J. Paul Getty Museum

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Das J. Paul Getty Museum in Malibu, Kalifornien, liegt auf einem Hügel in den Santa Monica Mountains, direkt am San Diego Freeway. Er hielt die Kunst für einen aufklärerischen Einfluss; seine Perspektive führte zur Gründung des Museums. Das 1971 erbaute Getty Museum präsentiert Gettys Sammlung westlicher Kunst vom Mittelalter bis zur Gegenwart vor dem Hintergrund dramatischer Architektur, ruhiger Gärten und atemberaubender Ausblicke auf die Umgebung von Los Angeles – die Pazifischer Ozean, San Gabriel Mountains und das riesige Straßennetz der Stadt. Sein Ziel ist es, die Sammlung durch Präsentation und Interpretation der Bestände für Besucher attraktiv und aussagekräftig zu machen. Die Sammlungen umfassen europäische Gemälde, Zeichnungen, Manuskripte, Skulpturen und dekorative Kunst sowie europäische und amerikanische Fotografien. Das Museum begann seine Gemäldesammlungen in den 1930er Jahren unter der klugen Leitung von Getty selbst. Die umfangreiche Sammlung umfasst Gemälde der norditalienischen Renaissance, Barockmalerei aus Italien und Flandern, niederländische Werke des 17. Jahrhunderts sowie französische Werke des 18. und 19. Jahrhunderts von Paul Gauguin, Vincent Van Gogh und in jüngerer Zeit eine seltene Zeichnung von Michelangelo verleihen dem Museum eine gewisse Ehrfurcht.J. Paul Gettys Sammlungen europäischer Skulpturen umfassen glitzernde Stücke aus der italienischen Renaissance, der französischen und britischen Neoklassik. Das J. hat den Ruhm des Museums aufpoliert. Der Getty Museum Trust hat mit der Eröffnung des J. als Bildungszentrum und Museum ein weiteres kulturelles Wahrzeichen geschaffen , die Getty Villa widmet sich dem Studium der Künste und Kulturen des antiken Griechenlands und Roms. Die Konservierung ist eine grundlegende Aufgabe des J. Paul Getty Museums und ein wesentliches Element der Mission des Museums.


*Steingut mit opaker Zinnoxidglasur, meist hochdekoriert.


Getty Center

Die Getty Center, in Los Angeles, Kalifornien, ist ein Campus des Getty Museums und anderer Programme des Getty Trust. Das 1,3 Milliarden US-Dollar teure Center wurde am 16. Dezember 1997 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht [2] und ist bekannt für seine Architektur, Gärten und Aussicht auf Los Angeles. Das Zentrum befindet sich auf einem Hügel, der durch einen dreiteiligen, seilgezogenen Hovertrain-Laufzug mit einem Besucherparkhaus am Fuße des Hügels verbunden ist. [3]

Das Center befindet sich im Stadtteil Brentwood von Los Angeles und ist einer von zwei Standorten des J. Paul Getty Museums und zieht jährlich 1,8 Millionen Besucher an. (Der andere Ort ist die Getty Villa im Stadtteil Pacific Palisades in Los Angeles, Kalifornien.) Die Center-Filiale des Museums zeigt europäische Gemälde, Zeichnungen, illuminierte Manuskripte, Skulpturen, dekorative Kunst und Fotografien aus den 1830er Jahren aus der Zeit vor dem 20. Jahrhundert bis heute aus aller Welt. [4] [5] Darüber hinaus umfasst die Sammlung des Museums im Center Outdoor-Skulpturen, die auf Terrassen und in Gärten ausgestellt sind, und den großen Central Garden, der von Robert Irwin entworfen wurde. Zu den ausgestellten Kunstwerken gehört das Gemälde von Vincent Van Gogh Schwertlilien.

Der vom Architekten Richard Meier entworfene Campus beherbergt auch das Getty Research Institute (GRI), das Getty Conservation Institute, die Getty Foundation und den J. Paul Getty Trust. Der Entwurf des Zentrums umfasste spezielle Bestimmungen, um Bedenken hinsichtlich Erdbeben und Bränden zu begegnen.


Das Privatleben von J. Paul Getty

Dieser Erfolg führte zu Aufmerksamkeit, und diese Aufmerksamkeit – insbesondere der weiblichen Art –, und Getty heiratete allein in den 1920er Jahren insgesamt dreimal. Sein Vater, von dem sein geschäftlicher Erfolg ausging, war von der kriminellen Natur seines Sohnes sehr betrübt und hinterließ ihm bei seinem Tod nur einen Bruchteil seines Vermögens von 10 Millionen Dollar. Nicht, dass es eine Rolle spielte – Getty war zu diesem Zeitpunkt selbst ein Multimillionär und stellte sogar seinen Vater in den Schatten.

Kurz vor seinem Tod 1930 wurde Gettys Vater George jedoch mit den Worten zitiert, dass die Rücksichtslosigkeit, Wankelmütigkeit und Geldbesessenheit seines Sohnes letztendlich zur Zerstörung des gemeinsam aufgebauten Unternehmens führen würden. Doch kluge Investitionen und Geschäftsfähigkeiten ließen den jüngeren Getty aufblühen. Er überstand den Finanzsturm der Weltwirtschaftskrise bewundernswert und erwarb Ölgesellschaften von Tidewater Oil bis zur Pacific Western Oil Corporation – und baute sein Geschäft aus, bis es nicht nur Amerika, sondern die ganze Welt umspannte.


Ölimperium

Nach seinem Abschluss kehrte Getty in die Vereinigten Staaten zurück und begann als Wildcatter zu arbeiten, indem er Ölpachtverträge in Oklahoma kaufte und verkaufte. Bis 1916 hatte Getty seine erste Million Dollar mit einem erfolgreichen Bohrloch verdient, und er tat sich mit seinem Vater zusammen, um die Getty Oil Company zu gründen. Mit seinem neuen Vermögen zog er sich kurzzeitig in Los Angeles in ein Freizeitleben zurück, bevor er 1919 ins Ölgeschäft zurückkehrte. 

Während der 1920er Jahre sammelten Getty und sein Vater weiterhin Vermögen durch Bohr- und Leasingvermittlungen. Als George 1930 starb, erhielt Getty ein Erbe von 500.000 US-Dollar und wurde Präsident der Ölgesellschaft seines Vaters, obwohl seine Mutter die Mehrheitsbeteiligung behielt.

In seiner neuen Position machte sich Getty daran, das Unternehmen zu restrukturieren und zu einem autarken Unternehmen auszubauen, das von Bohrungen über Raffination bis hin zum Transport und Verkauf von Öl alles tat. Er begann, andere Unternehmen zu kaufen und zu kontrollieren, darunter  Pacific Western Oil, Skelly Oil und Tidewater Oil. Nach dem Zweiten Weltkrieg ging Getty auch ein Risiko ein, indem er Millionen in die "Neutral Zone" zwischen Kuwait und Saudi-Arabien investierte. Sein Wagnis zahlte sich 1953 aus, als Öl geschlagen wurde und mit einer Geschwindigkeit von 16 Millionen Barrel pro Jahr zu fließen begann.

1957, Reichtum Das Magazin nannte Getty den reichsten Mann der Welt. Zehn Jahre später konsolidierte er seine Geschäftsinteressen in der Getty Oil Company, und Mitte der 1970er Jahre wurde geschätzt, dass er ein persönliches Vermögen von 2 bis 4 Milliarden US-Dollar aufgebaut hatte.


Die Villa, die J. Paul Getty gebaut, aber nie gesehen hat

Ironischerweise hat J. Paul Getty die Getty Villa nie gesehen. Er starb zwei Jahre nach der Eröffnung seines Museums im Januar 1974 in einem Neubau, der einem antiken römischen Luxushaus nachempfunden war. Erst nach Gettys Tod im Juni 1976 kehrte er von seinem Anwesen in England auf seine „Ranch“ an der Pazifikküste zurück: Er ist dort am Rande des Grundstücks auf einem privaten Grundstück mit Blick auf den Ozean begraben, zusammen mit seinem ältesten und jüngsten Söhne, George und Timothy, die beide vor ihm gestorben sind.

Nach einer Renovierung und Neuinstallation der Galerien schlägt die Getty Villa ein neues Kapitel in ihrer Geschichte auf. Obwohl Getty seine Kreation nie zu Gesicht bekam, durchdringt die Geschichte, wie er die Villa baute und seine Sammlung zusammenstellte, bis heute die Galerien. Eine Reihe neu gestalteter Räume – Galerien 105 bis 108 – teilen diese Geschichte. Mit antiken Kunstwerken, die Getty selbst zusammen mit Archivdokumenten gekauft hat, stellen die neuen Ausstellungen die Objekte in ihren kulturellen Kontext und beleuchten Gettys persönliche Beziehung zu seinem Museum und seiner letzten Ruhestätte.

Von einem Ranchhaus zu einer antiken Villa

Getty kaufte die 64 Hektar große Ranch – einst Teil der Rancho Boca de Santa Monica, einer 6.656 Hektar großen mexikanischen Landbewilligung aus dem frühen 19. Theodora („Teddy“) konnte Pferde reiten und er konnte seine wachsende Kunstsammlung ausstellen.

Das Ranch House vor der Renovierung, zwischen 1920 und 1945. Getty Research Institute, Institutional Archives

Er kannte die Gegend gut, denn er besaß bereits ein kleines Haus am Strand im nahe gelegenen Santa Monica, nur wenige Schritte von dem weitläufigen Komplex entfernt, den sein Freund und rivalisierender Sammler William Randolph Hearst für die Schauspielerin Marion Davies gebaut hatte. (Das Anwesen von Davies ist jetzt das Annenberg Community Beach House, während das Strandhaus von Getty durch einen großen modernen Wohnkomplex, 270 Palisades Beach Road, ersetzt wurde.)

Nach dem Kauf der Immobilie baute Getty das niedrige „Ranch House“ um und fügte eine zweite Etage und mehrere Elemente im spanischen Stil hinzu. Obwohl Getty die Vereinigten Staaten 1951 endgültig verließ und Teddy und ihren Sohn Timmy zurückließ, füllte er das Ranch House weiterhin mit Kunstwerken und öffnete es 1954 als J. Paul Getty Museum für die Öffentlichkeit.

Große Antiquitätengalerie im Getty Ranch House zwischen 1957 und 1974. Am anderen Ende der Galerie steht der Lansdowne Hercules. Das Getty Research Institute, Institutionelle Archive

Im Laufe der Zeit baute er das Gebäude aus, um seine wachsende Sammlung unterzubringen, und in den späten 1960er Jahren musste es weiter erweitert werden. Gettys Architekten erstellten mehrere Vorschläge in verschiedenen Stilrichtungen – spanisch, europäisch und modern –, die er alle ablehnte. Schließlich beschloss er, eine Nachbildung der antiken Villa dei Papiri in Herculaeneum zu bauen, die beim Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. Begraben wurde.

Alte und Neuere Geschichte treffen sich

Mehrere neu installierte Galerien im ersten Stock der Getty Villa zeigen Objekte, die sowohl von ihrer alten als auch von ihrer modernen Geschichte sprechen. Galerie 105, bekannt als die Halle der farbigen Marmore, wird von einer Marmorstatue der Venus dominiert. Getty gab bereitwillig zu, dass er „die Gesellschaft von Frauen genossen“ und als die Villa 1974 zum ersten Mal eröffnet wurde, war eine ganze Galerie den Bildern der Göttin der Liebe gewidmet.

Bei der Planung der neuen Ausstellung haben wir uns daher entschieden, dass sich die erste von zwei Einbauvitrinen in dieser Galerie auf Darstellungen der Venus in verschiedenen Medien konzentrieren sollte: Terrakotta, Marmor und Bronze. Das kleinste Objekt im Etui, ein fein gearbeiteter Bronzekopf der Göttin, einst an einer größeren Figur befestigt, besticht durch die Erhaltung eines goldenen Ohrrings mit einer einzelnen Perle. Perlen waren in der Antike wie heute hochgeschätzt und erzielten enorme Preise.

Das größte Objekt im Koffer, eine Terrakotta-Gruppe von a Liegende Frau auf einer Couch mit Amoretten, ist noch faszinierender. Es ist die erste „Antike“, die Getty gekauft hat. Als er 1939 in Rom um Teddy bat, der eine Ausbildung zum Opernsänger machte, gab er mehrere Gebote ab, die aus einer aristokratischen Sammlung in London verkauft wurden. Er interessierte sich besonders für die Wandteppiche, aber auf derselben Seite des Auktionskatalogs wie einige der von ihm begehrtesten Objekte war die Auflistung dieser Terrakotta. Es wurde mit ähnlichen Exemplaren in Verbindung gebracht, die Ende des 19. Jahrhunderts an der griechischen Stätte Tanagra gefunden wurden. Diese Kunstwerke waren bei Sammlern wegen der Lebendigkeit ihrer Kompositionen und der Einblicke, die sie in das tägliche Leben der Antike zu geben schienen, beliebt.

Statuette einer auf einer Couch liegenden Frau mit Amoretten, 1875–90, wahrscheinlich in Griechenland hergestellt. Terrakotta, Pigment und Gold, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 Zoll. Das J. Paul Getty Museum, 78.AK.38. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

Detail von J. Paul Gettys persönlichem Exemplar des Sotheby's-Auktionskatalogs mit Gegenständen aus dem Cam House, London. Das Getty-Forschungsinstitut

Wie bei allen seinen Einkäufen war Getty schlau, um den bestmöglichen Preis zu erzielen. Aber sein kommentierter Auktionskatalog, der von der ehemaligen kuratorischen Assistentin des Getty Museums, Laure Marest-Caffey (jetzt Cornelius und Emily Vermeule Kuratorin für griechische und römische Kunst am Museum of Fine Arts, Boston), in den Sammlungen der Bibliothek des Getty Research Institute wiederentdeckt wurde, zeigt dies Getty selbst hatte Zweifel an der Echtheit. Am Rand unter dem Eintrag schrieb er „modern?“ Die Terrakotta gehörte zu einer ehrwürdigen englischen Sammlung, also ging Getty ein Risiko ein. Sein niedriges Gebot von 10 Pfund setzte sich durch, aber seine erste Antike erwies sich als überhaupt keine Antike.

Verlauf auf dem Display

Diese und andere Geschichten über J. Paul Getty und das Wachstum seiner Sammlungen werden in einer innovativen Ausstellung in der Galerie 107 erzählt. Aufbauend auf der laufenden Installation J. Paul Getty: Leben und Vermächtnis im Getty Center ermöglicht dieses interaktive Programm, das zusammen mit einigen von Gettys beliebtesten antiken Skulpturen installiert ist, den Besuchern Hunderte von Archivfotos, Karten, Grafiken und anderen Ressourcen im Zusammenhang mit Gettys Familie, Geschäft, Reisen, Entwicklung seiner Sammlungen, Entscheidung, bauen die Villa und bleibendes Erbe.

Der Lansdowne Hercules, ca. 125 n. Chr., Roman. Marmor, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 Zoll. Das J. Paul Getty Museum, 70.AA.109. Abgebildet im Herkulestempel (Galerie 108).

Die Galerie 108, bekannt als der Herkules-Tempel, sieht inzwischen genauso aus wie vor der Neuinstallation, verfügt jedoch jetzt über eine verbesserte Beleuchtung und einen kleineren seismischen Isolator unter der berühmten Statue des Lansdowne Hercules. Diese Veränderung macht es möglich, dass mehr von dem prächtigen polychromen Marmorboden zeigt, dass es sich um eine Nachbildung eines der ersten Funde von Brunnengräbern handelt, die 1750 die Villa dei Papiri entdeckten , Galerie 101C, und wird im Sommer 2019 Gegenstand einer internationalen Leihausstellung sein.

Getty hat seine Villa zwar nie besucht, sein Vermächtnis bleibt jedoch bestehen. Von seinen architektonischen Entscheidungen bis hin zu den von ihm gesammelten Objekten verschmilzt seine Geschichte des 20. Jahrhunderts mit der der Antike und liefert Geschichten, die uns bis heute fesseln.


Eine virtuelle Tour durch das Getty Museum

“Der Canal Grande in Venedig vom Palazzo Flangini zum Campo San Marcuola” von Canaletto

“Der Canal Grande in Venedig vom Palazzo Flangini zum Campo San Marcuola” von Canaletto wurde 1738 gemalt.

Diese Komposition wird Veduta (italienisch für “view”) genannt, was ein sehr detailliertes, normalerweise großformatiges Gemälde einer Stadtlandschaft oder einer anderen Aussicht bedeutet.

Dieses Vendute-Gemälde zeigt den Oberlauf des Canal Grande in Venedig, Italien, nahe dem Eingang zum Cannaregio-Kanal. Venduta-Gemälde waren Mitte des 18. Jahrhunderts bei den wohlhabenden Touristen in Venedig beliebt.

“Modernes Rom – Campo Vaccino” von J.M.W. Turner

“Modernes Rom – Campo Vaccino” von J.M.W. Turner ist eine Landschaftsvision des unausgegrabenen Forum Romanum, das immer noch Campo Vaccino genannt wird, was „&8220Kuhweide“ bedeutet und im dunstigen Licht schimmert.

Zehn Jahre nach seiner letzten Reise nach Rom stellte sich Turner Rom aus seinem Gedächtnis vor. Kirchen und antike Monumente rund um das Forum Romanum lösen sich in leuchtenden Farben auf.

Links geht das Licht des Mondes auf. Die Sonne geht hinter dem Kapitol auf der rechten Seite unter.

“Iris” von Vincent van Gogh

“Irises” ist eines von mehreren Gemälden von ‘Irises’ von Vincent van Gogh und eines von einer Reihe von Gemälden, die er im letzten Jahr vor seinem Tod in der Anstalt in Saint-Rémy, Frankreich, gemalt hat.

Im Jahr 1889, nach mehreren Episoden von Selbstverstümmelung und Krankenhausaufenthalten, beschloss Van Gogh, eine Anstalt zu betreten. Dort schuf er im letzten Jahr vor seinem Tod über 120 Gemälde.

Kurz nachdem er die Anstalt betreten hatte, gründete Van Gogh Irises und arbeitete von der Natur im Garten der Anstalt. Er nannte die Malerei “der Blitzableiter für meine Krankheit”, weil er das Gefühl hatte, dass er sich durch das Weitermalen vor dem Wahnsinn bewahren konnte.

“Nach dem Bad, Frau trocknet ihren Rücken” von Edgar Degas

“After the Bath, Woman Drying Her Back” von Edgar Degas ist ein Druck einer weiblichen Badenden, die auf einem mit Handtüchern bedeckten Stuhl kniet, während sie ihren Rücken über die Rückenlehne des Stuhls wölbt, als ob sie mit der rechten Hand etwas aufnehmen wollte .

Dieser Druck ist Teil einer Serie von Fotografien, Drucken, Zeichnungen, Vorskizzen in Pastelltönen und Ölen von Degas aus dieser Zeit, die Frauen beim Baden darstellen.

Degas verwendete häufig Skizzen und Fotografien als Vorstufe, um das Licht und die Komposition seiner Gemälde zu studieren. Diese Arbeit ist Teil einer Serie, die Frauen, wie in diesem Beispiel, in unbequemen und unnatürlichen Positionen zeigt.

Degas sagte, er wolle beim Betrachter ein Gefühl erzeugen, “, als ob man durch ein Schlüsselloch schaute.”

“Wheatstacks, Schneeeffekt, Morgen” von Claude Monet

“Wheatstacks, Snow Effect, Morning” von Claude Monet ist Teil einer Reihe von geernteten Weizenstapeln. Die Serie besteht aus fünfundzwanzig Leinwänden, die Monet gegen Ende des Sommers 1890 begann, und obwohl Monet auch frühere Gemälde mit demselben Stapelthema produzierte.

Die impressionistische Serie ist berühmt dafür, wie Monet das gleiche Thema wiederholte, um das unterschiedliche Licht und die Atmosphäre zu verschiedenen Tageszeiten, über die Jahreszeiten und bei vielen Wetterbedingungen zu zeigen.

Monets Haystacks-Serie ist eine seiner ersten, die sich auf die Wiederholung eines Themas stützt, um einen subtilen Unterschied in der Farbwahrnehmung über verschiedene Tages-, Jahreszeiten und Wetterbedingungen hinweg zu veranschaulichen.

“Portrait of a Hellebardier” von Pontormo

“Portrait of a Halberdier” von Pontormo zeigt einen jungen Mann, der vor einer Festungsmauer steht und eine Hellebarde hält.

Eine Hellebarde ist eine zweihändige Stangenwaffe, die im 14. und 15. Jahrhundert zu prominenter Verwendung kam, und Truppen, die die Waffe verwendeten, wurden Hellebarden genannt.

Die Identität der Person ist jedoch nicht absolut, florentinische Aufzeichnungen stellen fest, dass der Künstler Pontormo während der Belagerung von Florenz im Jahr 1528 ein Porträt eines jungen Adligen namens Francesco Guardi als Soldat malte.

“Frühling” von Édouard Manet

Spring von Édouard Manet zeigt die Pariser Schauspielerin Jeanne DeMarsy in einem geblümten Kleid mit Sonnenschirm und Haube vor einem Hintergrund aus üppigem Laub und blauem Himmel als Verkörperung des Frühlings.

Sie ist souverän und geradeaus gerichtet dargestellt, ein Bild der Distanz, obwohl sie sich unseres Blickes voll bewusst zu sein scheint.

Dieses Gemälde war das erste eines geplanten Quartetts allegorischer Werke, bei denen schicke Pariser Frauen die vier Jahreszeiten darstellen. Die Idee war, eine Reihe von Jahreszeiten zu produzieren, die durch zeitgenössische Ideale von Frauen, Mode und Schönheit verkörpert werden.

Die Serie wurde nie beendet und Manet starb ein Jahr, nachdem sie nur die zweite der Serie, Autumn, fertiggestellt hatte.

Griechischer Kouros (Getty-Museum)

Dieser griechische Kouros im Getty Museum ist eine überlebensgroße Marmorstatue eines bartlosen nackten Jugendlichen in einer vorrückenden Haltung.

Der moderne Begriff kouros (Plural kouroi) wird für freistehende antike griechische Skulpturen verwendet, die erstmals in der archaischen Zeit im antiken Griechenland auftauchen und nackte männliche Jugendliche darstellen. Im Altgriechischen bedeutet kouros “Jugend, Junge, besonders von edlem Rang.”

Solche Statuen sind in der griechischsprachigen Welt zu finden. Die meisten dieser Art wurden in den Heiligtümern von Apollo gefunden.

“Frühling” von Lawrence Alma-Tadema

“Spring” von Lawrence Alma-Tadema zeigt das Fest der Cerealia in einer klassischen römischen Marmorterrassenstraße. In der antiken römischen Religion war die Cerealia das wichtigste Fest, das für die Getreidegöttin Ceres gefeiert wurde.

Es wurde sieben Tage lang von Mitte bis Ende April abgehalten und dieses Gemälde zeigt die Prozession von Frauen und Kindern, die Marmortreppen hinabsteigen, die bunte Blumen tragen und tragen.

Jubelnde Zuschauer füllen alle Aussichtspunkte der klassischen römischen Bauten.

Tademas Neugier auf die antike Welt Griechenlands und Roms war unstillbar, und sein Wissen fließt in dieses Gemälde durch architektonische Details, Kleidung, Skulpturen und Ornamente ein, die auf römischen Originalen basieren.

“Portrait of a Man” von Paolo Veronese

“Portrait of a Man” von Paolo Veronese zeigt einen Mann, der sich auf den Sockel einer Struktur mit Säulen stützt. In einer Nische zwischen den Säulen befindet sich eine Marmorskulptur einer drapierten Figur, von der nur der untere Teil sichtbar ist.

Die Identität dieses Mannes ist jedoch ein Rätsel, die Hinweise auf dem Gemälde können sich auf den Beruf des Dargestellten beziehen, vielleicht auf den eines Bildhauers oder Architekten.

“Euclid’ von Jusepe de Ribera

Euklid von Jusepe de Ribera, zeigt den "Vater der Geometrie", der aus den Schatten hinter einem Tisch auftaucht. Präsentiert als feierlicher Gelehrter, der sein abgenutztes Buch mit verschiedenen geometrischen Figuren und pseudo-griechischen Schriftzeichen zeigt.

De Ribera konzentrierte sein ganzes Können auf die Gesichtsdetails des Mannes, vom ungepflegten Bart über die Falten seiner Stirn bis hin zu den Liderfalten über seinen dunklen Augen.

Dargestellt als Mann mit zerfetzter Kleidung und geschwärzten, schmutzigen Fingern, um Euklids Hingabe an die intellektuellen und nicht an die materiellen Bestrebungen zu unterstreichen.

“Venus und Adonis” von Tizian

“Venus und Adonis” von Tizian zeigt Venus, die versucht, ihren Geliebten Adonis davon abzuhalten, auf die Jagd zu gehen. Seine Hunde zerren an ihren Leinen, was seine Ungeduld widerspiegelt, wie in Ovids Metamorphosen beschrieben.

Im Hintergrund schläft Amor, ein Symbol für Adonis’ Widerstand gegen die Umarmung der Venus. Die Geschichte erzählt, wie eines Morgens, als Venus in ihrem vom Himmel getragenen Wagen abfährt, die Hunde von Adonis ein Wildschwein wecken, das sich gegen ihn wendet.

Venus hört Adonis' Stöhnen, springt von ihrem Wagen und findet ihn im Sterben. Aus dem Blut ihres Geliebten kreiert sie eine zerbrechliche Blume, deren Blütenblätter im Wind verstreut sind, auf Griechisch Anemone ’ Windflower’ genannt.

“Porträt der Marquise de Miramon” von James Tissot

“Portrait of Marquise de Miramon” von James Tissot zeigt die Marquise in einem rosafarbenen, gekräuselten Peignoir. Um ihren Hals sind ein schwarzer Spitzenschal und ein silbernes Kreuz.

Hinter ihr befindet sich ein modischer japanischer Bildschirm mit Kranichen auf goldenem Hintergrund, und auf dem Kaminsims befinden sich mehrere japanische Keramiken.

Der Louis XVI-Hocker und die Terrakotta-Büste deuten auf ihren aristokratischen Status hin. Dieses Gemälde wurde auf der Pariser Weltausstellung ausgestellt. Thérèse Feuillant (1836 – 1912) erbte ein Vermögen von ihrem Vater und heiratete 1860 Réné de Cassagne de Beaufort, Marquis de Miramon.

“The Rue Mosnier gekleidet mit Flaggen” von Édouard Manet

“The Rue Mosnier Dressed with Flags” von Édouard Manet zeigt eine Pariser Straße, geschmückt mit französischen Flaggen für den ersten Nationalfeiertag, der am 30. Juni 1878 stattfand. Sie hieß “Fête de la Paix,” oder auf Englisch, “Feier des Friedens.”

Die Rue Mosnier, die heute Rue de Berne heißt, konnte von Manets Atelier in der Rue de Saint-Pétersbourg 4 aus gesehen werden. Diese Leinwand zeigt den Blick aus seinem Fenster im zweiten Stock, wobei dreifarbige Fahnen an den Gebäuden entlang der Straße hängen.

Manet hielt den Feiertagsnachmittag in der oberen Hälfte der Komposition mit einer patriotischen Harmonie der Rot-, Weiß- und Blautöne der französischen Flagge fest, die entlang der Straße wehte.

In der unteren Hälfte der Komposition ist ein einbeiniger Mann auf Krücken zu sehen, möglicherweise ein im Deutsch-Französischen Krieg verwundeter Veteran. Unten ist auch ein Mann, der eine Leiter trägt, und links ein Zaun, der den Bauschutt abhält.

Die städtische Straße war ein Thema des Interesses für impressionistische und modernistische Maler. Manet reflektierte die Transformation und das Wachstum des Industriezeitalters und deren Auswirkungen auf die Gesellschaft.


Die Ursprünge der Blumenkrone

Die Blumenkrone ist heute ein modisches Accessoire für Coachella-Nachtschwärmer und Boho-Bräute, aber es ist nicht neu: Das Tragen von Blättern und Blumen als Kopfschmuck hat eine reiche Geschichte, die bis in die antike Welt zurückreicht.

Die Kreis- oder Hufeisenform des Kranzes ist seit der Antike ein Symbol für Ruhm, Macht und Ewigkeit. Im antiken Griechenland und Rom wurden viele Kronen aus Wolle und Laub wie Myrten- und Efeublättern hergestellt und mit verschiedenen Blumen geschmückt, die im Laufe der Zeit verschiedene Assoziationen hatten.

Antike Götter und Göttinnen wurden in Kunst und Literatur oft mit speziellen Pflanzen dargestellt, die ihnen gewidmet waren. In Ovids Metamorphosen, die schöne Nymphe Daphne entkommt ihrem Verfolger, dem Gott Apollo, indem sie sich in einen Lorbeerbaum verwandelt. Apollo schneidet einen Ast vom Baum ab und ruft: „Obwohl du nicht meine Frau sein kannst, sollst du wenigstens mein Baum sein, ich werde dich immer auf meinen Haaren tragen, auf meinem Köcher, oh Laurel.“ (557–559). Er hält Wort und wird daher oft mit einem Lorbeerkranz als Symbol seiner Liebe zu Daphne dargestellt. Apollo ist der Gott der Dichter und Schriftsteller, und der Begriff Dichterpreisträger, den wir heute verwenden, stammt aus diesem Mythos.

Weiße Pappelblätter wurden mit Herkules in Verbindung gebracht, der den Baum der Überlieferung nach aus Nordwestgriechenland nach Olympia importierte.

Herkules trägt einen Kranz. Statue des Herkules, 100-199 n. Chr., Roman. Marmor mit Polychromie, 46 Zoll hoch. Das J. Paul Getty Museum, 73.AA.43.1. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

Die alten Griechen führten die Krone zuerst als Ehrenbelohnung für Sieger in sportlichen, militärischen, poetischen und musikalischen Wettkämpfen ein. Zum Beispiel wurden alle vier Jahre die Pythian Games zu Ehren von Apollo in Delphi abgehalten, und die Gewinner erhielten traditionell einen Lorbeerkranz. Der Lorbeerbaum stammt aus dem Mittelmeerraum und war ein wichtiges Symbol für Sieg, Leistung und Status.

Olivenkränze wurden auch an Gewinner von Sportwettkämpfen verliehen, wie der unten gezeigte nackte junge Mann. In Olympia, wo die Olympischen Spiele stattfanden, wuchsen wilde Olivenbäume, und die Sieger dieser Spiele erhielten Olivenkränze als Preise. Er könnte ein Läufer, Ringer oder Gewichtheber gewesen sein, der sich selbst krönt oder den Kranz abnimmt, um ihn als Zeichen der Frömmigkeit den Göttern zu widmen.

Ein junger Mann krönt sich mit einem Olivenkranz. Statue eines siegreichen Jünglings, 300-100 v. Chr., Griechisch, Bronze mit eingelegten Kupfernippeln, 59 5/8 Zoll hoch. Das J. Paul Getty Museum, 77.AB.30. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

Die Symbolik des Lorbeerkranzes ist bis heute erhalten geblieben. Es war beispielsweise auf dem Medaillendesign für die Olympischen Spiele 2016 in Rio prominent vertreten.

Die alten Römer setzten die Tradition der Krone als Belohnung für den Triumph fort. Sie kleideten ihre Anführer und Militärangehörigen mit Kronen aus Lorbeer, Eiche oder Myrte. Die Graskrone oder Corona obsidionalis war die höchste militärische Ehrung, die von einer belagerten Armee dem General verliehen wurde, der sie befreite. Es bestand aus Gras, Unkraut und Wildblumen, die an der Stelle gesammelt wurden, an der die Armee angegriffen worden war.

Ein Profil eines Mannes, der einen Lorbeerkranz trug, was darauf hindeutete, dass er wahrscheinlich einen hohen militärischen Rang hatte. Cameo, 1700 – 1800, europäisch. Das J. Paul Getty Museum, 83.AL.257.15, Nachlass von Eli Djeddah. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

Blumenkronen wurden auch zu Festen und Feiern getragen, ähnlich wie sie heute bei Veranstaltungen wie Götteropfern und Festen üblich waren. In Darstellungen griechischer Männer bei Symposien (aristokratische Trinkgelage) sieht man oft Figuren mit Kränzen. Sie glaubten, dass das Binden eines Filets fest um ihren Kopf ihre Trunkenheit lindern könnte – obwohl die heutigen Festivalbesucher möglicherweise anderer Meinung sind. Diese bestanden ursprünglich aus Wolle, wurden aber später mit Blumen und Blütenblättern von Rosen, Veilchen, Myrte und Petersilie verziert.

Weinbecher mit einem Jüngling und einem Mann, 450-440 v. Chr., dem Euaion-Maler zugeschrieben. Terrakotta, 15 9/16 Zoll Durchm. Das J. Paul Getty Museum, 86.AE.682. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

In Rom wurde das Floralia-Festival zu Ehren von Flora, der Göttin der Blumen, der Vegetation und des Frühlings, abgehalten – kein Wunder also, dass ein Kopfschmuck aus Blütenblättern und verflochtenen Ranken das Must-Have-Accessoire war. In dieser Darstellung einer Flora-Statue ist sie mit ihrer Blumenkrone dargestellt.

Farnese Flora-Statuette, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 Zoll. Das J. Paul Getty Museum, 84.XB.935.23.3.83. Digitales Bild mit freundlicher Genehmigung des Open-Content-Programms von Getty

In Europa wurde dieses religiöse Fest später als weltlicher Maifeiertag gefeiert. In Alma-Tademas Gemälde Feder, repräsentiert die Künstlerin dieses Fest und die Tradition, Kinder am ersten Maitag zum Blumenpflücken auszusenden. Eine Prozession von Frauen und Kindern trägt bunte Blumenkronen und trägt Blumenkörbe. Alma-Tadema war von der antiken Welt besessen, und er hat diese viktorianische Feier sogar in einem imaginären antiken Rom veranstaltet.

Eine Prozession von Frauen und Kindern mit bunten Blumenkronen. Feder, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Öl auf Leinwand, 70 1/4 × 31 5/8 Zoll. Das J. Paul Getty Museum, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Weiterführende Literatur

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

Folge der Sonne

Dienstleistungen

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Pressemitteilung

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Natur, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Das J. Paul Getty Museum collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Pressemitteilung

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Das J. Paul Getty Museum collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Schau das Video: J Paul Getty Museum vol 3