Georgische Aurei-Imitation

Georgische Aurei-Imitation


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Die Geschichte der Herzogin, die die georgische Gesellschaft skandalös machte

Vor Daphne Bridgerton gab es Elizabeth Chudleigh. Während der Netflix-Hit mit den Dreharbeiten zu seiner zweiten Staffel beginnt, bietet Catherine Ostlers Buch über die Schönheit der Gesellschaft und den Bigamisten, der die georgische Gesellschaft begeisterte, eine hervorragende Hintergrundlektüre

Wer im Spätsommer 1777 am Ufer des Finnischen Meerbusens stand, hatte vielleicht einen faszinierenden Anblick: ein maritimes Dreimaster-Wunderwerk aus poliertem Holz und goldener Farbe, dessen Segel im Nordwind wehen. Auf dem Deck der Jacht hätten sie vielleicht die einsame Gestalt einer Frau erblickt, die den Blick auf den Lauf der Newa gerichtet hatte, die nach St. Petersburg floss. Hätten sie hineinsehen können, hätten sie so exotische Inhalte wie die Schiffsgeschichte vorgefunden: eine Menagerie von Tieren, darunter kleine Affen, ein Orchester, zwei Geistliche (ein Katholik für die französische Besatzung und ein Anglikaner, der als Publizist fungierte) ein Prunkzimmer , eine Küche, ein Badezimmer und dekorative Heizkörper sowie eine unbezahlbare Auswahl an Silber und Kunst in einer Bildergalerie. Der Perläugige könnte den Namen des Schiffes an der Seite bemerkt haben: die Herzogin von Kingston.

Denn so hieß die Frau an Deck – aber es war auch der Titel, der ihr gerade vom gesamten House of Lords und den ranghöchsten britischen Richtern in einem Prozess wegen Bigamie verweigert worden war, an dem die zweijährige Königin Charlotte teilnahm zukünftigen Monarchen, James Boswell und Georgiana, Herzogin von Devonshire, neben den Londoner Literaten und dem Rest der Tonne. So wie der amerikanische Unabhängigkeitskrieg zu den Gunsten Großbritanniens hätte wenden können, waren die Briten alle abgelenkt, ergriffen von dieser skandalösen Gestalt, die eine Vielzahl von Geheimnissen hütete.

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Die Herzogin, wie sie sich immer noch nannte, war mit dem Geld ihres verstorbenen Mannes aus London gefegt und hatte sich auf den Weg gemacht, um sich mit Katharina der Großen anzufreunden, der damals berühmtesten Monarchin der Welt. Als sie nach St. Petersburg segelte, wich der Fluss Ufern aus bemaltem Stuck und Marmor- und Granitpalästen. Russlands neue Hauptstadt war ein Ort von schillernder Neuheit und Erhabenheit, der Anfang des Jahrhunderts von Peter dem Großen erbaut wurde. Das kaiserliche Winterpalais ragte in diesem Stuckpanorama in seinem Brobdingnagschen Maßstab heraus. „Es hat den Anschein, als wäre es an den heutigen Ort transportiert worden, wie der Palast in den arabischen Sagen“, bemerkte ein englischer Besucher.

Es ist eine der eigentümlichen Eigenheiten der Geschichte, dass aufgrund des sprunghaften romantischen Lebens dieser Frau und des Wunsches des britischen Establishments, sie dafür zu bestrafen, einige der Schätze ihrer angeheirateten Familie und Stücke, die sie in Auftrag gegeben hat, nicht in einer Londoner Galerie liegen oder ein Herrenhaus in den Grafschaften, aber weit weg im selben Winterpalast, heute das State Hermitage Museum. Sie verbergen die außergewöhnliche Geschichte der Reise, die sie dorthin führte: eine, die ich beim Schreiben meines Buches entdeckte, Die Herzogin Gräfin: Die Frau, die eine Nation skandalös machte.

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Elizabeth Chudleigh oder die Herzogin-Gräfin – ein Spitzname, den ihr der allgegenwärtige Klatsch des 18. Katharina die Große und Potemkin. Er beschrieb ihre Extravaganz am kaiserlichen Hof, ihre Fähigkeit zu schockieren und aufzutreten – selbst dort eine Karriere der „Verführung, Heirat, Täuschung, Exhibitionismus und Diebstahl“. Mit anderen Worten, sie war die beste britische Antiheldin. In der Belletristik eine Becky Sharp oder eine Moll Flanders – die Sorte, der man trotz fragwürdigem Verhalten nicht widerstehen kann, die die Erwartungen durcheinanderbringt und sich mit jeder Faser ihres Korsetts wehrt. Für mich ist Elizabeth nicht nur zu einem komplexen Objekt der Sympathie und Faszination geworden, sondern auch zu einer Chiffre, von der aus man die georgische Frau und Gesellschaft, ihre Presse, ihre Poesie, das Schwirren ihrer Röcke und die Kraft ihrer grausamen Federn sehen kann, lange bevor Bridgertons Lady Whistledown hat solche Dinge in unser kollektives Bewusstsein gelegt. Elizabeth Chudleigh machte ständig Klatschfutter, von ihren Tagen als faszinierendste Trauzeuginnen (die It-Mädchen ihrer Zeit) über ihre verschiedenen Eskapaden auf dem Heiratsmarkt bis zu ihrem schließlichen Prozess im Jahr 1776 und dem selbst auferlegten Exil, das sie danach angetreten.

Als Kind war sie im Royal Hospital in Chelsea herumgelaufen, wo ihr Vater Vizegouverneur war, obwohl er starb, als sie erst fünf Jahre alt war. Bald jedoch war sie ein Geschöpf des georgischen Hofes und wurde 1744 Trauzeugin von Augusta, der jungen Prinzessin von Wales aus dem nirgendwosburgischen Bundesstaat Sachsen-Gotha-Altenburg.

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Elizabeth verkleidet als mythische griechische Prinzessin Iphigenie für eine Maskerade von 1749

Dies war das Jahrhundert rivalisierender Höfe – öffentliche Streitigkeiten zwischen Vater und Sohn waren in der königlichen Familie nichts Neues. In jeder hannoverschen Generation gab es eine nüchterne, glanzlose, die des Königs, und eine amüsante, lebhafte, die des Prinzen und der Prinzessin von Wales. George II hatte ein eintöniges Setup, weil er männliche Rivalität hasste und den Verstand und die Denker vertrieb, also empfing sein Sohn Frederick, Prince of Wales, sie glücklich im Leicester House. Elizabeth war aufgrund ihrer beträchtlichen Höflichkeitsmacht, die sie zu einer weiblichen Machiavelli machte, die einzige Person, die es schaffte, bei beiden in Gunst zu bleiben.

Als Trauzeugin ging es natürlich vor allem darum, einen geeigneten Ehemann zu finden. Sir Joshua Reynolds, der Elizabeth malte, erinnerte sich, dass sie das schönste Mädchen war, das er je gesehen hatte, und sie hatte einen fließenden Witz, der sogar von ihren Feinden anerkannt wurde. Aber es war trotzdem keine leichte Aufgabe: Sie war nicht nur ohne Mitgift, sondern hatte auch keinen Vater, Bruder oder eine Mutter, die für sie beraten oder verhandeln könnte. Sie hätte sich fast mit dem jungen, verwaisten Herzog von Hamilton verlobt, aber seine Familie hat ihn in letzter Minute aus ihrer Reichweite gerissen.

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Als sie 1744 bei einer Cousine auf dem Land blieb, traf sie bei den Winchester-Rennen einen Marineoffizier. Obwohl erst 20, war Augustus Hervey selbstbewusst und sprachgewandt, bereits ein geübter Verführer, voller Seegeschichten und Prahlerei. Der Enkel des Earl of Bristol, Hervey, wurde als der englische Casanova bekannt und nach einer schnellen Romanze in der Augusthitze heirateten er und Elizabeth mitten in der Nacht in einer Landkapelle: eine Art Vegas-mit-Elvis-Imitator der Ausbeutung, die beide fast sofort zu bereuen begannen.

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Gravuren der Westminster Hall, die für den Prozess vorbereitet wurden, und der Prozess selbst

Sie einigten sich darauf, so zu tun, als wäre es nie passiert. Im Laufe der Jahre wurde die Geheimhaltung verleugnet, aber vor allem ließen sie sich nicht scheiden. Bald trafen sie andere in Elizabeths Fall, dies war ein weiterer verwaister Herzog (sie hatte sicherlich einen Typ) – Evelyn Pierrepont, der 2. Sogar Horace Walpole, der nie für seine Freundlichkeit bekannt war, nannte ihn einen „Mann von großer Schönheit und den besten Menschen“. Viel später, im Jahr 1769, heiratete Elizabeth Kingston und war kurzzeitig glücklich, aber als er 1773 starb und ihr alles hinterließ, wollte seine Familie „ihr“ Geld zurück und verfolgte sie mit einer Energie, die sie bis ins ganze Jahr führte, durch das Rechtssystem Prozess wegen Bigamie in der Westminster Hall.

Evelyn Pierrepont, 2. Herzog von Kingston, gemalt in den 1740er Jahren

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Vor 4.000 Zuschauern wurde sie auf die Anklagebank gesetzt – und wurde damit neben Marie Antoinette und Katharina der Großen selbst zu einer der drei meistdiskutierten Frauen Europas. Zeitungen behandelten jeden Aspekt des Prozesses und gaben ihren Lesern einen Platz in der ersten Reihe, der Krieg in Amerika wurde von den Titelseiten gestrichen. Die Chatterati waren außer sich vor Aufregung, die Frauen standen um 5 Uhr morgens auf, um vorher Kaffee zu trinken und zu frisieren. Westminster Hall verstummte, als Elizabeth, „gutaussehend“ in Trauerkleidung, mit ihrem Gefolge eintrat: zwei elegante Diener in Weiß, ein Kaplan, ein Arzt, ein Apotheker und Black Rod, um sie an der Flucht zu hindern. Zunächst ruhig und würdevoll, am Ende des Prozesses wurde sie beschuldigt, Zeugen „gespielt“ zu haben, und sie brach mehr als einmal in Not zusammen. Geheimnisse, Halbwahrheiten und Verschwörungen tauchten auf – für Details ist hier kein Platz – aber nach dem Urteil gruppierte sie sich neu und begab sich auf eine große Tour.

Der Sommerpalast außerhalb von St. Petersburg, wo Katharina die Große Elisabeth empfing

Jahre nachdem ich ihren Namen zum ersten Mal gehört hatte, stand ich in der überhitzten Eremitage, als draußen auf dem Schlossplatz Schnee fiel. Es war der 7. Dezember, der Katharinentag, an dem der Eintritt frei ist, um dem Fest des Namensgebers der Kaiserin zu gedenken. Ich war den Spuren der verirrten Herzogin in ganz Europa gefolgt und war gerade dabei, das Manuskript meines Buches fertigzustellen, als ich hörte, dass einige ihrer Habseligkeiten in St. Petersburg gefunden worden waren und ausgestellt werden sollten. Inzwischen kannte ich ihre Geschichte genauer, als sie es wahrscheinlich selbst je kannte, nachdem sie mit weißen Handschuhen in Archiven alte Tagebücher, Zeitungen und verstaubte Briefe gelesen hatte, auf der obsessiven Spur, die jeden Biographen anstachelt.

Der Sommerpalast, St. Petersburg

Ich wanderte durch die berühmte Newa Enfilade, wo einst Bälle für Tausende abgehalten wurden, während draußen die Bauern hungerten, und kam schließlich zum Romanow-Baumhausflügel, der ihre erstaunlichen Besitztümer beherbergte. Es gab einen Ballsaal-Kronleuchter, fast so groß wie ich, der Musik spielte, wenn seine Kerzen angezündet wurden, einen silbernen Weinkühler, der groß genug war, um ein Baby zu baden, in dem einst Fischsuppe auf einem Ball serviert wurde, um den Sieg über die Türken zu feiern, und Gemälde, die Elizabeth hatte diese Yacht mitgebracht.

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Kate Rothschild und Paul Forkan begrüßen ein hübsches Baby

Kates ehemalige Schwägerin Jemima Khan hat in den sozialen Medien einige bezaubernde Fotos des Neuankömmlings geteilt

Kupferstich des Bigamie-Prozesses der Herzogin von Kingston, um 1776

Die Nachkommen der Familie ihres zweiten Mannes, die Pierreponts, sind verständlicherweise irritiert, dass die Besitztümer, die einst ihren Familiensitz zierten, nun an die staatlichen Museen Russlands verloren gehen. Einer schlug mir vor, Elizabeth habe aus ihrem Haus in Nottinghamshire die berühmte Peacock Clock, die Hauptausstellung der Hermitage, mit ihren automatisierten Vögeln und Waldtieren mitgenommen. Museumsexperten bestehen nun darauf, dass Elizabeth lediglich Catherines Ehemann und Mitherrscher Prinz Potemkin ihrem Freund und Vertrauten, dem Designer der Uhr, James Cox, vorstellte. ('Das würden sie doch sagen, nicht wahr?', sagte ein zynischer Pierrepont.) Einige Bilder (eines von Claude Lorrain, das sie einem Admiral, Graf Ivan Chernyshev, vorausgeschickt hatte, um die Vorstellung der skandalösesten Frau Europas zu erleichtern) mächtigsten anderen von Pierre Mignard), silberne Vasen, der Weinkühler und eine Orgel, die sie nach Russland brachte, waren noch da, als sie unerwartet starb. Nichts hat jemals das Land verlassen, egal was sie in ihrem Testament schrieb.

Die Schätze der Herzogin in der Eremitage haben zwei Weltkriege, die Belagerung Leningrads, Jahrzehnte des Kommunismus und eine Zeit des Exils im gefrorenen Ural überlebt. Sie wurden mir unter der Schirmherrschaft des fast 30-jährigen Museumsdirektors, Dr. Mikhail Piotrovsky, eröffnet, den ich in seinem Büro mit Blick auf die Newa traf – selbst ein Museumsstück mit verblassenden blaugrünen Wandteppichen an den Wänden und Bücherstapeln auf Mahagoni sitzend mit tiefer Patina. Es war das Büro seines Vaters, als er im Museum aufgewachsen war.

Ein Brief, der kurz vor dem Prozess im Namen von Elizabeth an den Herzog von Portland geschrieben wurde, aus Angst vor einem Gerücht, sie sollte in den Tower of London geschickt werden

Es ist vielleicht überraschend, dass die Schätze in St. Petersburg die am besten erhaltenen Teile des Erbes der Herzogin sind. Die meisten der mit ihr in England verbundenen Gebäude wurden entweder abgerissen oder bestehen nur noch als Hotels. Aber genauso wie ich alles von ihr und über sie geschriebene lesen wollte, wollte ich überall hingehen, wo sie gelebt hatte. Ich begann, wie sie, im Royal Hospital in Chelsea, wo ein freundlicher Rentner mit rotem Kittel, dreispitzig, David Lyall, mir Wrens makelloses Krankenhaus in die getäfelte Wohnung führte, in der sie ihre Kindheit verbrachte. Ich konnte mir Elizabeth gut vorstellen, wie sie auf den Rasenflächen spielte, die dann direkt zum Fluss führten, ohne dass die Straße entlang der Böschung führte. (Der Fluss selbst war die Autobahn – man konnte überall ein Boot nehmen.) Der Name ihres Vaters war in Gold an die Wand der Großen Halle gemalt und unter dem Moos auf seinem Grabstein auf dem Friedhof eingraviert.


7 seltsame und wundervolle georgische Schönheitsbehandlungen

Schönheit ist im 21. Jahrhundert ein großes Geschäft: Täglich werden Tausende von Kolumnen darauf verwendet, die neuesten Beauty-Trends von einfach bis absurd zu diskutieren. Aber wie die historische Schriftstellerin Catherine Curzon offenbart, könnten die Schönheitsregime der georgischen Ära selbst die bizarrsten modernen Modeerscheinungen in den Schatten stellen

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Veröffentlicht: 28. April 2016 um 9:04 Uhr

Von porzellanweißer Haut bis hin zu riesigen Haaren legten die Georgier großen Wert auf ihr Aussehen. Tatsächlich wurde die Verlockung eines hübschen Gesichtes in Make-up in der georgischen Zeit so stark und galt als so unwiderstehlich, dass das Parlament (anscheinend) erwog, ein Gesetz zu verabschieden, das Männer davor schützt, von bemalten Damen mit Motiven auf ihrer Handtasche getäuscht zu werden:

„Ein Gesetz zum Schutz der Männer davor, durch falschen Schmuck zur Ehe verführt zu werden. Alle Frauen, gleich welchen Ranges, Alters, Berufes oder Grades, ob Jungfrauen, Mägde oder Witwen, die ab und nach einer solchen Handlung irgendeinen Untertanen Seiner Majestät durch die Düfte, Farben, kosmetische Waschungen, künstliche Zähne, falsches Haar, spanische Wolle, Eisenstreben, Reifen, hochhackige Schuhe und gepolsterte Hüften, mit den geltenden Gesetzen gegen Hexerei und ähnliche Vergehen bestraft werden und dass die Ehe nach Verurteilung nichtig ist und leer."

Diese Änderung des Hexereigesetzes, die 1770 wahrscheinlich eher als ein ironischer Schlag auf die Mode als als ein ernstes Gesetz vorgeschlagen wurde, wurde nie verabschiedet und schaffte es auch nicht in die Debattenkammer.

Trotzdem gab es im georgischen Großbritannien reichlich Schönheitsbehandlungen. Hier betrachten wir sieben der seltsamsten und wunderbarsten…

Weiß, weiß, weiß!

Unsere Besessenheit, die perfekte sonnengeküsste Bräune zu bekommen, hätte die Georgier völlig verwirrt. Im 18. Jahrhundert war Sonnenbräune ein sicheres Zeichen dafür, dass man im Freien arbeitete, während die höfliche, wohlhabende Klasse drinnen und vor der Sonne blieb. Die einfachste und vielleicht berühmteste georgische Mode war porzellanweiße Haut, sowohl für Männer als auch für Frauen.

Neben Pferdemist und Essig war Blei der Hauptbestandteil von hautaufhellenden Cremes und Pudern. Großzügig auf Gesicht und Hals aufgetragen, trugen diese Cremes und Puder dazu bei, den so wichtigen Look zu erzielen, der noch nie draußen war. Die Weißheit wurde durch blaue Färbung zur Hervorhebung der Adern betont, während Lippen und Wangen noch mehr Blei getönt wurden – diesmal mit Karmin [einem leuchtend roten Pigment, das aus dem Aluminiumsalz der Karminsäure gewonnen wird] oder sogar mit Mischungen, die hochgiftiges Quecksilber enthalten .

Mit der weit verbreiteten Verwendung von Blei war es kaum verwunderlich, dass modische Typen ernsthafte Reaktionen auf ihr Make-up erlitten. Von Augenerkrankungen über Verdauungsprobleme bis hin zum Tod, der Preis für die Modeerscheinung blanc war hoch.

Der von georgischen Fashionistas so beliebte Hautton aus Porzellan war auch finanziell nicht einfach zu erreichen. Tödlich oder nicht, Hautcremes waren eine teure Ergänzung für die Kosmetiktasche einer Dame und für diejenigen, die Schönheit mit kleinem Budget suchen, waren die Möglichkeiten begrenzt: Für Haare und Gesicht musste ein leichtes Bestäuben von Weizenmehl möglicherweise ausreichen.

Die Sprache der Patches

Auch bekannt als mausert, Schönheitsflecken waren kleine Ausschnitte aus schwarzem Samt, Seide oder Satin, die auf das Gesicht geklebt wurden, um Hautunreinheiten, einschließlich Pockennarben und Schäden durch Bleiweiß, oder einfach nur als Dekoration abzudecken. Oft in sehr dekorativen Behältern aufbewahrt, erfreuten sich diese Aufnäher jahrelanger Beliebtheit.

So wie Fächer verwendet werden konnten, um eine geheime Botschaft zu übermitteln, wurde die Position dieser Hautflecken schließlich mit codierten Bedeutungen in Verbindung gebracht. Wenn man zum Beispiel politische Loyalität zeigen wollte, bezeichnete ein Aufnäher auf der rechten Seite des Gesichts einen Tory, während ein Whig einen Aufnäher auf der linken Seite trug. Intimer kann ein Fleck im Augenwinkel eine Einladung an einen angehenden Geliebten sein.

Im Gegensatz zu Gesichtscremes waren Pflaster nicht nur den Reichen vorbehalten. Wenn Sie sich fein geformte Seide und Samt nicht leisten könnten, würde ein wenig abgeschnittene Mäusehaut genauso gut tun.

Patches erscheinen in vielen georgischen Kunstwerken, vielleicht am bekanntesten in William Hogarths Der Fortschritt einer Hure, eine Serie von Gemälden und Stichen, in denen das Gesicht der Heldin Moll Hackabout – einst frisch und hübsch – immer mehr Flecken annimmt, bis sie der hageren Bordell-Madame ähnelt, die sie in das Londoner Bordellleben eingeführt hat. Für Moll deckten die Pflaster zweifellos die verräterischen Anzeichen von Krankheiten wie Syphilis ab – eine Welt abseits der modischen Ballsäle Frankreichs, in denen ein Pflaster Flirt, Verführung und Intrigen bedeuten könnte.

Riesige Haare

Das populäre Bild des späten 18. Jahrhunderts ist eines, in dem riesige und extravagante Perücken prekär über den Köpfen modischer Damen schwankten, aber das stimmt nicht wirklich. Es gab viel wippendes Haar, aber es war oft echt, mit Perücken, die im Allgemeinen nur von Männern des 18. Jahrhunderts getragen wurden.

Damen und Herren erreichten ihre modische blasse Haarfarbe durch Auftragen von Haarpuder, das aus Mehl oder Stärke hergestellt und mit einem Blasebalg auf den Kopf gepufft wurde. Für diesen typisch georgischen „großhaarigen“ Look beschäftigten die Reichen eine Armee von Stylisten, die aufwendige Strukturen auf ihren Köpfen um Holzrahmen bauten, die mit zusätzlichen Abschnitten oft aus Rosshaar gepolstert waren.

Auch Lockenzangen wurden entwickelt: Diese ähnelten einer stumpfen Schere mit zwei Metallzinken und Holzgriffen. Wenn die Zinken im Feuer erhitzt wurden, konnten die Haare dann um sie gewickelt und festgehalten werden, bis die Locken fest geworden waren. Alternativ wurden Tonrollen in einem Ofen erhitzt und dann auf das Haar oder die Perücke aufgetragen.

Köpfe wurden oft mit Wachsfrüchten und anderen Dekorationen wie Blumen oder sogar Segelschiffmodellen geschmückt, und die aufwendigsten Frisuren blieben tage- oder wochenlang an Ort und Stelle.

In diesen monumentalen Kopfbedeckungen erwarben unsere modischen Herren und Damen gelegentlich Läuse, aber auch darauf hatten die Georgier eine Antwort: Es wurden speziell entworfene Stäbchen verkauft, die zwischen die Haarschichten geschoben und zum Kratzen der Läusebisse verwendet werden konnten und gleichzeitig dafür sorgten, dass ihre modische Frisuren blieben perfekt.

Wenn die Läuse wirklich jucken, gab es immer die Möglichkeit, sie mit Quecksilber zu behandeln, aber da dies bekanntermaßen zu Wahnsinn oder zum Tod führen kann, war ein Kratzstock normalerweise die bevorzugte Option.

Maus-Brauen

Da Blei routinemäßig großzügig im Gesicht aufgetragen wird, ist es kaum verwunderlich, dass die Augenbrauen oft ausgefallen sind. Georgische Fashionistas verfolgten daher einen neuen Ansatz und begannen, die verbliebenen Augenbrauenhaare auszuzupfen oder zu rasieren, bevor sie eine neue Braue aufmalten oder mit Blei oder gebranntem Kork einfärbten.

Als schwarze Brauen zu einem beliebten Look wurden, tauchten gelegentlich Erwähnungen einer ziemlich seltsamen neuen Mode auf: 1718 schrieb der berühmte Dichter Matthew Prior ein satirisches Gedicht über Helen und Jane, die Augenbrauen aus Mäusehaut tragen. Beweise für Mäusehautbrauen sind spärlich, aber sie werden im gesamten frühen 18. Jahrhundert in Satire erwähnt.

Polster an den richtigen Stellen

Viele Prominentenkarrieren des 21. Doch das ist nichts Neues: Modische georgische Männer waren mit ein bisschen strategischer Polsterung nicht fremd.

Hautenge Reithosen, die die wohlgeformten Beine ihrer Trägerin zur Geltung bringen sollen, waren in aller Munde – aber was wäre, wenn nicht? verfügen über wohlgeformte Beine? Für diejenigen, die zu dünn waren, um das Kleidungsstück zu füllen, war Polsterung die natürliche Antwort. So wie ein moderner wattierter BH den Busen betont, könnten auch Polster aus Stoff oder Rosshaar in Reithosen eingesetzt werden, die den Eindruck muskulöser Waden erwecken. Diese Pads können auch überall dort eingesetzt werden, wo der männliche Träger einen Schub haben möchte!

Diese Pads waren das Reservat der modebewusstesten Männer aus Georgia und Regency. Sie fanden Popularität unter den hochmodischen, extravaganten Burschen, die als Dandys bekannt sind und Miederwaren und Binden trugen, um die perfekte männliche Form zu schaffen.

Ein strahlendes Lächeln

Da sich die Oberschicht mit allen möglichen süßen Leckereien verwöhnt, ist es kaum verwunderlich, dass die Zähne unserer georgischen Schönheiten alles andere als perfekt waren. Zahnpulver (auch als Zahnpasta bekannt) wurden daher zum Aufhellen der Zähne verwendet: Zu ihren Inhaltsstoffen gehörten Tintenfisch und Natronbikarbonat oft die geheimnisvoll benannte Geist des Vitriols. Heute besser bekannt als Schwefelsäure, hat dieses Mineral (von dem wir heute wissen, dass es stark ätzend ist) die Zähne sicherlich aufgehellt, aber vor allem, weil es ihnen den Zahnschmelz vollständig entfernt hat.

Es überrascht nicht, dass viele Georgier eine Zahnoperation benötigten, und ohne Betäubung waren solche Eingriffe eine hautkriechende Angelegenheit. Nachdem der störende Zahn entfernt wurde, konnten sich die reichsten Patienten dafür entscheiden, einen lebenden Ersatzzahn von einem Spender zu kaufen und direkt in die Pfanne einzuführen. Einige dieser lebenden Zähne stammten tatsächlich aus dem Mund von Leichen und brachten alle Krankheiten und Infektionen mit sich, denen ihr ursprünglicher Besitzer ausgesetzt war.

Wenn ein teurer lebender Zahn Ihre Möglichkeiten überstieg und eine Lücke einfach nicht ausreichte, gab es Alternativen: Vom Einzelzahn bis zum kompletten Zahnersatz konnte alles aus Materialien wie Porzellan, Elfenbein oder sogar den Zähnen von hergestellt werden Soldaten, die in der Schlacht von Waterloo gefallen sind. Bekannt als „Waterloo-Zähne“, wurden diese aus dem Mund toter Soldaten gesammelt und waren sehr begehrt. Schließlich wusste ein Kunde, dass ein Waterloo-Zahn nicht von einem an einer Krankheit gestorbenen Mann oder einer von Grabräubern ausgegrabenen Leiche stammt, sondern von einem jungen und (hoffentlich) gesunden Soldaten, der ehrenhaft auf dem Schlachtfeld gestorben ist.

Eine Gesichtspackung

Weniger bekannt als weiße georgische Gesichter und riesige Haare ist „Fard“, eine Regentschafts-Gesichtsmaske, die verwendet wird, um Sonnenbrand und „Hautausschläge“ [Flecken] zu lindern.

Fard war eine Mischung aus süßem Mandelöl, Walrat [eine wachsartige Substanz, die im Kopf eines Pottwals gefunden wird] und Honig, die über Hitze aufgelöst und nach dem Abkühlen auf das Gesicht aufgetragen und über Nacht einwirken gelassen wurde. Das Rezept, das 1811 erstmals veröffentlicht wurde, wurde Jahrzehnte später nachgedruckt und, wie man annimmt, verwendet.

Catherine Curzon ist die Autorin von Leben am georgischen Hof, das am 30. Juni 2016 von Pen and Sword Books veröffentlicht werden soll. Curzon betreibt auch eine Themen-Website aus dem 18. Jahrhundert namens Ein Leitfaden für das Leben von Covent Garden Gilflurt.


Geschichte der Ehe- und Verlobungsringe aus der georgianischen Ära

Die georgische Ära reicht von 1714-1837 und umfasst die Zeit der britischen Herrschaft unter König George I. bis König George IV. Da es sich über einen Zeitraum von über einem Jahrzehnt erstreckt, ist es nicht plausibel, jeden Trend und jeden historischen Aspekt dieser Ära zu behandeln, aber für den Zweck dieses Artikels werden wir uns mit den beliebtesten Stilen und dem Hochzeitsschmuck befassen – wir' Ich werde sogar einige lustige Fakten zur Hochzeit aus der georgischen Ära für Ihr Lesevergnügen einbringen!

Der Schmuck der georgischen Ära war arbeitsintensive Handarbeit – anders als heute, wo moderne Technologie Hunderte von identischen Stücken hervorbringt, war der Schmuck, den Sie in der georgischen Ära bekamen, wirklich einzigartig. Während 22 Karat und 18 Karat Gold während der georgischen Ära zwei der beliebtesten Metalle waren, war auch Pinchbeck beliebt, ein Messing, das aus einer Mischung aus Kupfer und Zink besteht und eine äußerst passable Nachahmung für Gold ist.

Während der georgischen Ära spendeten viele Deutsche ihr geliebtes Gold, um ihr Militär aufzubauen und zu stärken – im Gegenzug erhielten sie Gusseisen. Dieser Kompromiss führte zu einem patriotischen Anstieg der Popularität von Gusseisenschmuck. In Bezug auf Steine ​​waren Diamanten der begehrteste Stein der georgischen Ära, auch weil sie relativ unerreichbar waren. Trotz der hohen Nachfrage nach Diamanten waren auch Edelsteine ​​äußerst beliebt und wurden häufig verwendet.

Während der georgischen Ära war die beliebteste Steinfassung die Montage. Eine montierte Fassung verbirgt die gesamte Unterseite eines Steins und verhindert, wie Sie sich vorstellen können, viel Licht durch den Stein und verringert seine Brillanz. Die Lösung für diesen unglücklichen Nebeneffekt der Halterung bestand damals darin, Aluminium in die Halterung unter den Stein zu legen, in der Hoffnung, dass das durchtretende Licht das Aluminium reflektiert und die Brillanz und den Glanz erzeugt, die wir uns immer noch wünschen heute.

Aufgrund einer Fassung, die zu weniger als idealer Brillanz und Glanz führte, nutzten die Schliffe der georgischen Ära die Form eines Steins, um seine Brillanz zu maximieren. Ein beliebter Schnitt der georgischen Ära ist der Rosenschnitt, ein Schnitt, der noch heute beliebt ist. Ein weiterer beliebter Schnitt der georgischen Ära ist der Old Mine Cut – ein seltener Schnitt, der kunstvolle Details erfordert und nach seiner Popularität in populärere Schnitte der Zeit umgeschnitten wurde.

In Jane Austens Sinn und Sensibilität, einer der männlichen Charaktere trägt einen Ring mit einem geflochtenen Haarzopf. Auch wenn dies heute ein wenig bizarr klingen mag, waren Gesten wie diese in der georgischen Ära üblich, wenn nicht sogar völlig normal. Haar in Ringen ist wahrscheinlich der seltsamste Trend, der mit der georgischen Ära verbunden ist, andere Trends sind solche, die Zeit und Erinnerungen bewahren, ein wichtiger Aspekt dieser Ära. Aus diesem Bedürfnis heraus entstanden zwei Schmuckstücke, die beide noch heute beliebt sind – das erste ist der Trauerring, das zweite das Medaillon.

Der Trauer- oder Gedenkring war eine Möglichkeit, den Verstorbenen zu gedenken. Dieser Ring enthielt traditionell einen kleinen Stein und eine Inschrift mit Informationen über den Verstorbenen wie Geburtstag, Sterbedatum oder Name. Aufwändigere Trauerringe enthielten eingravierte Porträts der Verstorbenen. Das Medaillon konnte auch Zeit sparen, indem es Bilder, Notizen oder kleine Gegenstände hielt. Das Medaillon, wie wir es kennen, kommt in Form einer Halskette, aber in der georgischen Zeit waren Medaillonringe sehr beliebt.

Obwohl sie sich weniger auf die Erhaltung der Zeit konzentrierten, wurden die Posey-Ringe auch während der georgischen Ära zu einem begehrten Schmuckstil. Der Posey-Ring war ein zartes Goldband, in das ein seinem Zweck angemessener Spruch eingraviert war. Posey-Ringe wurden während der georgischen Ära zu einem sehr begehrten Ring für Verlobungen.

Abgesehen vom Posey-Ring konzentrierten sich beliebte Verlobungs- und Eheringe stark auf die Natur. Die Designs dieser Ringe, sei es durch Inschrift oder Steinplatzierung, spielten oft auf Schmetterlinge, Blumen, Tauben und andere empfindliche Bestandteile der Natur an.

Die allgemeine Verwendung von Verlobungsringen war während der georgischen Ära nicht sehr beliebt – aber wenn es sich der Bräutigam leisten konnte, wurde es als Symbol für die Liebe des zukünftigen Bräutigams für seine zukünftige Frau geschenkt. Dieser Ring wurde wie heute am vierten Finger der linken Hand getragen.

Während der Diskussion über Hochzeiten sah die georgische Ära einen Anstieg der Hochzeitsgesetze. Wenn Sie sich für diese Gesetze als Ganzes interessieren, finden Sie sie im Heiratsgesetz von 1753, auch bekannt als “An Act for the Better Preventing of Clandestine Marriage”.

Teilweise regelte der Marriage Act von 1973 das Alter der ehelichen Zustimmung – eine Person muss 21 Jahre alt sein oder die Zustimmung der Eltern haben, um zu heiraten. Das Gesetz regelte auch, wann und wo ein Paar heiraten darf – die Trauung würde vor Mittag in der Wohngemeinde als Ehepaar stattfinden. Schließlich regelte das Heiratsgesetz die Verlobungsdauer auf mindestens vier Wochen – dies führte dazu, dass Paare durchbrennen und somit die Popularität des Verlobungsrings verringert wurde.

Schmuck aus der georgischen Ära ist heute schwer zu bekommen – das liegt daran, dass die meisten Juweliere extra einschmelzen oder Stücke verwenden, um neue zu kreieren, die den Trends folgen. Aufgrund der Seltenheit von Schmuck aus dieser Zeit ist authentischer Schmuck aus der georgischen Ära heute extrem teuer und wird für 3.000 bis 4.000 Dollar für etwas so Einfaches wie ein Goldband verkauft.


Das erste, was Sie verstehen müssen, ist, dass es subtile Unterschiede zwischen dem Stil der georgianischen und der Regency-Möbel gibt….

Das erste, wonach Sie suchen müssen, ist, welches Holz verwendet wurde. Georgische Stücke werden wahrscheinlich Eiche und Mahagoni verwenden. Mahagoni ist charakteristischerweise ein Hartholz mit dunkler rotbrauner Farbe, das mit der Zeit nachdunkelt und zu einem rötlichen Glanz poliert. Eiche ist wiederum für ihre Härte bekannt, sie kann auch sehr ansprechende Maserungen aufweisen und kommt sowohl in roten als auch in weißen Sorten vor. Roteiche, manchmal auch als schwarze Eiche bezeichnet, hat einen rosa Farbton und ist die beliebtere der beiden. Weißeiche hat einen leicht grünlichen Farbton.

Die wichtigsten georgischen Möbelstücke in Unterhaltungsbereichen wären Sideboards, Konsolentische mit Marmorplatten, Kneehole-Schreibtische, Getränkeschränke, Kartentische und in Bücherregalen eingebaute Glasfronten. In den Schlafzimmern und Ankleidezimmern Chaiselongues, hölzerne Himmelbetten und Waschtische.

Schlagzeugtisch mit Lederauflage im georgianischen Stil

Wichtige Designer der georgischen Zeit sind vor allem Hepplewhite und Chippendale.

Hepplewhite-Stil

Sofa im Hepplewhite-Stil mit quadratischen, sich verjüngenden Beinen

Sofa im Hepplewhite-Stil, beachten Sie das geometrische Stoffmuster und den geraderen Beinstil, die in allen 3 Teilen zu sehen sind

Ein Merkmal, das in vielen Hepplewhite-Designs zu sehen ist, ist eine schildförmige Stuhllehne.

ein typischer Stuhl mit Shield-Rückenlehne

Hepplewhite-Stücke haben normalerweise gerade Beine, die quadratisch oder verjüngt sein können und oft geriffelte oder geriffelte Kanten haben, in Anlehnung an klassische Säulen.

Einige Beispiele für Beine im Hepplewhite-Stil, die sich alle zum Fuß hin verjüngen (schmaler werden)

Hepplewhite-Füße haben normalerweise einen sich verjüngenden Pfeilfuß oder einen Spatenfuß.

Auf Truhen, Bücherregalen und Schreibtischen waren Klammerfüße üblich, da sie schwerer waren. Stücke im Hepplewhite-Stil haben einfache geometrische Formen, normalerweise geschwungen oder kreisförmig.

Chippendale-Stil

The designs of Thomas Chippendale cover a wide range of styles, from Rococo to Gothic, neoclassic and oriental style. Chippendale covered such a wide variety of items and styles and set the bar for furniture makers to come, so there are a lot of pieces in Chippendale style. Chippendale style furniture can be a little harder to spot, so I will point out a few of the easiest things to look for.

There are six different basic Chippendale style legs. These are the lion’s paw, the ball and claw, and the club, based on the cabriole shape which is an elegant, serpentine style ending in a distinctive foot.

The remaining leg styles are straight with the Marlborough being a plain, square leg the spade a tapered round leg often with a square or trapezoid foot and the late Chippendale having a square leg with a square foot.

A pair of Chippendale dining chairs, with intricate carving and claw and ball feet

The claw and ball feet seen again here on this mahogany desk with carved skirting

A Chippendale style chest, with shell pattern carving seen often in this period. This chest has the bracket foot used on heavier pieces.

As these items are now antiques, their price can really vary depending on the maker, the condition of the piece, the pieces history of ownership, where you are, and your bargaining skills! However, it is worth adding that presently its possible to pick up pieces at a comparatively low cost. In essence they aren’t seen as being particularly ‘fashionable’ at the moment so at salvage companies like Lassco at Brunswick House you can buy a beautiful 18th Century Mahogany table for less than you might spend on a modern mass-produced one.

There’s also the option of buying reproduction pieces instead of original Georgian furniture. There are a number of companies who produce expertly crafted pieces, akin to the originals, but you get them in perfect condition. They’ll then last you and your family for many decades to come.

Bringing a classic piece up to date

I think it’s really worth investing in a classic piece and bringing it up to date with the use of modern fabrics. There is no denying that antique pieces were made in stronger woods and with more care to detail, so by adding a contemporary fabric you will have a great classically inspired piece that still works in a modern setting and will be totally unique to you.

A classic piece reupholstered in a contemporary fabric

I recommend going to a professional re-upholstering company that specialize in the re-upholstery of antiques, as they will give a great finish and even repair parts of your product to reinforce it and make it last much longer. Etons of Bath can help point you in the right direction.

If that’s a little out of your price range, I have found this great tutorial on how to do a DIY fabric upholstery on an antique chair.

I hope this blog has helped you to understand a little more on some typical Georgian furniture pieces. They are beautifully and expertly made and can compliment any home setting, and personally I find them a lot more interesting than cheap, mass produced goods of today. To see how I have used classic Georgian furniture pieces in homes in Bath and Bristol, have a look at our portfolio


Seventeenth-Century Rings

Toward the end of the sixteenth century and the beginning of the seventeenth century, a marked change in jewelry and ring styles took place. Just as the Renaissance period was highlighted by ornate gold settings this era was distinguished by a growing emphasis on the gemstone. Refinements in cutting and foiling techniques resulted in a greater diversity of shapes and an emphasis on displaying the beauty of the gems themselves. Enamel is now typically used only as an accent in either white or black and, while gold is still used for colored gemstones, diamonds are set off in silver. Large stones are now worn and set as solitaires while arrangements of smaller stones are set in a myriad of shapes including stars, rosettes, and cruciforms. Details on the shoulders are kept subdued and most often as an engraved foliate motif simply enhanced by black and white enamel.

The prevalence of death was an inescapable part of everyday life in the 1700s. Continued plagues, widespread poverty, famine, and war – all these Malthusian factors served to keep death a common presence and the wearing of memento mori rings popular. A variety of ring styles were used with memento mori themes including signets, wedding rings with a skull between two hands, and locket rings featuring skulls and crossbones. As with other rings, gemstones if affordable, added an element of less austere ornamentation.

By the second half of the seventeenth century, memento mori imagery began to merge with the mourning ring. Distributed according to wills, seventeenth-century mourning rings were inscribed with details such as the individual’s name, initials, coat of arms and date of death. A plain gold band or band of gold enameled all the way around in emblems of death and burial, with an inner inscription were characteristic. Locks of hair were sometimes contained in locket bezels or in hollow hoops. The increasing popularity of bequeathing mourning rings is generally attributed to the execution of the English King Charles I in 1649. Supporters of the monarchy wore jewelry, most often rings, made of a flat topped quartz crystal which covered a gold wire cipher or crown set upon a background of plaited hair. This style known as Stuart Crystals would continue to be popular into the 18th century.

Memento Mori Ring, 17th Century. Skeleton Holding an Hourglass Surmounted on Braided Hair.
Schmuckmuseum Pforzheim, Germany.


England

About 1720, mahogany was imported into England and slowly superseded walnut as the fashionable wood for furniture. The Palladian (after the Italian Renaissance architect Andrea Palladio) interiors demanded furniture more striking and larger in scale than the walnut-veneered pieces of the early 18th century. Inspired by the interiors of French and Italian palaces, architects such as William Kent began to design furniture. The design was Classical, in keeping with the traditions of Palladio and the English architect Inigo Jones the ornament was Baroque. At Holkham Hall in Norfolk, Rousham Hall in Oxfordshire, and elsewhere, Kent’s furniture may be seen in its proper environment: gilt mirrors and side tables with sets of chairs and settees covered with patterned velvets matching the grandeur of elaborate architectural Palladian interior decoration.

Despite the resistance of the Palladian Classicists who deplored its asymmetrical principles, in the 1740s the Rococo style crept into English decoration and furniture design. During this decade pattern books of ornament in the full Rococo style by Matthias Lock and Henry Copland were published in London and in 1754 Thomas Chippendale published his Gentleman and Cabinet Maker’s Director, which provided patterns for a wide range of English furniture in the Rococo style and its Chinese and Gothic offshoots. During the following years several similar works were published by such craftsmen and designers as William Ince and Thomas Mayhew, Thomas Johnson, and Robert Manwaring. The Rococo style was firmly established in England throughout the 1750s and into the 1760s. Chippendale and other cabinetmakers borrowed not only ornament from the French rocaille but designs for individual types. Chippendale’s fame rests largely on his publication, though in fact it has now been more or less conclusively proved that he himself was not responsible for the designs, but employed two other designers, Lock and Copland. There were several cabinetmakers—for example, William Vile and John Cobb—whose only memorial is a small quantity of furniture attributable to them. Though it has become the practice to speak of a Chippendale chair or a Vile commode, this does not imply that the pieces were actually made by these craftsmen but that they were made in their workshops.

By mid-18th century every act of the day that necessitated the use of furniture was catered to by some specialized piece, while the basic furniture such as chairs, cupboards, beds, and tables were designed and decorated in innumerable forms. The number of variants on the Rococo chair splat runs into several hundreds. The ingenuity of the cabinetmaker and carver knew few limitations.

An offshoot of the Rococo style, the Gothic taste was particularly well developed in England. Starting early in the century as a literary device, in the 1740s it began to take more solid shape in architecture, interior decoration, and furniture. As with furniture in the Chinese taste, Gothic furniture bore no relation to its medieval equivalents the ornaments, such as tracery and cusped (a point formed by the intersection of two arcs or foils) arches, applied to furniture were borrowed from Gothic architecture. The Gothic taste was much publicized by the writer Horace Walpole’s celebrated villa, Strawberry Hill, in Middlesex, England. Chippendale included designs for furniture in the Gothic taste in all three editions of his Director.


HOME DESIGN A HOUSE IN THE GEORGIAN MODE

If David Anthony Easton has anything to say about the future of American architecture, a third category will vie with modernism and postmodernism - a classification that might be dubbed premodernism. Its most salient characteristic: the absence of any trace of having been created in the 20th century. The Illinois house shown here and on the following pages is just one of several ambitious ''period'' houses that have been designed since 1976 by David Easton's New York firm. Although he has architects on his staff, Easton is an interior designer. He brings to his houses a concern for surface and an unabashed affection for history that make them differ materially from work done by architects - even those few who claim to be traditionalists.

Despite the occasional postmodernist ''reference'' that swerves perilously close to out-and-out imitation, architects generally have serious qualms about indulging in historic reproduction. Decorators, on the other hand, tend to be less inclined to see themselves as standard-bearers for the age in which they work. Many, in fact, seem drawn to their profession because it permits them to immerse themselves in design from the past. Easton taught design history at Parsons School of Design for five years. He believes that familiarity with the past enriches all of design - modern and traditional.

In addition to a fondness for history, Easton brings to his houses a distinctly decorative sensibility. Although conceived in ''one take,'' the Illinois house was intentionally made to look as if it had been added to at various points in history. A rambling quality was achieved by contriving an '𧫝ition,'' the west wing, that appears to have been added to the ''original'' structure, a pure 18th-century-style Georgian square. The addition, while essentially Georgian, takes license. The greenhouse portion, for example, 'ɼould only have happened in the early 19th century,'' according to Easton. ''I didn't want to create a house that was stiff and museumlike. Williamsburg is a bore.'' o combat stiffness, Easton indulged in a touch of eclecticism -a familiar decorator's trick. So is the use of mottled materials -the exterior is made of uncleaned brick and pocked Texas shellstone - to achieve an appearance of age. Indoors the attention to surface is unabated: Woodwork is painted and then glazed to look less bright, engraved rimlock plates are ground down to ap-proximate the effects of centuries of polishing, and floors are scraped with lye and steel brushes before finishing to relieve any offending sense of being too new. ''We wanted everything to look as if a bit of dust had gathered,'' Easton explains.

Another decorator's attribute that Easton brings to such jobs is the romantic's aptitude for assimilating the intricacies of domesticity on a grand scale. ''It's not just a matter of understanding that the owners and their guests want to be able to push their breakfast trays into the corridor without being observed,'' Easton says. ''There is also the complex hierarchy among the staff. Chefs, butlers, housekeepers and secretaries each have their own empires. The design of the house must accommodate them.''

Easton and his staff worked on the Illinois house for nearly four years, researching, designing and collecting. ''It opened up a whole new world for me,'' says Boris Baranovich, an architect who joined Easton to work on this house. ''I had been schooled in comtemporary architecture, so I had to struggle with myself in the beginning to justify what I was doing.'' Unlike much traditional design, this house manages to be neither timid nor trendy. While Easton assiduously avoided the sort of chic styling that tends to date period rooms, he was equally careful to steer clear of the sort of neutral detailing that could pass for virtually any period. He and his staff designed a Georgian house as if they were Georgian architects: sticking strictly to the vocabulary of the period, they ''invented'' with bravura. aturally, there were compromises. Authentic Georgian architecture has loadbearing masonry walls. The masonry walls in this house bear no loads indeed, they are veneer - just for show. Consequently, the wood-andsteel frame walls had to be constructed in pairs to achieve an appearance of masonrylike thickness at windows and door openings. Then air-conditioning and heating ducts, telephones, even electical outlets had to be inobtrusively woven in. And finally, the separation of the front and back of the house, which was absolute in the 18th century, had to be modified to meet this modern family's needs. Since the owners do some of their own cooking, the kitchen was given more than the strictly utilitarian treatment customary to kitchens that are used only by staff the family's breakfast room was designed to flow directly into the kitchen in the modern mode.

Even so, the house is an anachronism, placing special pressures on those who live in it. Majestic entries were not designed to be dashed through, nor grand staircases to be skipped down. Killing time gracefully is Georgian architecture's sine qua non. The intention is to elevate to ritual such mundanities as walking from one room to the next. In the Georgian house of the 18th century, a processional arrangement of rooms through which one traveled with stately bearing was a compensation for the tedium of passing day after day, year after year, largely bound to the house. Today, such a house can seem inhibiting, its circulation patterns cumbersome. For better or worse, the very floor plan


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Eighteenth Century Ireland, Georgian Ireland

The 18th century tended to be neglected by Irish historians in the 20th century. Irish achievements in the 18th century were largely those of Protestants, so Catholics tended to disregard them. Catholic historians concentrated on the grievances of the Catholics and exaggerated them. The Penal Laws against Catholics were stressed regardless of the fact that most of them affected only a small number of rich Catholics, the Catholic landowners who had sufficient wealth to raise a regiment of infantry to fight for the Catholic Stuart pretenders. The practice of the Catholic religion was not made illegal. Catholic priests could live openly and have their own chapels and mass-houses. As was the law at the time, the ordinary workers, Catholic or Protestant, had no vote, and so were ignored by the political classes. Nor had they any ambitions in the direction of taking control of the state. If they had local grievances, and in many places they had, especially with regard to rents and tithes, they dealt with them locally, and often brutally, but they were not trying to overthrow the Government. If some of them looked for a French invasion it was in the hope that the French would bring guns and powder to assist them in their local disputes. It is a peculiarity, as yet unexplained, that most of the Catholic working classes, by the end of the century, had names that reflected their ancestry as minor local chiefs. The question remains where did the descendants of the former workers, the villeins and betaghs go? The answer seems to be that in times of war and famine the members of even the smallest chiefly family stood a better chance of surviving. This would explain the long-standing grievance of the Catholic peasants that they were unjustly deprived of their land. We will perhaps never know the answer to this question. Penal Laws against religious minorities were the norm in Europe. The religion of the state was decided by the king according to the adage cuius regio eius religio (each king decides the state religion for his own kingdom). At the end of the 17th century, the Catholic landowners fought hard for the Catholic James II. But in the 18th century they lost interest and preferred to come to terms with the actually reigning monarch, and became Protestants to retain their lands and influence. Unlike in Scotland, support for the Catholic Stuarts remained minimal. Nor was there any attempt to establish in independent kingdom or republic. When such an attempt was made at the very end of the century it was led by Protestant gentlemen in imitation of their American cousins. Ireland in the 18th century was not ruled by a foreign elite like the British raj in India. It was an aristocratic society, like all the other European societies at the time. Some of these were descendants of Gaelic chiefs some were descendants of those who had received grants of confiscated land some were descendants of the moneylenders who had lent money to improvident Gaelic chiefs. Together these formed the ruling aristocracy who controlled Parliament and made the Irish laws, controlled the army, the judiciary and the executive. Access to this elite was open to any gentleman who was willing to take the oath of allegiance and conform to the state church, the Established Church but not the nonconformists. British kings did not occupy Ireland and impose foreign rule. Ireland had her own Government and elected Parliament. By a decree of King John in the 12th century, the Lordship of Ireland was annexed to the person of the king of England. When not present in Ireland in person, and he rarely was, his powers were exercised by a Lord Lieutenant to whom considerable executive power was given. He presided over the Irish Privy Council which drew up the legislation to be presented to the Irish Parliament. One restraint was imposed on the Irish Parliament. By Poynings’ Law it was not allowed to pass legislation that infringed on the rights of the king or his English Privy Council. The British Parliament had no interest in the internal affairs of Ireland. The Irish Council were free to devise their own legislation and they did so. The events in Irish republican fantasy are examined in detail. The was no major rebellion against alleged British rule. The vast majority of Catholics and Protestants rallied to the support of their lawful Government. The were local uprisings easily suppressed by the local militias and yeomanry. Atrocities were not all on one side. Ireland at last enjoyed a century of peace with no wasteful and destructive wars within its bounds. No longer were its crops burned, its buildings destroyed, its cattle driven off, its population reduced by fever and famine. Its trade was resumed and gradually wealth accumulated and was no longer dispersed on local wars. Gentlemen, as in England, could afford to build great country and town houses. The arts flourished as never before. Skilled masons could build great houses. Stone cutters could carve sculptures. The most delicate mouldings could be applied to ceilings. The theatre flourished. While some gentlemen led the life of wastrels, others devoted themselves to the promotion of agriculture and industry. Everywhere mines were dug to exploit minerals. Ireland had not the same richness of minerals as England, but every effort was made to find and exploit them. Roads were improved, canals dug, rivers deepened, and ports developed. Market towns spread all over Ireland which provided local farmers with outlets for their produce and increased the wealth of the landlords. This wealth was however very unevenly spread. The population was ever increasing and the poor remained miserably poor. In a bad year, hundreds of thousands of the very poor could perish through cold and famine. But the numbers of the very poor kept on growing. Only among the Presbyterians in Ulster was there emigration on any scale. Even before the American Revolution they found a great freedom and greater opportunities in the American colonies. Catholics, were born, lived and died in the same parish. Altogether it was a century of great achievement.


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