Der Beginn des kommerziellen Kinos

Der Beginn des kommerziellen Kinos


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Am 28. Dezember 1895 sendeten die Brüder Lumière, Pioniere des modernen Films, zum ersten Mal in der Geschichte Spielfilme an ein zahlendes Publikum. Infolgedessen ist dieses Datum für immer mit dem Anbruch des Filmzeitalters und den immensen Veränderungen verbunden, die diese Technologie in unser Leben gebracht hat.

Diese Franzosen, August und Louis, haben den bewegenden Film nicht erfunden, sondern ihn so weit gebracht, dass er erstmals als Mittel der Volksunterhaltung eingesetzt werden konnte.

Seit Generationen war Drake's Island, etwas außerhalb des Hafens von Plymouth gelegen, im Besitz des Verteidigungsministeriums. Vor kurzem ist diese Inselbastion jedoch in Privatbesitz übergegangen. In diesem Dokumentarfilm gibt Bob King, der Torwächter von Drake's Island, Dan eine exklusive Tour durch dieses extrem militarisierte Stück Land.

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Film findet seine Füße

Der produktive amerikanische Erfinder Thomas Edison hatte bereits ein „Kinetoskop“ zum Betrachten von bewegten Bildern entwickelt, aber das Problem bei diesem „Peep-Show“-Gerät war, dass es nur von einer Person gleichzeitig betrachtet werden konnte.

Thomas Edison im Jahr 1922.

Die Lumières waren seit den frühen 188er Jahren im aufstrebenden Fotogeschäft tätig, aber als sie es nach der Pensionierung ihres Vaters erbten, beschlossen sie, eine neue und ehrgeizige Richtung einzuschlagen.

In ihrer kleinen Fabrik in Lyon entwickelten sie zahlreiche Technologien, die für eine funktionierende Filmkamera unerlässlich sind, vor allem Filmperforationen, die sorgfältig gestanzten Löcher auf der Seite von schwarzem physischem Film. Im Jahr 1892 stolperte ein französischer Schriftsteller namens Léon Bouly über die Idee und die Vorentwürfe für einen, wie er es nannte, „Cinematograph“.

Der Hauptunterschied zwischen dieser und Edisons Maschine bestand darin, dass sie auch einen Projektor enthielt, der es vielen Menschen ermöglichte, einen bewegten Film gleichzeitig zu sehen. Aus Geldmangel und echtem technischem Know-how verkaufte Bouly jedoch seine Namens- und Designrechte an die Lumières, die sich dann daran machten, seinen Traum zu verwirklichen.

Von Oliver Cromwell bis Robin Cook, von Ellen Wilkins bis Margaret Thatcher, von Edmund Burke bis Winston Churchill. Dan Snow blickt auf einige der großartigsten Reden zurück, die jemals in Westminster gehalten wurden.

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Vision der Lumières

Im Februar 1893 patentierten die Brüder erfolgreich ihre eigene stark verbesserte Version des Cinematographen und schafften es, ihr erstes bewegtes Bild aufzunehmen. Sortie de l'usine Lumière de Lyon, zeigten, dass Arbeiter ihre Fabrik innerhalb von zwei Jahren verließen.

Nach einer erfolgreichen öffentlichen Vorführung des Films im ersten Kino der Welt in Südfrankreich erkannten sie, dass mit bezahlten Vorführungen große Gewinne zu erzielen waren.

Nach erfolgreicher Werbekampagne fand im Grand Café die weltweit erste kommerzielle Vorführung statt Boulevard des Capuchines in Paris, wo die Lumières ihre ersten zehn Filme einem bewundernden Publikum präsentierten.

Jeder Film war etwa 17 Meter lang, dauerte weniger als eine Minute und musste von Hand durch einen Projektor gekurbelt werden, aber ihr Empfang war mit staunender Freude. Auf der großen Pariser Ausstellung von 1900 war der Kinematograph eine der Hauptattraktionen, und die Brüder trugen ihre Erfindung in die ganze Welt und zogen faszinierte Massen an.

Postkarte der Pariser Ausstellung (oder L’Exposition Universelle), 1900. (Credit: Paris-16).

Das Zeitalter des Kinos hatte begonnen, und 1906 waren einstündige Spielfilme möglich, als das Potenzial der Technologie zum Leben erwachte.


Geschäftsgebäude in der Monroe Avenue

Die Geschäftsgebäude in der Monroe Avenue, auch bekannt als die Monroe-Block, ist ein historisches Viertel an der Monroe Avenue 16-118 in Detroit, Michigan, direkt an der Woodward Avenue am nördlichen Ende des Campus Martius. Der Bezirk wurde 1974 zum Michigan State Historic Site erklärt [2] und 1975 in das National Register of Historic Places aufgenommen. [1] Die dreizehn ursprünglichen Gebäude wurden zwischen 1852 und 1911 erbaut und hatten eine Höhe von zwei bis fünf Stockwerken. [2] Das 1911 erbaute National Theatre ist das älteste erhaltene Theater in Detroit, ein Teil des ursprünglichen Theaterviertels der Stadt aus dem späten 19. [3] [4]


1. Kubrick hat versucht, eine Ausländerversicherung abzuschließen

Kurz vor der NASA’s Seemann 4 Raumschiff passierte den Mars im Juli 1965, ein besorgter Kubrick versuchte, eine Versicherung bei Lloyd’s of London— abzuschließen, falls die Entdeckung außerirdischen Lebens die Handlung ruinierte, an der er damals mit dem Science-Fiction-Autor Arthur C. Clarke arbeitete. “Wie es den Underwritern gelungen ist, die Prämie zu berechnen, kann ich mir nicht vorstellen,” Clarke schrieb verwundert, �r die von ihnen zitierte Zahl war leicht astronomisch und das Projekt wurde fallen gelassen. Stanley beschloss, sein Risiko mit dem Universum einzugehen.” Am Ende Seemann’s Bilder zeigten eine raue, kraterartige, mondähnliche Oberfläche, die sofort die Hoffnung dämpfte, dass intelligentes Leben—oder überhaupt jedes Leben— auf diesem Planeten existieren könnte.

Arthur Clarke, Autor von �: A Space Odyssey.’ (Credit: SIPA/AP Photo)


Die Anfänge des kommerziellen Kinos - Geschichte

"Dies war der erste Versuch, eine Camera Obscura zu bilden, ein Instrument, das der Menschheit so unschätzbare Vorteile gebracht hat."

Dieser Text untersucht den gesamten Verlauf, vom Lochbild bis zum Bildschirm. Unser Ziel ist es, einen möglichst gründlichen, erschöpfenden und umfassenden Blick auf jede Komponente des Mediums Film zu geben und ihm dabei Leben und Halt zu geben.

Chronologisch präsentiert, umfasst THE HISTORY OF THE DISCOVERY OF CINEMATOGRAPHY eine eigene historische und faktische Neuschöpfung, die alle Eigenschaften der Kinematografie und die für ihre Entdeckung oder Erfindung verantwortlichen Personen vereint und diese Stücke zu einer sich ständig weiterentwickelnden Geschichte verbindet. Die tatsächliche Vision, die viele dieser Persönlichkeiten während ihres Engagements in diesem faszinierenden Prozess der Kreativität, Produktion und Verbesserung hatten, ist erstaunlich.

Im März 1895 gaben sie ihre erste private Filmvorführung, und im Dezember begannen sie mit öffentlichen Vorführungen im Grand Café in Paris. Diese waren fast sofort beliebt, und 1896 bauten die Lumiégravere einen Raum des Cafés in das erste Kino der Welt um. Der Cinématographe verbreitete sich schnell in Europa und wurde 1896 in die Vereinigten Staaten importiert.


Indisches Kino

Indien hat eine der ältesten und größten Filmindustrien der Welt. Anfang 1913 wurde ein indischer Film öffentlich gezeigt. Der Film war Raja Harischandra. An seinen Regisseur Dadasaheb Phalke erinnert man sich nun durch eine Auszeichnung für sein Lebenswerk, die von der Filmindustrie in seinem Namen verliehen wird. Zu diesem Zeitpunkt war es wirklich schwer, jemanden zu arrangieren, der die Rolle der Frau darstellt. In der Mittelschicht wird diese Assoziation des Handelns mit dem Verlust von Tugend, weiblicher Bescheidenheit und Seriosität erst seit kurzem in Frage gestellt.

Während eine Reihe anderer Filmemacher, die in mehreren indischen Sprachen arbeiteten, Pionierarbeit für das Wachstum und die Entwicklung des indischen Kinos leisteten, begann das Studiosystem in den frühen 1930er Jahren zu entstehen. Sein erfolgreichster früher Film war Devdas (1935), dessen Regisseur P.C. Barua trat auch in der Hauptrolle auf. Auch die 1929 von V. G. Damle, Shantaram, S. Fatehlal und zwei weiteren Männern gegründete Prabhat Film Company erzielte um diese Zeit ihren ersten Erfolg. Damle und Fatehlals Sant Tukaram (1936), gedreht in Marathi, war der erste indische Film, der internationale Anerkennung fand.

Vor allem die Sozialfilme von V. Shantaram ebneten den Weg für eine ganze Reihe von Regisseuren, die es auf sich nahmen, nicht nur die Institutionen Ehe, Mitgift und Witwenschaft zu befragen, sondern auch die gravierenden Ungerechtigkeiten, die von Kaste und Klasse geschaffen wurden Unterscheidungen. Einige der sozialen Probleme fanden ihren eindeutigsten Ausdruck in Achhut Kanya ("Untouchable Girl", 1936), einem Film von Himanshu Rai von Bombay Talkies. Der Film schildert die Mühsal eines Harijan-Mädchens, gespielt von Devika Rani, und eines Brahmanen-Jungen, gespielt von Ashok Kumar.

Die nächste bemerkenswerte Phase des Hindi-Kinos ist mit Persönlichkeiten wie Raj Kapoor, Bimal Roy und Guru Dutt verbunden. Der Sohn von Prithviraj Kapoor, Raj Kapoor, hat einige der am meisten bewunderten und denkwürdigsten Filme im Hindi-Kino geschaffen.

Awaara (The Vagabond, 1951), Shri 420 (1955) und Jagte Raho (1957) waren sowohl kommerzielle als auch kritische Erfolge. Bimal Roys Do Bigha Zamin, das den Einfluss des italienischen Neorealismus zeigt, erforschte das harte Leben der ländlichen Bauernschaft unter härtesten Bedingungen. In der Zwischenzeit hatte das Hindi-Kino den Aufstieg seines ersten anerkannten Genies erlebt, Guru Dutt, dessen Filme die Konventionen der Gesellschaft kritisierten und die Bedingungen beklagten, die Künstler dazu veranlassen, ihre Inspiration aufzugeben. Von Baruas Devdas (1935) bis hin zu Guru Dutts Sahib, Bibi aur Gulam, ist das Motiv der "vorherbestimmten Liebe" groß: Für viele Gegner prägt eine mürrische Sentimentalität selbst das Beste des Hindi-Kinos vor dem Aufkommen des neuen oder alternativen indischen Kinos in den 1970ern.

Es steht außer Frage, dass unter dem Einfluss bengalischer Filmemacher wie Satyajit Ray, Ritwik Ghatak und Mrinal Sen in den 1970er Jahren auch das indische Kino, nicht nur in Hindi, eine etwas andere Wendung gegen den kommerziellen Strom nahm Kino, das von Gesangs- und Tanzroutinen, unbedeutenden Handlungen und Familiendramen geprägt ist. Ghatak war später Direktor der Film- und Fernsehschule in Pune, von wo aus die erste Generation einer neuen Generation indischer Filmemacher und Schauspieler - Naseeruddin Shah, Shabana Azmi, Smita Patil und Om Puri zu den letzteren gehörten auftauchen.

Diese Filmemacher wie Shyam Benegal, Ketan Mehta, Govind Nihalani und Saeed Mirza zeigten eine andere ästhetische und politische Sensibilität und neigten dazu, die Kasten- und Klassenwidersprüche der indischen Gesellschaft, die Art der Unterdrückung von Frauen, die durch den Industrialismus und die Migration von ländlichen in städtische Gebiete verursachte Verwerfungen, das Problem der Landlosigkeit, die Ohnmacht gewöhnlicher demokratischer und verfassungsmäßiger Wiedergutmachungsverfahren und so weiter.

Das beliebte Hindi-Kino zeichnet sich durch wichtige Veränderungen aus, die zu zahlreich sind, um mehr als die leiseste Erwähnung zu erhalten. Die Sing-und-Tanz-Routine ist jetzt systematisierter, regelmäßiger in ihren Mustern das 'Andere', sei es in Gestalt des Terroristen oder des unveränderlichen Bösewichts, hat eine düsterere Präsenz der Nationalstaat ist in seinen Forderungen fixierter unsere Loyalität und unser Knicks die indische Diaspora ist eine größere Präsenz in der indischen Vorstellung und so weiter. Dies sind nur einige Überlegungen: Wer die Welt des indischen Kinos entdecken möchte, sollte auch seine Präsenz in indischen Räumen, seine Beziehung zu einheimischen Kunstformen und Massenkunst replizieren.

Die indische Filmindustrie, bekannt als Bollywood, ist die größte der Welt und hat große Filmstudios in Mumbai (Bombay), Kalkutta, Chennai, Bangalore und Hyderabad. Zusammen drehen sie mehr als 1000 Filme pro Jahr für ein äußerst dankbares Publikum auf der ganzen Welt. Das indische Kino ist seit fast 50 Jahren die zentrale Unterhaltungsform in Indien, und mit seiner zunehmenden Sichtbarkeit und seinem Erfolg im Ausland wird es nicht mehr lange dauern, bis die indische Filmindustrie als ihr westliches Pendant gut durchdacht ist. Hollywood. Kommerzielle Mainstream-Veröffentlichungen dominieren jedoch weiterhin den Markt, und zwar nicht nur in Indien, sondern überall dort, wo das indische Kino eine große Fangemeinde hat, sei es in weiten Teilen der britischen Karibik, Fidschi, Ost- und Südafrika, Großbritannien, USA, Kanada, oder den Nahen Osten.

Indien ist bekannt für sein kommerzielles Kino, besser bekannt als Bollywood. Neben dem kommerziellen Kino gibt es auch das indische Kunstkino, das von Filmkritikern als "New Indian Cinema" oder manchmal "The Indian New Wave" bezeichnet wird (siehe Encyclopedia of Indian Cinema). Viele Menschen in Indien bezeichnen solche Filme eindeutig als "Kunstfilme" im Gegensatz zum kommerziellen Mainstream-Kino. Von den 1960er bis in die 1980er Jahre war der Kunstfilm oder das Parallelkino in der Regel staatlich gefördertes Kino.

Kommerzielles Kino ist die beliebteste Form des Kinos in Indien. Seit seiner Gründung haben die kommerziellen indischen Filme eine große Anhängerschaft gefunden. Kommerzielles oder populäres Kino wird nicht nur in Hindi gedreht, sondern auch in vielen anderen Regionalsprachen Ost- und Südindiens. Schauen wir uns einige der allgemeinen Konventionen für kommerzielle Filme in Indien an. Kommerzielle Filme, in welchen Sprachen auch immer sie gedreht werden, sind in der Regel ziemlich lang (ungefähr drei Stunden) mit einer Pause. Ein weiteres wichtiges Merkmal des kommerziellen Kinos in Indien ist die Musik.

Indien ist die Heimat einer der größten Filmindustrien der Welt. Jedes Jahr werden in Indien Tausende von Filmen produziert. Die indische Filmindustrie umfasst Hindi-Filme, regionale Filme und Kunstkino. Die indische Filmindustrie wird hauptsächlich von einem großen indischen Publikum unterstützt, obwohl indische Filme im Rest der Welt immer beliebter werden, insbesondere in Ländern mit vielen ausgewanderten Indern.


Georges Lautner Nachruf

Seit den Anfängen des Kinos hat Frankreich gleichzeitig und ununterbrochen gute Mainstream- und Arthouse-Filme produziert. Georges Lautner, der im Alter von 87 Jahren gestorben ist, behauptete unverfroren, dass die fast 50 Filme, die er von 1958 bis 1992 inszenierte, zur ersten Kategorie gehören. Lautners hauptsächlich Cops-and-Räuber-Filme gehörten zu den beliebtesten Filmen, die jemals in Frankreich gedreht wurden.

"Ich wollte keinen Ruhm oder Meisterwerke machen, sondern populäre Filme, die den meisten gefallen würden", erklärte er einmal. "Internationale Anerkennung hat mich nicht interessiert. Ich war leidenschaftlich bei dem, was ich mit meinem treuen Team gemacht habe. Wir haben die Filme, die wir wollten, so schnell wie möglich gemacht. Aber mit der Zeit wirken meine kommerziellen Filme fast intellektuell."

Lautners unterschätzte Filme wurden nie nach Cannes eingeladen, bis das Festival 2012 eine verspätete "Hommage an Georges Lautner" zusammengestellt hat. Sein Tod veranlasste Präsident François Hollande zu erklären, dass seine Filme "ein Teil des filmischen Erbes unseres Landes geworden sind". Einige von ihnen erhielten auch den Beinamen "Kult", insbesondere Les Tontons Flingueurs (1963), die auf Englisch als Monsieur Gangster oder Crooks in Clover (wörtlich The Killer Uncles) übertragen wurden. Kaum ein paar Wochen vor Lautners Tod wurde eine Straße in Nantes Rue des Tontons Flingueurs genannt, wegen einer Erwähnung einer Figur namens Lulu la Nantaise, die von Bernard Blier in einer urkomischen Szene heraufbeschworen wurde, in der eine Gruppe Gangster in einer Küche herumschwirren Tisch.

Die Szene der Küche gehört zu den berühmtesten in Frankreich, dessen Dialoge viele Filmbesucher auswendig kennen, ebenso wie andere Zeilen von Michel Audiard, einem Meister der witzigen und bissigen französischen Argot. Eine Zeile im Film "Les cons ça ose tout. C'est même à ça qu'on les reconnaît" ("Idioten wagen alles. Daran erkennen wir sie"), gesprochen von Lino Ventura, ist im französischen Lexikon in etwa so angekommen, wie das britische Publikum "Infamy! Schande! Sie haben es alle auf mich abgesehen!" von Carry on Cleo.

Abgesehen von einem zu Recht vergessenen Thriller, Presumed Dangerous (1990), mit Robert Mitchum in einer Nebenrolle, war Lautners einziger englischsprachiger Film der bizarre Road to Salina (1970) mit Mimsy Farmer, Robert Walker Jr und Rita Hayworth, der hauptsächlich in die kanarischen Inseln. Quentin Tarantino verwendete in Kill Bill Volume 2 einen Song aus dem Film.

Lautner wurde in Nizza als Sohn eines Wiener Juweliers und Fliegers und Marie Louise Vittore geboren, die als Renée Saint-Cyr Filmstar war und später in elf Filmen ihres Sohnes mitwirkte. Im Alter von sieben Jahren ging Lautner nach Paris, als seine Mutter ihre Filmkarriere begann, und entdeckte das Kino. Nachdem er die Schule verlassen hatte, begann er Gelegenheitsjobs in den Studios zu bekommen. Eine Lehre als Regieassistent führte zu seinen ersten Filmen als Regisseur.

Nach drei lauen Dramen fand Lautner seine Stärke mit Le Monocle Noir (The Black Monocle, 1961), frei nach den Memoiren von Colonel Rémy, einem Geheimagenten während des Zweiten Weltkriegs. Lautner machte daraus einen Comedy-Thriller mit Paul Meurisse als Spion, bekannt als "das Monokel", weil er sein einziges Auge mit einem schwarzen Monokel bedeckte. Meuriss' herrlich exzentrischer, augenzwinkernder Auftritt wurde in ebenso erfolgreichen Fortsetzungen wiederholt: L'Oeil du Monocle (Das Auge des Monokels, 1962) und Le Monocle Rit Jaune (Das Monokel, 1964).

Obwohl Lautner in den 1960er Jahren weiterhin parodistische Hit-Komödien wie Les Tontons Flingueurs und Les Barbouzes (The Great Spy Chase, 1964) drehte, verirrte er sich gelegentlich ins Drama. Tatsächlich war sein Lieblingsfilm Le Septième Juré (The Seventh Juror, 1962) über einen verheirateten Mann (Blier), der ein Mädchen tötet, das seine Annäherungsversuche zurückweist. Als ihr verrufener Freund des Verbrechens angeklagt wird, findet er sich in der Jury wieder. Lautner meistert die Wendungen der Handlung und das ironische Ende souverän.

Das Mord-Melodram Galia (1966) hatte eine ziemlich profitable Veröffentlichung in Großbritannien und den USA, hauptsächlich wegen der entkleideten Präsenz des Ex-Models Mireille Darc, die in einem Dutzend von Lautners Filmen mitspielte. Tatsächlich versuchte der Regisseur, von Film zu Film dasselbe Team zu halten: die Schauspieler Darc, Ventura, Blier, Francis Blanche und Jean Lefebvre, Schriftsteller Audiard und Kameramann Maurice Fellous.

"Was ihn interessiert, ist, gute Schauspieler und einen guten Schriftsteller zu haben", bemerkte Fellous. "Er würde sagen: 'Wenn du mir ein schönes Bild machst, brauchst du eine Stunde. Das ist Geld, das ich für einen besseren Schauspieler für die zweite oder dritte Rolle nicht haben werde.' Aber er fügte hinzu: 'In jedem meiner Filme haben Sie eine Sequenz, mit der Sie Ihren Spaß haben können.'"

In spritzigen Cop-Dramen wie Le Pacha (Pasha, 1968), in denen Jean Gabin seine dominante Präsenz als weltmüdiger Polizeikommissar Il Était une Fois un Flic (Flic Story, 1971) und Flic ou Voyou (Cop or Hood, 1979), letzterer der erste von fünf Lautner-Filmen mit Jean-Paul Belmondo in der Hauptrolle.

Einer von ihnen, Le Professionnel (The Professional, 1981) – Lautners größter Kassenerfolg der 80er – war ein unterhaltsamer Actionfilm mit einem energischen Belmondo als Geheimagent. Lautners letzter Spielfilm war L'Inconnu dans la Maison (Fremder im Haus, 1992), in dem ein gedämpfter Belmondo einen alternden betrunkenen Anwalt spielt, der einen Mord untersucht.

Lautners Frau Caroline, die er 1949 kennenlernte, starb vor fast 20 Jahren. Er wird von seiner Tochter Alice und seinem Sohn Thomas überlebt.

Georges Lautner, Filmregisseur, geboren am 24. Januar 1926, gestorben am 22. November 2013


Erfolg im 21. Jahrhundert

Mit den technologischen Fortschritten wurden Studios mit der 3D-Technologie vertrauter. Disney veröffentlichte 2005 seinen Animationsfilm "Chicken Little in 3-D" in fast 100 Kinos in den Vereinigten Staaten. Im Jahr 2006 wurde "Superman Returns: An IMAX 3-D Experience" veröffentlicht, das 20 Minuten 2-D-Filmmaterial enthielt, das in 3-D "hochkonvertiert" wurde, ein Prozess, der es Filmemachern und Studios ermöglichte, 3-D-Filme zu erstellen. D-Filme mit in 2D aufgenommenen Filmen. Einer der ersten Filme, die diesen Umwandlungsprozess durchliefen, war "The Nightmare Before Christmas" von 1993, der im Oktober 2006 in einer 3-D-Version wiederveröffentlicht wurde.

In den nächsten drei Jahren veröffentlichten die Studios einen stetigen Strom von 3-D-Filmen, insbesondere Computeranimationsfilmen. Aber der Film, der das Spiel veränderte, war James Camerons "Avatar", ein Science-Fiction-Epos aus dem Jahr 2009, das das nutzte, was Cameron während der Dreharbeiten zu "Ghosts of the Abyss" über 3D-Filme gelernt hatte. "Avatar" wurde der umsatzstärkste Film der Filmgeschichte und der erste Film, der weltweit mehr als 2 Milliarden Dollar einspielte.

Mit dem beispiellosen Kassenerfolg von "Avatar" und seinen bahnbrechenden technischen Fortschritten wurde 3-D nicht mehr als Spielerei für schlockige Filme angesehen. In der Hoffnung, den gleichen Erfolg zu erzielen, haben andere Studios ihre Produktion von 3D-Filmen hochgefahren und manchmal Filme, die bereits in 2D gedreht wurden, in 3D umgewandelt (wie zum Beispiel "Clash of the Titans" von 2010). Bis 2011 hatten Multiplexe auf der ganzen Welt einige oder alle ihrer Hörsäle in 3-D-Theater umgewandelt. Die Mehrheit der Kinos nutzte dafür Projektionsmethoden, die von der Visual Effects-Firma RealD entwickelt wurden.


LatinX-Vertretung

Es gibt sogar einige Oscar-Kategorien, die LatinX-Leute fast 100 Jahre nach der Gründung der Academy Awards noch füllen müssen. Es sollte nicht vor der Mitte des 20. Jahrhunderts dauern, bis LatinX-Kinokünstler prominente Aufmerksamkeit erlangten oder die Möglichkeit erhielten, sich im cineastischen Rampenlicht zu sonnen, und leider bis vor kurzem weitgehend ignoriert.

Während einer der rassistischsten Zeiten in der amerikanischen Geschichte wurde der Schauspieler Anthony Quinn der erste Lateinamerikaner, der für einen Oscar nominiert wurde, nachdem er 1952 einen Oscar verdient hatte Viva Zapata! in der Kategorie Bester Nebendarsteller. In demselben Film spielte der weiße Schauspieler Marlon Brando den berühmten mexikanischen Revolutionär Emiliano Zapata . Mit all seinem Talent wurde Quinn auch der erste LatinX-Schauspieler, der einen Oscar gewann, nachdem er 1956 eine weitere Nominierung in derselben Kategorie für die Vincent Van Gogh-Biografie erhalten hatte Lebenslust . Ein mexikanischstämmiger Schauspieler wurde erst 56 Jahre später mit der Nominierung von Demian Bichir für dieselbe Kategorie nominiert Ein besseres Leben in 2012.

Aus irgendeinem Grund war die Mitte der fünfziger Jahre eine erkennbare Zeit für LatinX-Schauspieler, denn die lateinamerikanische Schauspielerin Katy Jurado wurde 1954 als beste Nebendarstellerin nominiert für Gebrochene Lanze . Obwohl sie kurz danach begannen, gab es bis zu diesem Zeitpunkt weitgehend keine kommerziell oder von der Kritik anerkannten LatinX-Darsteller. Die große Lücke bei den Nominierungen für den Best Actor Award folgte leider auch für die Best Actress .

Erst 2006 wurde mit Adriana Barrazas Performance in Alejandro G. Inarritus wieder ein Latina-Schauspieler nominiert, der zu einem revolutionären Wegbereiter des lateinamerikanischen Kinos und Films werden sollte Babel , in dem auch Brad Pitt und Cate Blanchett die Hauptrollen spielten . Latina-Schauspieler warteten bis 2002, um die Kategorie Beste Hauptdarstellerin zu erreichen, als Salma Hayek für ihre Leistung als Frida Kahlo in . nominiert wurde Frida . Sie hat leider nicht gewonnen. In der Geschichte der Academy Awards wurden nur acht LatinX-Schauspieler für die besten Haupt- und Nebenrollen nominiert. Glücklicherweise erhielten viele LatinX-Darsteller viel verdiente internationale Anerkennung, aber Hollywood ignorierte sie ein ganzes Jahrhundert lang.

Das Ende des 20. Jahrhunderts leitete eine neue Welle von LatinX-Talenten ein, mit Stars wie Antonio Banderas und Salma Hayek, die in der Lage waren, Hollywood-Stereotypen zu durchdringen und detaillierte Charaktere und Geschichten aus einer LatinX-Perspektive zu schaffen, die das amerikanische Publikum verblüfften Widerstand gegen eine allgemeine Missachtung von LatinX-Talenten oder lateinische Schauspieler, die als Geräte für einen größeren Teil der Geschichte eines cis-weißen Mannes oder einer cis-weißen Frau verwendet werden. Jetzt, da sich das LatinX auf dem Bildschirm zu verändern begann, braut sich ein schwieriger Kampf mit LatinX-Künstlern außerhalb des Bildschirms zusammen, der erst vor vierzehn Jahren aus seiner Blase platzen würde.


Die Brüder Lumière ziehen weg vom Kino

Auguste und Louis arbeiteten weiter an technischen Entwicklungen und entwickelten 1900 eine Kamera, die großformatige 75-mm-Filme aufnahm. 1905 zogen sich die Brüder Lumière jedoch aus dem Kinogeschäft zurück. Stattdessen arbeiteten sie 1907 an der Erfindung des ersten erfolgreichen fotografischen Farbverfahrens – dem Lumière Autochrome –. Louis arbeitete auch an einem Verfahren der stereoskopischen Kinematographie.

Die beiden Brüder lebten lange genug, um zu Lebzeiten als Pioniere des Kinos gefeiert zu werden. Wie Louis sagte:

… am 28. Dezember 1895 wurde wirklich der Ausdruck geboren: 'Ich war in einem Film.'


10. Morgendämmerung der Toten hatte fast ein dunkleres Ende.

Während der Produktion an Morgendämmerung der Toten, erzählte George Romero Rollender Stein Autor Chet Flippo, dass der Film in Flippos Worten „keinen Anfang und zwei Enden“ hatte. Romero erklärte, dass dies daran lag, dass er „von Moment zu Moment“ an dem Film arbeitete. Schließlich hat er natürlich den Anfang des Films herausgefunden und ging mit einem Ende, in dem Peter und Francine sich aus dem Einkaufszentrum auf das Dach kämpfen, wo sie im Hubschrauber entkommen. Also, was war das andere Ende?

Auf der Kommentarspur des Films diskutieren George, Chris Romero und Tom Savini alle ein viel dunkleres Konzept zum Abschluss des Films, in dem Peter sich selbst erschossen hätte (was er im letzten Schnitt in Erwägung zieht), während Francine in die sich drehenden Klingen gesprungen wäre des Hubschraubers, der einen der berühmtesten Zombie-Todesfälle früher im Film widerspiegelt. Dieses Ende wäre in die Fußstapfen von getreten Nacht der lebenden Totendüsteres Ende, aber Romero entschied sich letztendlich für etwas Helleres.

Der ursprüngliche Plan ging jedoch nicht um: Savini hatte bereits einen Abguss des Kopfes der Schauspielerin Gaylen Ross für Francines Todesszene gemacht, also verwandelte er ihn – mit Hilfe von Make-up und einer Perücke – für den berühmten explodierenden Kopf während der Razzia des Wohnprojekts erschossen.

Zusätzliche Quellen:
Schockwert von Jason Zinoman (The Penguin Press, 2011)
Morgendämmerung der Toten DVD-Kommentar (Anchor Bay, 2004)