153] The library functions primarily as a resource for museum staff, but is available by appointment to researchers, art dealers, academics and students. [154] The archives contain early sketches and blueprints made during the early design phase of the museum's construction, as well as historical photographic collections. These include photographs of medieval objects from the collection of George Joseph Demotte, and a series taken during and just after World War II showing damage sustained to monuments and artifacts, including tomb effigies. They are, according to curator Lauren Jackson-Beck, of "prime importance to the art historian who is concerned with the identification of both the original work and later areas of reconstruction". [155] Two important series of prints are kept on microfilm: the "Index photographique de l'art en France" and the German "Marburg Picture Index". [155]

The Cloisters is governed by the board of the Metropolitan Museum of Art. The Metropolitan's collections are owned by a private corporation of about 950 fellows and benefactors. The board of trustees comprise 41 elected members, several officials of the City of New York, and persons honored as trustees by the museum. The current chairman of the board is the businessman and art collector Daniel Brodsky, who was elected in 2011, [156] having previously served on its Real Estate Council in 1984 as a trustee of the museum and Vice Chairman of the Buildings Committee. [157]

A specialist museum, the Cloisters regularly acquires new works and rarely sells or otherwise gets rid of them. While the Metropolitan does not publish separate figures for the Cloisters, the entity as a whole spent $39 million on acquisitions for the fiscal year ending in June 2012. [158] The Cloisters seeks to balance its collection between religious and secular artifacts and artworks. With secular pieces, it typically favors those that indicate the range of artistic production in the medieval period, and according to art historian Timothy Husband, "reflect the fabric of daily [medieval European] life but also endure as works of art in their own right". [159] In 2011 it purchased the then-recently discovered The Falcon's Bath, a Southern Netherlands tapestry dated c. 1400–1415. It is of exceptional quality, and one of the best preserved surviving examples of its type. [160] Other recent acquisitions of significance include the 2015 purchase of a Book of Hours attributed to Simon Bening. [47]

The museum's architectural settings, atmosphere, and acoustics have made it a regular setting both for musical recitals and as a stage for medieval theater. Notable stagings include The Miracle of Theophilus in 1942, and John Gassner's adaption of The Second Shepherds' Play in 1954. [161] Recent significant exhibitions include "Small Wonders: Gothic Boxwood Miniatures" which ran in the summer of 2017 in conjunction with the Art Gallery of Ontario and Rijksmuseum, Amsterdam. [162]


6) Role of SS Panzer Divisions

Allied Sherman tanks crossing the newly-captured bridge at Nijmegen in the Netherlands during their advance as part of Operation Market Garden.

Before Operation Market Garden even started, Allied intelligence got reports that two well-equipped German SS Panzer (tank) divisions were in the area around Arnhem. But commanders of the operation, including Lt. Gen. Frederick 𠇋oy” Browning, decided the operation should go ahead anyway𠅊 risk that turned into a disaster for Allied troops at Arnhem.

The slow advance of the XXX Corps gave Germany time to strengthen its defenses, confront the advancing ground troops at Nijmegen, and subject the lone British battalion at Arnhem to a crippling onslaught, which they resisted fiercely before submitting on the fifth day of the battle. With the main objective of the operation lost, more than 3,000 British troops dug in at Oosterbeek until September 25, when they were forced to begin evacuating across the Rhine.


History of the Qilin

The qilin first appeared in the historical record with the Zuo Zhuan, or "Chronicle of Zuo," which describes events in China from 722 to 468 BCE. According to these records, the first Chinese writing system was transcribed around 3000 BCE from the markings on a qilin's back. A qilin is supposed to have heralded the birth of Confucius, c. 552 BCE. The founder of Korea's Goguryeo Kingdom, King Dongmyeong (r. 37-19 BCE), rode a qilin like a horse, according to legend.

Much later, during the Ming Dynasty (1368-1644), we have solid historical evidence of at least two qilin showing up in China in 1413. Actually, they were giraffes from the coast of Somalia the great admiral Zheng He brought them back to Beijing after his fourth voyage (1413-14). The giraffes were immediately proclaimed to be qilin. The Yongle Emperor was naturally extremely pleased to have the symbol of wise leadership show up during his reign, courtesy of the Treasure Fleet.

Although traditional depictions of the qilin had a much shorter neck than any giraffe's, the association between the two animals remains strong to this day. In both Korea and Japan, the term for "giraffe" is kirin, or qilin.

Across East Asia, the qilin is one of the four noble animals, along with the dragon, the phoenix, and the tortoise. Individual qilin are said to live for 2000 years and can bring babies to deserving parents much in the manner of storks in Europe.


The Unicorn Rests in a Garden - History

The Unicorn in the Garden

by James Thurber
reprinted from
Fables For Our Time

Once upon a sunny morning a man who sat in a breakfast nook looked up from his scrambled eggs to see a white unicorn with a golden horn quietly cropping the roses in the garden. The man went up to the bedroom where his wife was still asleep and woke her. "There's a unicorn in the garden," he said. "Eating roses." She opened one unfriendly eye and looked at him.

"The unicorn is a mythical beast," she said, and turned her back on him. The man walked slowly downstairs and out into the garden. The unicorn was still there now he was browsing among the tulips. "Here, unicorn," said the man, and he pulled up a lily and gave it to him. The unicorn ate it gravely. With a high heart, because there was a unicorn in his garden, the man went upstairs and roused his wife again. "The unicorn," he said,"ate a lily." His wife sat up in bed and looked at him coldly. "You are a booby," she said, "and I am going to have you put in the booby-hatch."

The man, who had never liked the words "booby" and "booby-hatch," and who liked them even less on a shining morning when there was a unicorn in the garden, thought for a moment. "We'll see about that," he said. He walked over to the door. "He has a golden horn in the middle of his forehead," he told her. Then he went back to the garden to watch the unicorn but the unicorn had gone away. The man sat down among the roses and went to sleep.

As soon as the husband had gone out of the house, the wife got up and dressed as fast as she could. She was very excited and there was a gloat in her eye. She telephoned the police and she telephoned a psychiatrist she told them to hurry to her house and bring a strait-jacket. When the police and the psychiatrist arrived they sat down in chairs and looked at her, with great interest.

"My husband," she said, "saw a unicorn this morning." The police looked at the psychiatrist and the psychiatrist looked at the police. "He told me it ate a lilly," she said. The psychiatrist looked at the police and the police looked at the psychiatrist. "He told me it had a golden horn in the middle of its forehead," she said. At a solemn signal from the psychiatrist, the police leaped from their chairs and seized the wife. They had a hard time subduing her, for she put up a terrific struggle, but they finally subdued her. Just as they got her into the strait-jacket, the husband came back into the house.

"Did you tell your wife you saw a unicorn?" asked the police. "Of course not," said the husband. "The unicorn is a mythical beast." "That's all I wanted to know," said the psychiatrist. "Take her away. I'm sorry, sir, but your wife is as crazy as a jaybird."

So they took her away, cursing and screaming, and shut her up in an institution. The husband lived happily ever after.



Bemerkungen:

  1. Mezilabar

    Meiner Meinung nach liegst du falsch. Ich bin sicher. Ich kann meine Position verteidigen. Senden Sie mir eine E -Mail an PM, wir werden reden.

  2. Alvin

    Toll, das ist eine lustige Antwort

  3. Shakami

    Bravo, was notwendiger Satz ..., eine großartige Idee



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